Archives de catégorie : Ecoute

L’empreinte d’un géant

DavisLe London Symphony Orchestra rend hommage à son ancien chef

Il y a deux ans disparaissait Sir Colin Davis, l’un des plus grands chefs d’orchestre du XXe siècle. Pour célébrer cet anniversaire ainsi que le 20ème de son arrivée (1995) à la tête du London Symphony Orchestra, « son » orchestre lui rend un vibrant hommage en éditant plusieurs coffrets qui rendent compte des grandes passions musicales de Sir Colin Davis.

Ces enregistrements du LSO permettent ainsi de mesurer toute la palette musicale que ce chef déploya aux commandes de ce formidable orchestre aujourd’hui dirigé par le russe Valéry Gergiev. Ainsi, le coffret baptisé à juste titre Sir Colin Davis anthology ne revient pas sur les Mozart, les Brahms ou les Beethoven que le chef maîtrisait bien évidemment mais insiste en revanche sur ces musiques scandinave, britannique et française qu’il admira et promut.

Sir Colin Davis développa un attachement particulier aux compositeurs scandinaves. Avec Paavo Berglund ou Herbert Blomstedt, il a été de ces chefs qui ont rendu justice à Carl Nielsen. Son intégrale des symphonies enregistrée lors d’un été indien permet (enfin !) de mesurer l’extraordinaire génie de ce compositeur méconnu voir méprisé car il échappait à toute classification. L’interprétation de Davis retranscrit ainsi dans toute sa plénitude cette naïveté symphonique propre à Nielsen qui oscille entre la joie et le désespoir en particulier dans la 6e symphonie.

Le coffret anthology propose également la 2ème symphonie de Jean Sibelius, cet autre compositeur qu’il affectionnait et dont les connaisseurs ont encore en mémoire l’intégrale des symphonies enregistrée chez RCA, ainsi que les Oceanides, poème symphonique moins joué.

Sir Colin Davis était également un grand défenseur de la musique contemporaine de son pays et les enregistrements de la 4ème symphonie de Vaughan Williams ou un superbe Festin de Balthazar de Walton sont là pour le prouver.

Enfin, à l’instar d’autres chefs britanniques tels que John Eliot Gardiner, Sir Colin Davis cultiva un amour inassouvi pour la musique française et notamment envers Hector Berlioz dont il fut le premier à graver l’intégrale (Philips). Il n’avait que 21 ans lorsqu’il découvrit la musique du compositeur français auprès de Roger Desormière. Cet amour ne devait jamais le quitter. Son interprétation de la symphonie fantastique reste toujours encore une référence. De la même manière, l’extraordinaire Beatrice et Bénédicte présent dans ce coffret témoigne d’une profonde sensibilité et d’une chaleur qui vous pénètre à chaque note.

Avec ce 1000e enregistrement consacré à l’un de ses plus grands chefs, le LSO rend un hommage appuyé à ce grand musicien en même temps qu’il prouve – était-ce encore la peine ? – qu’il est l’un des plus grands orchestres de la planète.

Si Colin Davis Anthology, London Symphony Orchestra, LSO Live, 2015

Nielsen, Symphonies nos 1-6, Sir Colin Davis, London Symphony Orchestra, LSO Live, 2015

Laurent Pfaadt

Le souffle de la terre

© Jean-François Leclercq
© Jean-François Leclercq

Myung-Whun-Chung poursuit son interprétation des symphonies de Mahler

Depuis qu’il a pris la tête du Seoul Philharmonic Orchestra, l’ancien directeur de l’Orchestre Phlharmonique de Radio France s’est lancé dans l’enregistrement des symphonies de Mahler. Il faut dire que Myung-Whun Chung a toujours entretenu un rapport particulier avec le compositeur phare de la deuxième école viennoise. Plus à l’aise avec Mozart ou Bruckner qui fut certes l’inspirateur de Gustave Mahler, Chung avoue avoir été méfiant à l’égard de Mahler dont l’interprétation des symphonies du compositeur autrichien requiert chez lui tout un travail physique et mental. Ces efforts ne l’empêchèrent cependant pas de consacrer à Mahler une intégrale des symphonies en 2008 à la tête de l’Orchestre Philharmonique de Radio-France.

Cette implication totale du chef et de l’orchestre est immédiatement perceptible dans cet enregistrement de la neuvième symphonie avec le Seoul Philharmonic Orchestra qui succède aux première (2011) et seconde (2012) gravées chez Deutsche Grammophon.

Dans l’œuvre de Mahler, la neuvième occupe une place à part. Composée en 1910, elle est une sorte de testament musical du maître en même temps qu’elle constitue l’adieu – sa dixième symphonie restant inachevée – d’un homme malade qui a dut faire face aux épreuves de la vie. Complexe et exigeante, la neuvième recèle une force tellurique qui traverse toute l’œuvre de Mahler mais qu’il n’avait jamais, dans ses symphonies précédentes, porté à un niveau si élevé comme ici, jusqu’à devenir une sorte de Leviathan, de Golem (qui n’est pas sans questionner la judéité de Mahler et son influence dans sa musique) emmenant sa musique au bord du chaos. Le premier mouvement est à ce titre emblématique, de cette force, de cette vie qui naît à partir du néant. Chung est là parfaitement dans son élément, entretenant lui-même un rapport particulier à la terre.

On ose la comparaison avec la version inspirée de Léonard Bernstein qui comparait le premier mouvement aux battements du cœur malade de Mahler ou celle, plus profonde, de Bernard Haitink, deux grands chefs mahlériens. Chung se situe entre les deux, à la fois sensible et détaché. Le dernier mouvement, celui des adieux, est somptueux car il est porté par des cordes prêtes à rompre. On est au final subjugué par le génie d’un homme capable de composer une telle œuvre en même temps que l’on se laisse submerger par l’émotion qui se dégage de l’orchestre et de son chef.

Mahler, Symphonie n°9, Seoul Philharmonic Orchestra, Deutsche Grammophon, 2015

Laurent Pfaadt

La symphonie assiégée

LeningradLa symphonie de Chostakovitch sert de cadre au siège de Leningrad

Dès le début de l’opération Barbarossa, le 22 juin 1941, les troupes de la Wehrmacht progressèrent rapidement sur le territoire de l’URSS jusqu’à atteindre la périphérie de Leningrad. La prise de la ville devint alors un objectif stratégique. Dès septembre 1941 et pendant près de 900 jours, les Allemands tentèrent de ravir aux Soviétiques la ville de la Révolution d’Octobre et la coupèrent du reste du monde. Leurs habitants, prisonniers, moururent par milliers du froid, de la famine et des maladies. Afin de célébrer la résistance de la ville martyre, le compositeur Dimitri Chostakovitch composa sa septième symphonie durant ces mois de souffrance,

C’est ce que nous raconte Bryan Monyahan, rédacteur en chef au Sunday Times, dans ce livre enlevé. A travers la composition et la répétition de cette œuvre qui appartient aujourd’hui au patrimoine musical de l’humanité, l’auteur nous relate la vie de ses habitants et les combats acharnés qui décidèrent du sort de Leningrad.

Lorsque le siège débute, Chostakovitch est encore à Leningrad. C’est là qu’il commence à composer son œuvre titanesque. Quittant la ville pour Samara, l’ouvrage effectue de nombreux va-et-vient entre le domicile du compositeur en exil et la salle de la Philharmonia à Leningrad où se trouvent les musiciens, les héros de l’ouvrage. Car, malgré le froid intense, les bombes qui tombent et la nourriture qui se raréfie, les musiciens continuent à jouer. Au départ, ils sont tous là, à leur poste, menés par l’un des personnages centraux du livre, le chef d’orchestre Carl Eliasberg, directeur de l’orchestre symphonique de la Radio de Leningrad. Mais progressivement, la mort prend possession de la symphonie. Le découpage chronologique du livre permet à la dramaturgie de monter en puissance. Les conditions de vie deviennent de plus en plus difficiles, les hommes ressemblent à des spectres et les musiciens meurent les uns après les autres. A la manière d’un Terence Mallick, Bryan Monyahan alterne répétitions de Beethoven ou Glinka et violents combats.

La vie est plus forte en définitive, voilà la grande leçon du livre. La symphonie achevée, elle est jouée dans tout le pays puis, durant une nuit de juillet 1942, tel l’or de Suisse, la partition est transportée en avion dans la ville. Le 9 août 1942, un tir de contre-batterie réduit au silence des Allemands qui s’apprêtaient à lancer une nouvelle offensive. Et les premières notes retentissent dans les haut-parleurs braqués vers l’ennemi. « L’orchestre était digne de jouer cette musique et la musique était digne d’eux, car elle exprimait tout ce qu’ils avaient surmonté » raconte la poétesse Olga Bergholtz qui assista au concert.

En ce mois d’août 1942, la septième symphonie ne changea pas le cours de la seconde guerre mondiale mais elle montra à l’envahisseur qu’il ne prendrait jamais cette ville et redonna espoir et dignité à ces hommes et ces femmes morts sous les balles des SS ou dans les plaines et les rues gelées d’URSS. Plus qu’aucune arme, la musique devint ce jour-là ce « trait de lumière dans les ténèbres ».

Bryan Monyahan, le concert héroïque, JC Lattes, 2015

Laurent Pfaadt

La revanche d’une blonde

Diana Damrau © Marty Sohl/The Metropolitan Opera
Diana Damrau © Marty Sohl/The Metropolitan Opera

Nouvelle version de Lucia di
Lamermoor

Le drame de la Fiancée de Lammermoor de Walter Scott a depuis longtemps inspiré de nombreux artistes et notamment le compositeur italien Gaetano Donizetti (1797-1848), très sensible à ces personnages de femmes réelles ou imaginées qui ont connu des destins tragiques (Anna Bolena, Maria Stuarda ou Lucrezia Borgia). Mais c’est véritablement avec Lucia di Lammermoor crée en septembre 1835 au teatro San Carlo que cette fascination trouva son apogée. D’ailleurs, l’opéra fut immédiatement un succès, qui d’ailleurs ne s’est jamais démenti, érigeant l’opéra en tête des grandes œuvres du bel canto italien.

L’Ecosse à la fin du XVIe siècle. Sur fond de haines entre familles rivales, Lucia di Lammermoor doit épouser un homme qu’elle n’aime pas. Elle le tue durant sa nuit de noces avant de sombrer dans la folie tandis que son amant, Edgardo, l’a rejoint dans la mort après avoir échoué à la sauver.

Cette version concertante enregistrée en concert à Munich en juillet 2013 a de quoi séduire. Elle réunit quelques-uns des chanteurs les plus en vue du moment, accompagné d’un orchestre, certes moins connu pour son répertoire italien, mais tout de même d’une très grande qualité conduit par un chef habitué des fosses et qui connait parfaitement l’oeuvre.

Dans le rôle de Lucia, on retrouve la magnifique Diana Damrau, nouvelle grande soprano colorature qui a triomphé à la Scala de Milan en Reine de la nuit et en Violetta à l’Opéra de Paris et au Met de New York. Il y a cinq ans, elle chantait Lucia au Met. Aujourd’hui, dans cet enregistrement, elle est grandiose. On sent le chemin parcouru notamment dans la fameuse scène de la folie au deuxième acte. C’est la véritable star de cet opéra avec sa tessiture taillée certes pour Verdi mais qui se fond parfaitement dans cette voix déformée par la passion de cette héroïne triste. Elle est entourée d’un bon casting composé de Joseph Calleja (Edgardo), moins en verve que d’habitude malgré quelques bons crescendos et une « Tuche a dio spiegsti l’ali » tout à fait honorable et qui annonce déjà le bel canto. Ludovic Tézier (Enrico) et Nicolas Testé (Raimondo) complètent l’affiche

Certes, le Munchner Philharmoniker sonne un peu « allemand » mais le doigté latin du chef espagnol, Jesus Lopez-Cobos parvient à transformer son explosivité en sonorités italiennes tout en prenant bien soin de laisser la place au chœur, qui est importante dans cet opéra.

Au final, il s’agit d’une très belle surprise musicale. Alors oui, l’auditeur ne doit pas s’attendre à écouter un remake de l’enregistrement mythique de 1971 avec Sutherland et Pavarotti car il ne s’agit après tout que d’une version concertante. Néanmoins, il pourrait bien être agréablement surpris par la fraîcheur de cette interprétation et peut-être même l’adorer. En tout cas, les sceptiques en auront pour leurs frais.

Donizetti, Lucia di Lamermoor, Erato, 2014

Laurent Pfaadt

Andris Nelsons, un amiral wagnérien

© Marco Borggreve
© Marco Borggreve

Le directeur de l’orchestre symphonique de Boston est à l’honneur de plusieurs enregistrements

Andris Nelsons raconte bien volontiers que c’est en voyant, à l’âge de 5 ans, une représentation du Tannhäuser de Wagner qu’il eut une révélation, celle de devenir musicien puis chef d’orchestre. Passé par la trompette avant de s’orienter vers la direction d’orchestre, il n’a cessé de gravir quatre à quatre les marches de la gloire. Successeur de Simon Rattle à la tête de l’orchestre symphonique de Birmingham après le départ de ce dernier pour Berlin, Andris Nelsons dirige depuis plusieurs années les plus illustres phalanges de la planète, notamment le Royal Concertgebouw d’Amsterdam et le Bayerische Rundfunck Symphonie Orchestra dans les pas de Mariss Jansons, l’un de ses compatriotes qui fut son mentor.

En mai 2013, il est nommé directeur musical du Boston Symphony Orchestra, inscrivant son nom à la suite des légendaires Arthur Nikisch, Serge Koussevitzky, Charles Munch ou James Levine. Son premier disque gravé avec cet orchestre sous le label de ce dernier est une sorte de retour aux sources avec l’ouverture de Tannhäuser et la deuxième symphonie de Jean Sibelius.

Richard Wagner demeure pour lui une référence absolue et l’un des jalons de sa carrière. Sur ce disque, à la tête du BSO, il laisse éclater les cuivres rutilants de l’orchestre qui conviennent parfaitement à l’œuvre. L’orchestre et son chef ont également le souci de montrer la qualité des cordes et des vents qui s’expriment parfaitement dans la deuxième symphonie de Sibelius composée en 1902 qui est un hommage au romantisme. Le Boston Symphony Orchestra en donne une version toute en couleurs à la manière d’un Rubens, composant un tableau tantôt avec ses cordes notamment les magnifiques contrebasses du deuxième mouvement et surtout avec les vents qui achèvent l’oeuvre dans une apothéose tout en explosivité.

Il n’en fallait donc pas moins à Andris Nelsons pour y exprimer sa nature romantique car tout en préservant l’esprit des légendes nordiques, perceptible à chaque note chez Sibelius, il y insuffle un rythme qui donne vie à ces histoires.

Ces histoires, il les conte à merveille dans la fosse. On oublie trop souvent que Nelsons fut d’abord un chef d’opéra à Riga. Et des légendes nordiques bercées par les mers froides au Hollandais volant, il n’y a qu’un pas qu’il saute allègrement dans cet enregistrement fabuleux du Vaisseau Fantôme qu’il a d’ailleurs interprété récemment à Covent Garden. Ayant dirigé pendant plusieurs années de nombreux opéras du maître dans le temple wagnérien de Bayreuth, Andris Nelsons retrouve ainsi le pont d’un navire musical qu’il connaît bien en compagnie de ses partenaires habituels, le Royal Concertgebouw d’Amsterdam et le Bayerische Rundfunck Choir.

Ce magnifique enregistrement qui certes, n’égale pas le monument Solti mais s’en rapproche par son lyrisme ainsi que par la profonde musicalité qui s’en dégage. Nelsons est ainsi attentif à l’équilibre entre la musique et les voix. L’osmose est ici parfaite.

Les chanteurs sont bien évidemment au rendez-vous, emmenés par le duo incroyable Anja Kampe, l’un des grandes sopranos wagnériennes et Christopher Ventris, l’un des meilleurs Parsifal actuels. Le chœur délivre une fois de plus une interprétation incroyable notamment dans le célèbre chœur des marins.

Avec l’un des meilleurs orchestres du monde, l’un des chœurs les plus expressifs et des chanteurs très en forme, le disque ne pouvait être que réussi. Tout n’a été cependant possible que grâce à la baguette de maestro Nelsons, qui a été royal dans ce Trafalgar lyrique !

Wagner, Ouverture Tannhäuser, Sibelius, Symphonie n°2, Boston Symphony Orchestra, dir. Andris Nelsons, BSO Classics, 2014

Wagner, Der Fliegende Hollander, Royal Concertgebouw Orchestra, Chor des Bayerischen Rundfunks, WDR Rundfunkchor Köln, NDR Chor, RCO Live, 2014

Laurent Pfaadt

Opéra funèbre

©Peter Meisel
©Peter Meisel

Le Requiem de Verdi réinventé.

Chaque nouveau disque de l’orchestre de la radio bavaroise conduit par Mariss Jansons est attendu avec impatience et constitue toujours un évènement. On garde encore à l’esprit l’extraordinaire intégrale des symphonies de Beethoven mis en miroir avec des oeuvres contemporaines. Et il faut dire qu’à chaque fois, on n’est pas déçu, comme en témoigne cet enregistrement du Requiem de Verdi.

Immédiatement, dès le Kyrie, ce qui frappe, c’est l’approche de Jansons. On est loin de ces interprétations fracassantes, puissantes, peut-être parfois trop lourdes où la dramaturgie et la dimension culpabilisatrice de Dieu et de son jugement est souvent portée à son paroxysme. Ici, rien de tout cela. Même le Dies Irae, symbole même de la colère divine, n’a pas la violence musicale retenue habituellement. Certes, les timbales battent la mesure mais elles témoignent surtout de la toute-puissance de Dieu.

Lentement, l’oeuvre s’apparente alors à un voyage vers l’au-delà, sur une sorte de barque musicale rythmée certes par quelques tempêtes, mais toujours bienveillant. L’orchestration menée par l’un des meilleurs orchestres du monde est une fois de plus brillante et son chef, qui a annoncé son départ du Concertgebouw d’Amsterdam, y veille scrupuleusement. Il faut dire que l’on attendait depuis longtemps au disque sa vision du répertoire italien. A l’opposé d’un Gergiev par exemple, Jansons n’abuse pas des cuivres et fait intervenir l’orchestre quand cela est nécessaire tantôt avec les percussions, tantôt avec le basson, instrument funèbre par essence.

Mais surtout, le chef donne toute sa place au choeur. Celui de l’orchestre de la radio bavaroise est parfait, jouant un rôle non plus secondaire d’accompagnateur mais de premier plan. Véritable personnage à part entière de l’oeuvre, le choeur est une sorte de coryphée à lui tout seul, accompagnant une pléiade de chanteurs.

On ne comprend alors les choix des chanteurs qu’à travers la vision musicale de Mariss Jansons. Ainsi, le choix de Saimir Pirgu à la tessiture si italienne ne se comprend qu’à travers cette conception de l’oeuvre qui fait du Requiem, non pas une pièce isolée de musique sacrée dans l’oeuvre de Verdi, mais un opéra funèbre. Orlin Anastassov, qui a récemment triomphé dans le Barbier de Séville à Paris, est une nouvelle fois à la hauteur de sa réputation dans cette oeuvre qu’il connaît particulièrement bien pour l’avoir interprété avec Chailly, Prêtre, Maazel ou Davis. On touche ainsi au sublime dans le Confutatis. Les deux chanteuses sont également exceptionnelles, Krassmira Stoyanova excellant une fois de plus dans le répertoire sacré et Marina Prudenskaja, premier prix au concours international de l’ARD en 2003, dont le magnifique timbre de voix d’une densité incroyable illumine le Requiem et contribue à le rendre si sensible et captivant.

Ce disque constitue un nouveau témoignage du génie de Jansons. Avec cette interprétation singulière du Requiem de Verdi qu’il transforme en opéra funèbre, le maestro marque à nouveau le répertoire de son empreinte indélébile.

Giuseppe Verdi, Messa da Requiem, Chor und Symphonieorchestrer des Bayerischen Rundfunks, Krassimira Stoyanova, Marina Prudenskaja, Saimir Pirgu, Orlin Anastassov, (dir) Mariss Jansons, BR Klassik, 2014.

Laurent Pfaadt

God save the french music

LPOLe London Philharmonic Orchestra rend hommage à la musique française

Après Brahms et Chostakovitch, le London Philharmonic Orchestra, à l’instar du LSO, poursuit son abondante production discographique. Avec cet enregistrement consacré à la musique française de la fin du XIXe siècle et du XXe siècle, le LPO a indubitablement marqué les esprits et surtout nos oreilles car il y avait bien longtemps que l’on n’avait pas entendu Saint-Saëns de la sorte.

Enregistrées en concert au Royal Festival Hall, ces deux grandes oeuvres du répertoire pour orgue, le concerto pour orgue de Francis Poulenc et la troisième symphonie de Camille Saint-Saëns se prêtent parfaitement à la configuration des lieux, en raison de la présence du fameux orgue Harrison & Harrison, construit sous la supervision du célèbre organiste anglais Ralph Downes et qui est depuis longtemps le modèle des orgues modernes. Et lorsque l’organiste qui officie sur le disque n’est autre que James O’Donnell, directeur de la musique de l’abbaye de Westminster, on ne peut que s’attendre à la perfection.

Et celle-ci est immédiatement perceptible dans le concerto pour orgue, orchestre à cordes et timbales de Francis Poulenc, oeuvre injustement méconnue aujourd’hui. Dans ce concerto constitué d’un seul mouvement et encadré par deux allegros, l’orgue n’est pas qu’un instrument parmi d’autres. Grâce à James O’Donnell, il prend vie, devient un être à part entière, sorte de mezzo-soprano d’airain qui entonne ses superbes vocalises. Ce bijou d’orchestration, sorte de Divine comédie musicale délivre alors une palette d’émotions, tantôt ténébreuses (orgue et percussions) tantôt sensibles (cordes).

La troisième symphonie en ut mineur avec orgue résonne également avec fougue et passion sur ce disque. Son écriture la destinait d’emblée à cette rutilance, à cette majesté qui lui est propre. Il faut dire que, malgré notre chauvinisme atavique, elle est un peu chez elle ici dans le Royal Festival Hall puisqu’elle fut écrite par le compositeur à la demande de la Royal Philharmonic Society et créé à Londres en mai 1886. Et on doit bien dire qu’elle s’y sent bien auprès du LPO qui a su parfaitement prendre la mesure de ses rythmes tantôt enlevés, tantôt intimes.

Pour l’occasion, Vladimir Jurowski a laissé sa baguette à l’un des futurs très grands chefs de la planète, le québécois Yannick Nézet-Séguin, principal chef invité du LPO et directeur musical de l’orchestre de Philadelphie. Fidèle à lui-même, Yannick Nézet-Séguin a enfourché ce cheval français avec l’énergie qui est la sienne. Malgré des tempi plutôt rapides, Nézet-Séguin laisse l’orchestre respirer lors des rares moments d’accalmie tout en tenant la bride d’une main de fer afin de permettre aux deux pianos et à l’orgue de pouvoir couronner cette cathédrale sonore. Au final, il s’en dégage une impression de profondeur et de grandeur musicale, presque beethovienne. D’ailleurs, Marcel Proust ne qualifiait-il pas cette symphonie de « la plus belle que l’on ait jamais composé depuis Beethoven » ?

Avec ce disque magnifique, on se rend bien compte qu’une fois de plus, les plus grands interprètes de notre musique se trouvent bien souvent de l’autre côté de la Manche.

Poulenc, organ concerto ; Saint-Saëns, symphony n°3 (organ), Yannick Nézet-Séguin (dir.), James O’Donnell (organ), London Philharmonic Orchestra, LPO, 2014

Laurent Pfaadt

L’Allemand de la Volga

Christian Tetzlaff, ViolineTetzlaff à la rencontre de Chostakovitch.
Fascinant

Dans les plaines recouvertes de neige de Rovaniemi, sur ces ruisseaux gelés, où le soleil ne se couche jamais, le violon de Christian Tetzlaff a percé la glace tel un rayon de soleil hivernal et a ainsi mis en lumière ces concertos pour violon de Dimitri Chostakovitch qui font désormais partie intégrante du répertoire de tout soliste qui se respecte.

Il faut dire que trouver ce nouvel enregistrement de l’un des plus grands violonistes de la planète ne fut pas chose aisée. C’est chez un label finlandais, Ondine, que l’on a débusqué cette petite merveille. Extrêmement productif, Christian Tetzlaff a abordé un répertoire conséquent, de Bach dont il a laissé à la postérité l’intégrale des sonates à Jorg Widmann dont il a créé le concerto en 2007 en passant par Bartók, Brahms, Nielsen ou Janacek. Ayant déjà gravé Chostakovitch en trio pour piano il y a quelques années, Christian Tetzlaff a aujourd’hui gravi la montagne Chostakovitch par le versant concertant.

Malgré un début quelque peu poussif, l’harmonie entre le soliste et l’orchestre s’établit très vite dans ce premier concerto dédié à David Oïstrakh en 1947-1948. Soucieux avant tout de rester fidèle aux intentions premières du compositeur, Tetzlaff délivre ce sentiment maléfique, envoûtant qui entoure cette oeuvre. En plus, sa grande virtuosité trouve matière à s’exprimer dans ce fameux dernier mouvement réputé pour sa difficulté technique ainsi que dans ce scherzo qui voit se répéter le motif du compositeur lui-même (DSCH (ré-mi bémol-do-si). A la tête l’orchestre philharmonique d’Helsinki, John Storgärds a su trouver le bon tempo, s’effaçant derrière le violon pour mieux ressurgir dans le dernier mouvement burlesque avec des percussions très réussies et fondamentales dans l’oeuvre de Chostakovitch qui répondent au violon dans un formidable écho. Certes, on n’atteint pas l’incandescence d’un Belkin mais l’interprétation de Tetzlaff séduit par son intensité et sa fluidité.

Le second concerto est également intéressant. Dans cette oeuvre plus intime, plus sensible et moins jouée, Christian Tetzlaff y exprime avec encore plus d’expressivité et de passion, cette musique de chambre et ce quatuor qui lui sont chers. Il faut dire que l’oeuvre créée en 1967 et dédiée comme pour le premier concerto à David Oïstrakh est peut-être moins aboutie. L’orchestre a su, une fois de plus, trouver parfaitement sa place, en s’effaçant derrière le soliste notamment lors du long solo du dernier mouvement après que les vents aient merveilleusement dialogué avec le soliste. Une fois de plus, Christian Tetzlaff a su illuminer de son talent une oeuvre peut-être un peu aride pour le grand public. Mais surtout, il démontre à ceux qui en doutaient encore qu’il est l’un des meilleurs violonistes de la planète.

Shostakovitch, violin concertos 1&2, Christian Tetzlaff, John Storgärds (dir), Helsinki Philharmonic Orchestra, Ondine, 2014.

Laurent Pfaadt

Requiem pour une légende

Warner Classics rend hommage à Herbert von Karajan dans une formidable série de coffrets.

Karajan

A l’occasion du 25e anniversaire de sa disparition, les principaux labels ressortent leurs enregistrements du célébrissime chef d’orchestre qui dirigea l’Orchestre philharmonique de Berlin jusqu’à sa mort. Véritable monstre de la direction d’orchestre, il laisse à la postérité un nombre absolument considérable d’enregistrements sur le disque composant un monument qui, selon ses propres mots, doit durer plus longtemps que les pyramides d’Egypte.

Parmi cette multitude de disques et d’enregistrements, le label Warner Classics édite de somptueux coffrets divisés à la fois chronologiquement et en fonction du répertoire joué. Héritier du label EMI avec lequel Karajan était personnellement engagé, Warner Classics a trouvé dans ses fonds d’archives matière à composer des disques qui révèlent de petits bijoux d’orchestration.

Il y en a pour tous les goûts : romantiques allemands, musique russe, française, contemporaine, etc. Ces coffrets superbement remasterisés sont intéressants et très précieux à plus d’un titre. D’abord, ils permettent d’entendre la direction de Karajan en dehors de son empire du philharmonique de Berlin. Car Karajan n’a pas que dirigé la phalange berlinoise. On l’entend ainsi à la tête du Philharmonia Orchestra – fondé par Walter Legge qui permit à Karajan de se refaire une virginité après son flirt avec le nazisme – dans ce que certains considèrent comme sa plus belle période ou du Lucerne Festival Orchestra sans oublier bien entendu le Philharmonique de Vienne, l’autre grand orchestre de sa vie.

Sur chaque orchestre, Karajan laissa sa marque, son empreinte indélébile. Seul dans Sibelius qu’il affectionnait ou en compagnie de solistes de génie comme Anne-Sophie Mutter, Alexis Weissenberg qu’il considérait comme l’un des plus grands pianistes de son temps dans ce magnifique premier concerto de Tchaïkovski ou Dinu Lipatti dans un émouvant concerto pour piano de Schuman, Karajan transcenda les œuvres et les musiciens.

Ensuite, ces coffrets donnent à écouter la conception, l’interprétation que le célèbre chef a de chaque œuvre. Evidemment, c’est le cas avec Beethoven où l’expressionisme de sa direction cache en réalité une rigueur hors du commun. Le Beethoven de Karajan se reconnaît d’ailleurs entre mille comme par exemple cette Neuvième Symphonie, toujours avec le Philharmonia et en compagnie d’Elisabeth Schwartzkopf. Si bien qu’aujourd’hui Karajan, c’est Beethoven et Beethoven, c’est Karajan. Le nombre absolument conséquent d’enregistrements permet également de découvrir certaines œuvres peu gravées comme la symphonie n°1 de Mili Balakirev ou l’intermezzo de l’opéra Notre Dame de Franz Schmidt.

La direction de Karajan est toujours impériale, toujours exacte même s’il est vrai, avec le temps, le legato a tendance à s’alourdir. Cependant, elle tape toujours juste. Tantôt furieuse et emportée, tantôt sensible et émotive, Herbert von Karajan ne laisse jamais indifférent. Avec Karajan, la musique n’est pas rejouée, elle est réinventée en permanence, si bien que de nombreux instrumentistes qui l’ont côtoyé ont le sentiment d’avoir vécu quelque chose d’unique, d’irremplaçable à ses côtés.


Retrouver tous les coffrets Karajan chez Warner Classics

Par Laurent Pfaadt

Edition hebdoscope 1010, septembre 2014

Le tsar du violon

Le violoniste James Ehnes signe un nouveau disque consacré à la musique contemporaine russe.

Depuis près de vingt ans, James Ehnes, comparé par un critique canadien à Jascha Heifetz, confirme son exceptionnel talent. Après Paganini, Mozart, Bruch ou Elgar, il nous revient avec un disque consacré à Aram Khatchaturian.

Compositeur connu en France essentiellement pour la danse du sabre de son ballet Gayaneh, Aram Khatchaturian (1903-1978) a longtemps pâti de son image de compositeur « officiel » du régime soviétique quand d’autres comme Chostakovitch par exemple ont eu des rapports plus ambigus avec l’URSS et Staline en particulier.

Couronné par le Prix Staline en 1941, le concerto pour violon dédié à David Oïstrakh rendit Khatchaturian célèbre dans le monde entier. L’œuvre marquée par un profond lyrisme est interprétée avec briopar James Ehnes et le Melbourne Symphony Orchestra même si on perçoit rapidement que le soliste domine outrageusement l’orchestre.

Grâce à sa parfaite virtuosité, James Ehnes et son Stradivarius Ex-Marsick de 1715, parvient magnifiquement à extraire toute la pureté du son, offrant ainsi un sentiment de plénitude qui n’est pas sans rappeler l’interprétation du violoniste russe Leonid Kogan. Comme dans ses disques précédents, la magie que délivre James Ehnes permet de transcender l’oeuvre. On est subjugué par son violon notamment dans cet Allegro vivace où notre virtuose se laisse entraîner dans cette frénésie musicale sans lui résister. L’orchestre australien trouve à ce moment son point d’équilibre et accompagne merveilleusement le violon.

Le disque est complété par des quatuors de Chostakovitch où James Ehnes retrouve ses compères du quatuor Ehnes. Ils parviennent à faire ressortir cette mélancolie absolue contenue dans ces œuvres Shostakovitch en particulier dans le 7e quatuor que le compositeur dédia à sa première femme disparue brutalement.

Au final, ce disque permet à la fois de mesurer l’exceptionnel talent du violoniste canadien et de redécouvrir une œuvre méconnue et pourtant digne des plus grands concertos.
james ehnes

Khachaturian : Violin Concerto
Shostakovich: String Quartets 7 and 8 James Ehnes (violin)
Melbourne Symphony Orchestra/Mark Wigglesworth, Ehnes Quartet (Onyx)
Par Laurent Pfaadt

Edition hebdoscope 1009, juillet 2014