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La fin d’un monde

RomeUn ouvrage fort intéressant revient sur les derniers jours de l’Empire romain d’Occident

Nombreux ont été les ouvrages, ces dernières années, à avoir tenté de percer le mystère de la fin de l’une des civilisations les plus brillantes que l’humanité ait jamais connue. Les uns invoquèrent tour à tour l’influence majeure du christianisme, d’autres la crise économique et d’autres encore la politique d’intégration. Qu’en fut-il rééllement ?

C’est à ce travail minutieux exigeant le sérieux de l’exégèse des textes et l’objectivité nécessaire dénuée de toute mystification, de toute diabolisation que s’est attelé dans ce livre fouillé Michel de Jaeghere, directeur du Figaro histoire. Tout à tour, il a examiné les diverses dimensions qui ont conduit à la fin inéluctable de cet empire qui fit de la Méditerranée une mer intérieure. Et si le titre est un peu trompeur – les derniers jours – l’auteur a étudié son sujet sur le temps long rappelé par une chronologie dès le début de l’ouvrage qui débute en 364 à l’avènement de l’empereur Valentinien Ier qui nomma son frère Valens, empereur d’Orient.

Alors oui, Michel de Jaeghere ne fait pas l’impasse sur le facteur religieux, ce qu’il appelle le glaive et la croix, sur les aspects économiques ou démographiques, ni sur l’histoire militaire qui rythme cette histoire tourmentée et permet surtout au lecteur de se plonger avec délice dans les grandes batailles du Bas-Empire, de la Rivière Froide (dernière victoire globale de l’empire romain) aux Champs Catalauniques en passant par Andrinople que l’auteur, grâce à une narration rythmée – qui n’enlève rien au sérieux de son travail – parvient à rendre vivante. Car c’est bel et bien en 378, lors de cette fameuse bataille où l’empereur Valens perdit la vie que commença la fin de l’empire romain. Andrinople constitua ce que d’autres ont appelé le début de la fin car Michel de Jaghere écrit que « du mythe de l’invincibilité romaine, il ne reste à peu près rien. Rome est entrée en agonie : elle va durer cent ans ». Le siècle qui suit voit la lente prise de pouvoir des Barbares et l’auteur peint une formidable galerie de portraits de ces hommes, Ricimer, Stilicon, Aetius, Attila et d’autres qui auraient pu, en fonction des vicissitudes de l’histoire, se retrouver des deux côtés du champ de bataille.

Cette formidable mise en perspective permet de comprendre la lente mutation, la disparation progressive de l’empire romain. Les barbares vont ainsi se romaniser après avoir été admis à l’intérieur de l’Empire selon un phénomène classique d’intégration propre à toutes les sociétés mais surtout, et cela est souvent moins dit, que la société romaine va se barbariser y compris dans son saint des saints, l’armée, clef de voûte du système romain. Lentement, mais surement, une révolution silencieuse est en marche. Elle toucha bien évidemment les affaires religieuses où le christianisme n’évinça que progressivement le paganisme en devenant « le nouveau conformisme » selon l’auteur.

Si comme l’affirma Paul Valéry, « les civilisations sont mortelles », Michel de Jaeghere précise toutefois que Rome continua à survivre sans son empire car les rois barbares se sont vus comme les successeurs des empereurs, reproduisant certaines pratiques du pouvoir tandis que de l’autre côté du Bosphore, l’empire romain survécut jusqu’en 1453 en devenant l’empire byzantin. En tout cas, cet ouvrage extrêmement pédagogique et qui se lit avec frénésie déploie avec pertinence sur ses quelques six cent pages la démonstration qu’un empire dirigé par un enfant ne s’est pas effondré un jour de septembre 476 mais que, à la manière de ce que nous vivons aujourd’hui, les sociétés évoluent et se transforment et celle de Sénèque, de Marc-Aurèle et d’Aetius, aussi brillante fut-elle, n’échappa pas à cette règle immuable.

Michel de Jaeghere, les derniers jours, la fin de l’Empire romain d’Occident, Les Belles Lettres, 2014.

Laurent Pfaadt

L’Allemand de la Volga

Christian Tetzlaff, ViolineTetzlaff à la rencontre de Chostakovitch.
Fascinant

Dans les plaines recouvertes de neige de Rovaniemi, sur ces ruisseaux gelés, où le soleil ne se couche jamais, le violon de Christian Tetzlaff a percé la glace tel un rayon de soleil hivernal et a ainsi mis en lumière ces concertos pour violon de Dimitri Chostakovitch qui font désormais partie intégrante du répertoire de tout soliste qui se respecte.

Il faut dire que trouver ce nouvel enregistrement de l’un des plus grands violonistes de la planète ne fut pas chose aisée. C’est chez un label finlandais, Ondine, que l’on a débusqué cette petite merveille. Extrêmement productif, Christian Tetzlaff a abordé un répertoire conséquent, de Bach dont il a laissé à la postérité l’intégrale des sonates à Jorg Widmann dont il a créé le concerto en 2007 en passant par Bartók, Brahms, Nielsen ou Janacek. Ayant déjà gravé Chostakovitch en trio pour piano il y a quelques années, Christian Tetzlaff a aujourd’hui gravi la montagne Chostakovitch par le versant concertant.

Malgré un début quelque peu poussif, l’harmonie entre le soliste et l’orchestre s’établit très vite dans ce premier concerto dédié à David Oïstrakh en 1947-1948. Soucieux avant tout de rester fidèle aux intentions premières du compositeur, Tetzlaff délivre ce sentiment maléfique, envoûtant qui entoure cette oeuvre. En plus, sa grande virtuosité trouve matière à s’exprimer dans ce fameux dernier mouvement réputé pour sa difficulté technique ainsi que dans ce scherzo qui voit se répéter le motif du compositeur lui-même (DSCH (ré-mi bémol-do-si). A la tête l’orchestre philharmonique d’Helsinki, John Storgärds a su trouver le bon tempo, s’effaçant derrière le violon pour mieux ressurgir dans le dernier mouvement burlesque avec des percussions très réussies et fondamentales dans l’oeuvre de Chostakovitch qui répondent au violon dans un formidable écho. Certes, on n’atteint pas l’incandescence d’un Belkin mais l’interprétation de Tetzlaff séduit par son intensité et sa fluidité.

Le second concerto est également intéressant. Dans cette oeuvre plus intime, plus sensible et moins jouée, Christian Tetzlaff y exprime avec encore plus d’expressivité et de passion, cette musique de chambre et ce quatuor qui lui sont chers. Il faut dire que l’oeuvre créée en 1967 et dédiée comme pour le premier concerto à David Oïstrakh est peut-être moins aboutie. L’orchestre a su, une fois de plus, trouver parfaitement sa place, en s’effaçant derrière le soliste notamment lors du long solo du dernier mouvement après que les vents aient merveilleusement dialogué avec le soliste. Une fois de plus, Christian Tetzlaff a su illuminer de son talent une oeuvre peut-être un peu aride pour le grand public. Mais surtout, il démontre à ceux qui en doutaient encore qu’il est l’un des meilleurs violonistes de la planète.

Shostakovitch, violin concertos 1&2, Christian Tetzlaff, John Storgärds (dir), Helsinki Philharmonic Orchestra, Ondine, 2014.

Laurent Pfaadt

Et Dieu dans tout cela

benoît_XVBiographie de l’un des acteurs majeurs de la première guerre mondiale

Lors des fêtes de noël de 1914, il y près d’un siècle, le pape Benoit XV, élu quelques mois plus tôt, plaidait pour une trêve qui resta sans suite. Loin de se décourager, il affirma devant le Sacré-Collège vouloir « persévérer dans nos efforts pour hâter le terme de cette calamité inouïe »

L’histoire est malheureusement sélective et injuste et le pape Benoit XV (1914-1922) a été oublié dans ce 20e siècle de tragédies au profit des figures de Pie XII et de Jean-Paul II. La biographie d’Yves Chiron, grand spécialiste du Vatican et auteur de plusieurs biographies de référence de souverains pontifes, permet, en ces temps de commémoration de la Grande guerre, de lui rendre justice.

Issu de l’aristocratie italienne, Giacomo Della Chiesa suivit un cursus relativement classique au sein de la curie, se spécialisant dans les affaires diplomatiques ce qui le conduisit très vite dans le cercle restreint du cardinal Rampolla, futur secrétaire d’état de Léon XIII dont il devint le protégé. Yves Chiron relate avec détails ces vingt ans d’apprentissage en Espagne, en France, en Autriche-Hongrie ou à la première conférence de La Haye (1899) sur le désarmement et le droit humanitaire qui lui sera fort utile lorsqu’il conduira une active diplomatie pendant la Grande guerre. Devenu archevêque de Bologne, Giacomo della Chiesa est fait cardinal fin mai 1914, soit trois mois avant son élection au trône de pierre le 3 septembre 1914, plus d’un mois après la déclaration de guerre.

L’ouvrage d’Yves Chiron traite bien évidemment en grande partie de son action pendant la Première guerre mondiale qui occupa la moitié de son pontificat. L’auteur rappelle d’ailleurs qu’ « il ne s’est pas contenté de la déplorer, il a tenté de l’arrêter, d’en atténuer les effets » avant d’ajouter avec pertinence : « le pape et le Saint-Siège ne furent pas neutres mais impartiaux »

Cette nuance fait toute la différence et explique en grande partie les accusations de favoritisme de part et d’autre de la ligne de front. Il n’empêche que Benoît XV, bien secondé par son secrétaire d’Etat, le cardinal Gasparri, s’activa sur tous les fronts au propre comme au figuré pour mettre un terme à ce conflit. Interventions pour libérer les prisonniers politiques dès 1914, auprès du sultan ottoman devant les persécutions dont étaient victimes les Arméniens, soutien aux initiatives autrichiennes, ses actions culminèrent avec l’initiative d’août 1917.

Mais si Benoît XV fut le pape de la paix, animé d’une volonté sincère d’arrêter cette boucherie, l’auteur montre très bien que le souverain pontife, en bon diplomate qu’il fut, poursuivit également des objectifs géopolitiques et en premier lieu la sauvegarde de l’empire austro-hongrois, monarchie catholique qu’il considérait comme le pilier de la stabilité de l’Europe centrale. Son démembrement consacré par le traité de Saint-Germain-en-Laye, le 10 septembre 1919 valut au pape cette phrase prophétique : « l’histoire sera bien obligée de reconnaître un jour que la nouvelle carte avait été dressée par un fou ».
Au final, cet ouvrage d’un sérieux remarquable permet de pénétrer dans les arcanes du Vatican et les coulisses diplomatiques de la Première guerre mondiale en suivant la volonté infatigable d’un homme d’Etat et le chemin de croix d’un homme de paix.

Yves Chiron, Benoît XV, le pape de la paix, Perrin, 2014

Laurent Pfaadt

Les jeunes maîtres de l’archet

Frank Peter Zimmermann, Violine / 08.11.2008 / Philharmonie EssenJean-Michel Molkhou signe le deuxième volume de ses grands violonistes du XXe siècle.

Ils ont fait rêver des milliers de gens, du simple ouvrier au roi. Ils ont, tel Paganini ou Vivaldi composé des œuvres magnifiques, dirigé les plus grands orchestres, inspiré tant d’enfants qui sont devenus à leur tour des virtuoses. C’est précisément de ces enfants de ce début du XXIe siècle dont il est question dans ce second volume des grands violonistes du XXe siècle. Dans cette magnifique collection musique de Buchet-Chastel où les plus grands pianistes, chefs d’orchestres ou danseurs ont déjà trouvé leur place, il manquait ces violonistes, nés pour le plus âgé en 1948 (Boris Belkin), qui arpentent les scènes internationales et réjouissent nos oreilles.

Si Jean-Michel Molkhou, critique émérite à Diapason, rappelle dans son propos introductif que «  pour les violonistes rassemblés dans le premier (volume), l’histoire avait eu le temps de faire son tri, pour les plus jeunes, c’est seulement le recul des premières années du XXIe siècle qui nous a permis de reconnaître les plus grands talents », il n’empêche que, en feuilletant ces pages, aucun des grands violonistes de notre temps ne manquent à l’appel.

Bien évidemment, selon la sensibilité des uns ou les goûts musicaux des autres, chacun y trouvera ses favoris et l’ouvrage rappelle les différentes écoles, américaines (Shaham, Hahn), allemande (Tetzlaff, Faust, Zimmermann), russe (Vengerov, Repin, Mullova), asiatique (Cho-Liang Lin, Kyung-wa Chung) notamment et leur répertoire de prédilection. On y découvre les stars du violon tel le fantasque et non moins talentueux Nigel Kennedy qui a immortalisé les Quatres saisons de Vivaldi ou le génial Augustin Dumay mais également des violonistes moins médiatisés tels que James Ehnes ou Leila Josefowicz.

Les notices biographiques nous apprennent une multide de détails comme lorsque Viktoria Mullova passa à l’ouest en 1983 lors d’une tournée en Finlande et laissa sur le lit de sa chambre d’hôtel son Stradivarius de 1720 que l’Etat soviétique avait mis à sa disposition. L’auteur a eu la bonne idée de coupler ces notices avec des entretiens réalisés avec certains virtuoses qui permettent de mieux cerner leur personnalité et leur approche musicale.

L’autre grande plus-value de cet ouvrage – comme d’ailleurs tous les ouvrages de cette magnifique collection – est la présence d’un CD qui permet de mesurer le talent et les spécifités de ces femmes et de ces hommes de génie. Car quel meilleur témoignage de leur talent que celui du disque. D’autant plus que l’auteur, en connaisseur averti, a choisi aussi bien en musique de chambre qu’en version concertante certaines œuvres peu connues du grand public comme le final du concerto d’Hindemith subliment interprétée par Midori ou Chain 2, ce dialogue pour violon et orchestre de Witold Lutoslawski dirigé par le compositeur lui-même et interprété par une Anne-Sophie Mutter que l’on aurait attendu sur Max Bruch mais dont on oublie qu’elle demeure l’une des grandes défenseuses de la musique de son temps.

Enfin, la dernière partie de l’ouvrage est consacrée à juste titre aux grands pédagogues car derrière chaque grand musicien, il y a souvent un grand professeur. Or, ces derniers restent bien souvent dans l’ombre alors qu’il n’y a pas de talent sans travail. Grâce à l’auteur, justice est enfin rendue à ces pédagogues.

Outre le fait d’être le parfait guide des mélomanes, l’ouvrage de Jean-Michel Molkhou est, au même titre que les autres opus de cette collection, un ouvrage à posséder pour sa richesse et sa densité. Il permet de comprendre cet art du violon et comme le rappelle la légende Gidon Kremer qui signe en guise de préface le parfait hommage du maître aux élèves, « ces quelques artistes exceptionnels, musiciens et créateurs avec des visions personnelles, ont à cœur de chercher de nouvelles interprétations d’oeuvres célèbres ou sont prêts à sortir des sentiers battus pour tenter l’aventure et découvrir de nouvelles choses. »

Jean-Michel Molkhou, les grands violonistes du XXe siècle, tome II 1948-1985, Buchet-Chastel, 2014.

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1012, novembre 2014

Les légendes des Champs Elysées

AshkenazyAshkenazy et Zimmerman se partageaient l’affiche d’un concert consacré à Beethoven et à Mendelssohn.

Difficile de faire mieux : l’un des plus grands chefs de la planète dirigeant l’un des plus beaux orchestres, accompagné de l’un des violonistes les plus talentueux et demandés lors d’un programme qui comptait Beethoven et Mendelssohn. Tant de génies réunis dans la même salle – et quelle salle ! – et c’est la garantie du succès et d’une soirée qui restera dans tous les esprits.

On attendait Christoph von Dohnanyi, l’un des derniers grands monstres sacrés de la direction d’orchestre. Mais le chef de 85 ans, souffrant, a dû être remplacé au pied levé par Vladimir Ashkenazy. Il faut dire que le chef russe n’arrive pas en terrain inconnu puisqu’il connaît bien cette phalange britannique fondée par Walter Legge pour avoir gravé sur le disque de nombreux témoignages sonores d’exception.

Et dès les premières mesures, on perçoit immédiatement la complicité qui existe depuis tant d’années entre le chef et « son » orchestre comme il fut celui de Klemperer pendant de si nombreuses années. Le génial interprète de Rachmaninov s’est emparé avec assurance d’un Beethoven dès l’interprétation de l’ouverture Léonore III, parfaitement maîtrisée au demeurant.

Le chef a ensuite retrouvé le célèbre violoniste allemand Frank-Peter Zimmermann pour l’interprétation du concerto pour violon de Mendelssohn. Dans cette oeuvre devenue incontournable du répertoire, Zimmermann, l’un des chefs de file de la nouvelle école allemande avec Isabelle Faust et Christian Tetzlaff a abordé en « européen » cette oeuvre si emblématique du romantisme allemand c’est à dire avec cette élégance raffinée qui caractérise son jeu. Dès les premières mesures et le motif sublime qui ouvre ce concerto, on perçoit rapidement toute la sensibilité du soliste.

Puis vint enfin le « tube » de la soirée, la cinquième de Beethoven, si difficile à mettre en route lors du célébrissime premier mouvement. Avec ses tempi bien équilibrés, Askhenazy laisse respirer l’orchestre et lui permet de prendre son envol, de donner sa pleine mesure sans le brider mais tout en l’accompagnant, en canalisant son extraordinaire énergie. Il s’en dégage alors une forme de majesté, de noblesse surtout dans ce dernier mouvement Allegro qui transforme l’œuvre et la soirée en une apothéose que l’on n’est pas prêt d’oublier.

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1012, novembre 2014

Scènes de ménage à l’espagnole

De g. à dr. : Rosine, Bartolo, Almaviva (© Bernard Contant (ONP)
De g. à dr. : Rosine, Bartolo, Almaviva (© Bernard Contant (ONP)

L’Opéra de Paris présentait une nouvelle production haute en couleurs du célèbre opéra de Rossini.

Tout commence assez classiquement. L’ouverture célébrissime du Barbier de Séville composé en 1816, retentit depuis la fosse puis le public applaudit. Les lumières s’éteignent et le rideau s’ouvre. Et là, c’est le choc. Un quartier populaire d’une ville méditerranéenne avec un café donnant sur la rue, une Ford Escort bleue métallique garée là et des vieux en marcel discutant devant des immeubles défraîchis. On se croirait dans un film de Pedro Almodovar, façon Tout sur ma mère et non dans un opéra. Mais lorsque retentissent les premières voix du comte d’Almaviva puis à la scène 3 le fameux air de Figaro « Largo al factotum », on sait que l’on est revenu chez notre bon Rossini.

Décapante autant qu’ingénieuse, cette nouvelle production du Barbier de Séville signé Damiano Michieletto, l’un des metteurs en scène les plus demandés du moment dont les productions ont triomphé à la Scala, au théâtre San Carlo ou à la Fenice conte bien évidemment les amours contrariés du comte d’Almaviva, arrivé incognito à Séville et de la belle Rosina, prisonnière de son tuteur, le terrible docteur Bartolo. Le comte trouvera dans sa quête l’aide du fameux barbier de Séville, Figaro, séducteur et vénal.

Avec ses décors soignés qui va jusqu’à la bière San Miguel ou le journal El Pais, la transposition de cette histoire du XVIIIe siècle au monde moderne s’opère quasi instantanément avec une alchimie qui ravit aussi bien les novices que les amoureux de l’opéra, donnant ainsi une seconde jeunesse à cette oeuvre et montrant à quel point cette histoire, qui peut paraître un peu fleur bleue, conserve toute sa fraîcheur. « Les oeuvres de Rossini (…) nous parlent de notre monde et il faut aller puiser dans notre quotidien les moyens de raconter ses histoires » estime Damiano Michieletto.

Le chef Carlo Montanaro, grand spécialiste de l’opéra italien, apporte à ce spectacle la touche musicale nécessaire au triomphe. Il a su faire résonner dans ce « tube » de l’opéra bouffe, les grands airs et mélodies rossiniens tout en maintenant l’équilibre sonore nécessaire avec les chanteurs en évitant que le crescendo ne couvre les voix.

Cette superbe mise en scène est desservie par des voix remarquables alliées à des jeux scéniques parfaits. De l’ado Rosina (Karine Deshayes, magnifique dans la cavatine) au truculent Figaro (Dalibor Jenis) n’hésitant pas à jouer de la guitare manouche, la distribution aligne des rôles secondaires de très grande qualité comme la basse Carlo Lepore qui a étudié auprès du regretté Carlo Bergonzi (excusez du peu !), en formidable Bartolo, la mezzo-soprano roumaine Cornelia Oncioiu, parfaite en ménagère en bigoudis ou Basilio (Orlin Anastassov) qui campe un fonctionnaire zêlé impeccable dans l’air de la calomnie. Même les figurants et les membres du choeur ont joué leurs partitions à merveille.

Par son extravagance et son humour, ce Barbier de Séville aurait certainement ravi Beaumarchais. On applaudit souvent, on rit régulièrement. Mais surtout, en sortant de la salle, on comprend mieux pourquoi cet opéra demeure immortel et traverse toujours avec le même succès les époques et les générations.

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1012, novembre 2014

Impératrice du désert

ZénobieLa fascinante Zénobie à l’honneur d’une
biographie

Avec Cléopâtre, Vercingétorix – les éditions Perrin rééditent en poche de l’ouvrage de Jean-Louis Voisin sur Alésia – et Attila, Zénobie fait assurément partie de ces opposants, de ces rebelles mythiques à l’Empire romain. A l’image de son alter ego au temps de la République romaine finissante, la reine d’Egypte Cléopâtre, Septimia Bathzabbai, dite Zénobie a suscité de nombreux romans, a inspiré de nombreux peintres et a même été interprétée au cinéma par Anita Ekberg.

D’où l’intérêt de cette biographie écrite par l’un de nos meilleurs spécialistes du monde romain oriental, Maurice Sartre, professeur d’histoire ancienne à l’université de Tours, accompagné pour l’occasion par son épouse, Annie Sartre, elle-même professeur d’histoire ancienne à l’université d’Artois et fin connaisseuse de la Syrie Antique.

Gratter la légende de cette femme rebelle et fière qui bouscula l’Empire romain, tel est l’objectif premier de cette biographie en tout point réussie. Car cette femme devenue un personnage romantique tant dans son rapport à Rome que dans la nature de sa révolte, dans ce féminisme avant l’heure, dans cette cité de Palmyre dont il subsiste les merveilleuses ruines propres à exciter les imaginations ou dans sa fin, a de quoi fasciner.

Maurice et Annie Sartre nous rappellent en premier lieu que Zénobie fut avant tout une femme de son temps, de la société romaine de cet Orient déjà compliqué où la religion romaine cohabitait avec ces nouveaux cultes comme le manichéisme par exemple. Profitant de l’assassinat de son époux, le puissant sénateur Odenath, sans qui « Zénobie ne serait peut-être rien » selon les auteurs, mais également de cette crise qui secoue l’Empire romain que l’on nomme aujourd’hui anarchie militaire, Zénobie constitua un royaume qui s’étendit sur une grande partie du Proche-Orient y compris jusqu’en Egypte.

Pendant près de sept années (267-273), elle allait ainsi tenir tête à trois empereurs (Gallien, Claude II et Aurélien). Mais Maurice et Annie Sartre ont eu le souci de restituer la réalité géopolitique de l’époque puisqu’il est facile de voir en Zénobie, l’égérie d’un nationalisme palmyrénien anachronique. Car selon nos auteurs « jamais Zénobie n’a fait sécession, jamais elle n’a prôné que l’Etat qu’elle gouvernait quitte l’Empire romain ». Bien au contraire, Zénobie, en dirigeante romaine opportuniste, a senti que le pouvoir fragile à Rome était à portée de main et a tenté sa chance. D’ailleurs, elle s’autoproclama impératrice et non reine, ce qui en dit long. Finalement défaite, elle orna le triomphe de l’empereur Aurélien.

Commence alors la légende qui constitue la deuxième partie de l’ouvrage. Car celle-ci s’est bâtie sur la rareté des sources puisqu’un quart de siècle de sa vie nous ait parvenu et seulement de façon indirecte. Anne et Maurice Sartre dans cette biographie didactique ont convoqué aussi bien inscriptions et autres vestiges archéologiques pour relater sa vie que la représentation dans les arts de cette « femme politique dans un monde entièrement dominé par les hommes » que l’on a très vite comparé à Didon, Sémiramis et bien entendu Cléopâtre et qui a inspiré tant d’artistes.

Annie et Maurice Sartre, Zénobie, de Palmyre à Rome, Perrin, 2014

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1012, novembre 2014

Feu d’artifices baroque

Engliseh BaroqueLe Monteverdi Choir et l’English Baroque
Soloists concluaient à Paris leur Dixit
dominus tour.

Pour l’occasion, la cité de la musique avait revêtu les habits d’un temple protestant ou d’une église catholique. Il faut dire que la musique sacrée baroque était à l’honneur pour la fin du Dixit dominus tour de l’English Baroque Soloists et du Monteverdi Choir conduit par leur chef emblématique et fondateur, John Eliot Gardiner. Après Versailles, Salzbourg, Pise, Strasbourg ou Londres, cette tournée s’achevait à la cité de la musique à Paris.

En guise d’ouverture, l’ensemble baroque interpréta le Stabat Mater de Domenico Scarlatti, compositeur napolitain plus connu du grand public pour ses sonates pour clavier. Dans ce motet très exigeant pour les voix, le Monteverdi Choir s’est une fois de plus révélé à la hauteur de sa réputation tandis que la basse continue a su joué avec les différentes variations de rythmes qu’exigeait l’oeuvre.

Cette soirée ne pouvait faire l’impasse sur le maître de la musique baroque, Jean-Sébastien Bach à qui Gardiner a consacré une récente biographie (voir interview) après son fameux pèlerinage Bach en 2000. Avec la cantate 199 « Mein Herz schwimmt im Blut » (« Mon coeur baigne dans le sang »), le chef avait décidé de s’aventurer sur le terrain de la douleur et de la souffrance du pêcheur. Alors certes, le parti pris d’une orchestration rythmée et puissante lui faisant adopter une formation de type Mozart a pu hérisser les cheveux d’un baroqueux, il n’empêche que cette orchestration est assumée chez Gardiner et ne fait qu’exacerber la musicalité du cantor qui n’en est que plus belle. Ajouter à cela la très grande qualité des chanteurs avec des talents très prometteurs qui certainement égaleront l’inoubliable Emma Kirkby, et le concert prit définitivement un caractère anthologique.

Mais le chef d’oeuvre restait encore à venir. Point d’orgue de cette tournée, le Dixit Dominus de Georg Friedrich Haendel, oeuvre de jeunesse du maître composée en 1707, a trouvé en Gardiner un interpète de choix. En effet, la puissance sonore revendiquée par le chef enchaînant les mouvements tantôt furieux, tantôt ténébreux, a permis de donner un écho incroyable à ce motet dont l’influence italienne, en particulier de Vivaldi, n’est plus à démontrer. Mais Gardiner, en bon sujet de sa majesté, a su parfaitement faire ressortir la fouge et la colère propre à la musique de Haendel avec ce tempo implacable que l’on retrouve dans d’autres de ses oeuvres. Mais surtout, à travers cette interprétation, John Eliot Gardiner nous donne la vision qu’Haendel avait de Dieu: inflexible et généreux.

Le Dixit Dominus à peine achevé, notre Monteverdi Choir est reparti sur les routes européennes avec Jean-Sébastien Bach et sa Messe en si mineur qui les conduiront en mars-avril 2015 à Francfort, Lucerne, Aix en Provence et à Paris où nous les retrouverons bien entendu avec joie…

A écouter : Haendel, Bach, Scarlatti, live at Milton Court, Monteverdi Choir & English Baroque Soloists, Soli Deo Gloria, 2014.

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1012, novembre 2014

John Eliot Gardiner : « Bach était un homme qui doutait »

© Maciej Gozdzielewski
© Maciej Gozdzielewski

A l’occasion de la conclusion du Dixit Dominus tour de l’English Baroque Soloists et du Monteverdi Choir mais également profitant de la sortie de plusieurs enregistrements et de la parution de sa biographie de Jean-Sébastien Bach (Musique au château du ciel, Flammarion), le chef d’orchestre britannique John Eliot Gardiner était à Paris. Considéré comme l’un des plus grands chefs d’orchestre en activité, ancien directeur de l’opéra de Lyon et ayant dirigé les plus grandes formations musicales, ce grand spécialiste de la musique baroque revient sur Bach, la musique romantique et la France.

Comment est né ce livre ?

Je dois vous avouer tout d’abord qu’il est mille fois plus facile de diriger Bach que d’écrire sur lui. Ce travail d’écriture m’a pris douze ans. En tant que directeur de la fondation des archives Bach, j’ai également eu accès à certaines sources directes dans les librairies même si la vie de Bach est tellement difficile à cerner car il y a peu de sources écrites. Il a également caché beaucoup de choses sur sa vie privée. Par exemple, j’ai découvert qu’il était un mauvais élève, souvent absent. Mais une chose est certaine : mon approche de Bach a été complètement modifiée par ce travail. J’y ai découvert un être plus humain, très amical avec les jeunes musiciens. La demeure des Bach était ainsi un carrefour de tous les musiciens venant de Dresde ou d’Italie.

Bach vous accompagne donc depuis toutes ces années…

Oui et même depuis tout jeune car mes parents possédaient à la maison grâce à un concours de circonstances le seul portrait officiel de Jean-Sébastien Bach (celui d’Haussmann). Donc, il a partagé ma vie dès mon plus jeune âge. Puis, à partir de 12 ans, j’ai commencé à chanter ses motets. Mais c’est surtout durant mon pèlerinage où j’ai joué toutes les cantates en 2000 que j’ai commencé à envisager l’écriture de ce livre.

A quoi fait référence le titre de votre ouvrage, Musique au château du ciel ?

Il s’agit en fait de la chapelle dissimulée sous une coupole de l’église de Weimar où étaient interprétées ses œuvres et la musique descendait tel un parfum. J’ai d’ailleurs essayé de montrer dans mon livre combien les conditions de travail de Bach étaient difficiles à Leipzig entre le froid, le bruit perpétuel durant les interprétations de ses cantates. Mais c’est également une métaphore de sa musique, de cette vie après la mort où tout est parfait.

Votre biographie montre également à travers sa musique qu’il y a le croyant mais également l’homme.

Oui, tout à fait, Jean-Sébastien Bach était bien entendu croyant. D’ailleurs, le cœur de sa musique, c’est les cantates et il y a un intérêt particulier dans chacune d’entre elles. Il n’est d’ailleurs par étonnant que sa première nécrologie mentionne en premier lieu ses cantates. Mais Jean-Sébastien Bach était également un homme qui doutait et sa vie est une lutte permanente entre le croyant et le musicien car en bon luthérien, il aimait bien vivre, bien manger et pouvait sympathiser avec ceux qui avaient des doutes religieux.

Deux de ses fils étaient plus célèbres que lui de son vivant. Quels étaient les relations musicales qu’entretenaient Jean-Sébastien Bach avec ses fils ?

Leurs relations étaient pleines de respect mutuel. Dans le dernier volume des œuvres complètes, on retrouve ainsi une correspondance entre le père et Wilhelm Friedemann où les deux hommes composent à distance une fugue. N’oubliez pas que Bach a perdu ses parents, deux de ses frères et dix de ses vingt enfants. Et malgré ces deuils qui auraient pu marquer à jamais sa musique d’une certaine amertume, celle-ci, en particulier sa musique funéraire est d’une luminosité, d’un réconfort extrêmement touchant. Il y a véritablement une bénédiction dans cette musique que je trouve magnifique.

Vous fêtez également cette année le 25e anniversaire de l’Orchestre Révolutionnaire Romantique que vous avez fondé. On sait que vous êtes un ardent défenseur de Berlioz

Oui, j’ai toujours apprécié la musique romantique notamment Berlioz. Je fais partie en cela d’une tradition britannique de chefs d’orchestres qui va de Thomas Beecham à Colin Davis et qui ont toujours défendu avec passion la musique de Berlioz qui, avec celle de Rameau, ne sont pas appréciées à mon sens à leur juste valeur en France. J’ai d’ailleurs été le premier à donner dans son intégralité les Troyens en 2003 sur des instruments d’époque. Ce fut une aventure magnifique.

Les Français ont-ils des problèmes avec leur musique nationale ?

Peut-être. C’est d’ailleurs paradoxal pour un peuple réputé dans le monde entier comme le plus chauvin. Lorsqu’il s’agit de musique française, vous ne la défendez pas assez. Prenez par exemple l’œuvre de Jean-Philippe Rameau. Lorsque j’ai dirigé les Boréades par exemple, le public parisien a haussé les épaules. Maintenant tout le monde joue Rameau et je suis content !

Après Bach, avez-vous d’autres projets d’écriture ?

Oui (silence), j’aimerai écrire un ouvrage sur les Français (rire). Mais en cette année d’anniversaire du Monteverdi Choir, j’ai l’idée d’écrire sur la vie de Claudio Monteverdi.

A lire : John Eliot Gardiner, Musique au château du ciel, Flammarion, 2014
A écouter : Beethoven, Symphonies No.2 & 8, ORR, live at Cadogan Hall, Soli Deo Gloria, 2014
Mendelssohn, Symphonie No. 3 ; Schumann, Concerto pour piano (Marie Joao Pires), LSO, 2013
Vigilate ! œuvres de Peter Philips, Robert White, Thomas Tallis, William Byrd, Thomas Morley, Thomas Tomkins, Monteverdi Choir, John Eliot Gardiner, Soli Deo Gloria, 2014

Interview du chef d’orchestre britannique John Eliot Gardiner par Laurent Pfaadt pour hebdoscope, novembre 2014

« Hebdoscope présente ses excuses à Maciej Gozdzielewski pour avoir omis qu’il était l’auteur de cette photographie »

Les diamants sont éternels

NemoJosé-Marie Blas de Roblès signe l’un des meilleurs romans de cette rentrée littéraire.

Lire Blas de Roblès ne ressemble à rien d’autre. On avait déjà pu le mesurer avec son génial Là où les tigres sont chez eux, prix Médicis en 2008, roman total où se croisaient déjà plusieurs réalités. Dans son nouveau roman, l’Île du Point Nemo, le Périgord a remplacé le Brésil et l’Europe baroque du XVIIe siècle a cédé la place à l’univers de Jules Verne.

L’histoire débute dans le château écossais de Martial Canterel, fasciné par les conquêtes d’Alexandre le Grand. Cette tranquillité toute relative est rompue après le vol d’un fameux diamant, l’Ananké appartenant au seul amour de Canterel, Lady MacRae. En compagnie d’une fine équipe qui comprend son ami John Shylock Holmes, sorte d’hybride des deux personnages inséparables de Conan Doyle, Martial Canterel part à la poursuite de ce diamant, dans une quête qui ira bien au-delà de la simple course-poursuite à travers le globe.

Et pour réussir un bon roman d’aventures, quelques ingrédients sont nécessaires : trouver un bon méchant, crédible, impitoyable et si possible facétieux, un peu à la manière de ceux qui peuplent les James Bond. Sur ce point, l’auteur nous a fabriqué du sur-mesure avec l’Enjambeur Nô, cet assassin insaisissable. Et puis, il nous faut des péripéties ingénieuses et amusantes. Du transsibérien à Paris, à bord d’aéronefs et de dirigeables et en compagnie d’un chimpanzé ou d’un majordome, on peut dire que l’on n’a pas vraiment le temps de reprendre notre souffle.

Ce roman d’aventures vertigineux combine à merveille les changements de plans narratifs, entre cette fabrique de cigares où l’on reprend la tradition cubaine de lecture des œuvres classiques françaises et le récit d’aventures où les mots et les hommes courent dans tous les sens. Avec ces récits qui s’entremêlent, l’auteur compose une histoire à multiples facettes, sorte de prisme lumineux où la lumière de la réalité répond à la lumière de la fiction dans une sorte de jeu de miroirs permanent. Un peu comme ce fameux diamant de l’Ananké.

La thématique du progrès et les exploits de la science traversent ce roman foisonnant et les influences littéraires de l’auteur sont autant de petits chocolats que l’on déguste avec plaisir : il y a là les Voyages extraordinaires de Jules Verne mais également Arthur Conan Doyle ou Locus Solus de Raymond Roussel à qui Blas de Roblès reprend son héros principal, Martial Canterel. Ce roman d’aventure est un peu un condensé de toutes ces lectures que notre inconscient d’adolescent a absorbé et qui composent une histoire que l’on aurait non seulement aimé écrire, mais que l’on aurait surtout aimé vivre dans notre jeunesse. C’est pour cela que l’Île du Point Nemo est un grand roman.

José-Marie Blas de Roblès, L’Île du Point Nemo, édition Zulma, 2014

Par Laurent Pfaadt
Edition hebdoscope 1011, octobre 2014