Intégrale des symphonies de Sibelius par le Berliner Philharmoniker

Avant de refermer le panthéon musical finlandais consacré à Jean Sibelius en cette année 2015, il fallait bien un monument. Ainsi après Lorin Maazel, Leonard Bernstein, Sir Colin Davis ou Paavo Berglund, Sir Simon Rattle signe une intégrale fort intéressante des symphonies de Sibelius à la tête de « son » orchestre, le Berliner Philharmoniker qu’il s’apprête à laisser au chef d’orchestre russe, Kirill Petrenko. Après Schuman et Schubert (avec Harnoncourt), l’orchestre de Furtwängler et de Karajan s’aventure sur les terres glacées et sauvages de cette musique qui ne ressemble à aucune autre.
Le sentiment qui domine à l’écoute de ces symphonies est celui d’une force inextinguible qui puise ses racines dans cette énergie tellurique. Si les deux premières symphonies se rattachent encore à la tradition romantique, les suivantes appartiennent à l’univers musical si particulier de Sibelius. Ainsi, le lyrisme et l’optimisme de la 6e symphonie, moins jouée, sont ici extrêmement touchants.
Grâce à cette interprétation tout en nuances qui doit beaucoup à la direction de Simon Rattle (qu’il est d’ailleurs possible d’observer grâce aux DVDs présents dans ce magnifique coffret), la musique de Sibelius irradie. Il faut dire que le chef britannique ne s’aventure pas en terrain inconnu puisqu’il a déjà gravé par le passé une intégrale à la tête de l’orchestre de Birmingham. Durant son passage à la tête des Berliner, Rattle qui connaît Sibelius depuis sa jeunesse s’est ainsi attaché à emmener l’orchestre vers la musique de Sibelius qui avait été à peine abordée par Karajan.
La rencontre est ainsi explosive. Il se dégage une profondeur de ton et le sostenuto n’est jamais exagéré. L’interprétation de la seconde symphonie est à ce titre emblématique.
La musique ainsi délivrée devient solaire dans cette 7e symphonie, chef d’œuvre inclassable qui ressemble à un navire brise-glace avançant vers une terre inconnue.
Présenté dans un coffret très soigné qui comporte documents sonores, vidéos et textes, cette intégrale des symphonies de Sibelius éditée sous le label de l’orchestre offre en guise de conclusion de cette riche année Sibelius un formidable témoignage de la contribution de ce grand compositeur au patrimoine de l’humanité.

Jean Sibelius, Symphonies 1-7, Berliner Philharmoniker, Sir Simon Rattle, Berliner Philharmoniker label

Laurent Pfaadt

La violoniste Viktoria Mullova transcende le compositeur russe

Au disque comme au concert, écouter Viktoria Mullova, c’est l’assurance de passer un moment inoubliable. Son nouveau disque consacré à Prokofiev en est un témoignage supplémentaire. On l’avait laissé chez Onyx avec Bach. On la retrouve avec le 2ème concerto pour violon de Prokofiev.
Viktoria Mullova réalise parfaitement ce grand écart en prenant l’œuvre comme à son habitude en alliant une technicité sans faille et une sensibilité décuplée. il faut dire que l’œuvre composée en 1935 était taillée pour le profil de la virtuose.
Mullova est impressionnante dans les parties solo mais n’en oublie pas le rythme si entraînant du concerto qui lui confère ce lyrisme apprécié des mélomanes. Cette virtuosité est particulièrement évidente dans le troisième mouvement lorsque le violon dialogue avec les castagnettes.
Il faut dire qu’elle a trouvé en Paavö Jarvi un complice idéal. Le chef montre qu’il est aussi inspiré à la radio de Francfort dont il en a fait une référence en Europe – en témoigne sa récente production discographique – qu’à Paris. Mullova et Jarvi impriment ainsi au concerto une lumière faite de multiples couleurs sans altérer les équilibres sonores. Il en résulte une chaleur et une vie qui se répandent immédiatement dans nos oreilles.
Le disque est complété par une sonate pour violon seul et la sonate pour deux violons toujours de Prokofiev, où la soliste russe est accompagnée par son alter ego albanais, Tedi Papavrami. Le dialogue merveilleux de nos virtuoses démontre l’incroyable génie de Prokofiev qu’il est aujourd’hui possible entendre grâce à ce disque.

Prokofiev, violon concerto n2, Frankfurt radio symphony orchestra,
Mullova, dir. Jarvi, Onyx classics, 2015

Laurent Pfaadt

Avec ce concerto de Lutoslawski, Krystian Zimerman se confie.

Witold Lutoslawski, compositeur polonais décédé il y a un peu plus de vingt ans demeure largement méconnu et les implications d’une légende du piano  – Krystian Zimerman – d’un chef d’orchestre de renom tel que Simon Rattle et de l’orchestre le plus prestigieux du monde, celui de Berlin, ne peuvent qu’encourager à redécouvrir l’œuvre du maître.

Ce nouvel enregistrement de son concerto pour piano et de sa deuxième symphonie constitue donc une occasion rêvée pour pénétrer l’atmosphère parfois difficile mais toujours fascinante du compositeur polonais.

Le concerto pour piano du compositeur polonais est particulier pour Krystian Zimerman. Il faut dire que le pianiste polonais n’arrive pas en territoire étranger puisqu’il est le dédicataire de l’œuvre qu’il créa en 1988 et grava en 1992 avec le compositeur à la tête du BBC Symphony Orchestra. Vingt-trois ans séparent donc ces deux interprétations. Le temps a passé, l’épaisse chevelure et la barbe de Krystian Zimerman ont blanchi et le doigté est devenu plus intense. Nimbée d’une maturité tragique cette œuvre énigmatique et fascinante nous est relatée par un Zimerman qui, avec sa prodigieuse technique, semble nous parler un peu de lui-même. On le sent pénétrer par cette musique. Le toucher est plus lent, plus profond. On assiste alors avec émotion à une forme de communion entre le compositeur et son dédicataire.

Rattle et Zimerman se connaissent bien pour jouer ensemble avec le Philharmonique de Berlin ou le London Symphony Orchestra dont Rattle sera le prochain directeur musical. Avec Lutoslawski, ils construisent une alchimie faîte de complicité qui est immédiatement perceptible et qui donne une interprétation vivante, puissante. Les deux hommes nous convient à un véritable voyage au centre même de la musique et l’on imagine presque Lutoslawski tout près en train d’écouter son oeuvre.

Le disque est complété par la deuxième symphonie du compositeur mais on retiendra surtout ce magnifique concerto qui s’inscrit dans la tradition des grandes œuvres concertantes pour piano de l’histoire de la musique au côté de Beethoven, Tchaïkovski ou Bartok.

C’est vrai que l’on connaît peu Witold Lutoslawski. Sa musique est trop proche de nous. Mais l’histoire se chargera de rendre au compositeur polonais la place qui est la sienne et qui est et demeurera éminente. Nul doute qu’un disque comme celui-ci facilitera cette reconnaissance en même temps qu’elle contribuera à faire connaître son incroyable créativité.

Lutoslawski, concerto pour piano (Zimerman), symphonie n°2, Berliner Philharmoniker, dir. Simon Rattle, Deutsche Grammophon, 2015

Laurent Pfaadt

Avec ce coffret fascinant, Harnoncourt réhabilite Schubert

A près de 90 ans, Nikolaus Harnoncourt reste un révolutionnaire comme en témoigne ce superbe coffret consacré à Franz Schubert. Après Beethoven, Mozart et tant d’autres, le maître à penser des baroqueux s’est emparé avec maestria du plus romantique des compositeurs germaniques.

Avec cette intégrale des symphonies, les messes n°5 et 6 ainsi que l’opéra méconnu Alfonso et Estrella, Harnoncourt est allé puiser aussi bien dans les archives et les documents originaux que dans son incroyable conception musicale pour retraduire l’essence même de la musique du compositeur.

Il est en effet bien loin le temps où la musique de Schubert avait été entendue de la sorte. La faute à un Johannes Brahms qui réécrivit en partie les œuvres du maître et en quelque sorte les tronqua aux oreilles de l’humanité. A la manière d’un restaurateur d’œuvres d’art, Harnoncourt a gratté le vernis et les couches de peinture successives que les compositeurs et interprètes ont laissé durant ce siècle et demi autour des symphonies de Schubert pour en donner une patine qui, certes était belle, mais ne correspondait pas à la réalité et, au final, avait fini par appauvrir l’œuvre du compositeur qui en était réduit à la musique de chambre.

Harnoncourt a ainsi dégagé la fresque schubertienne et en a libéré ses couleurs tragiques mais également – et c’est là une découverte – cette joie de vivre, procurant ainsi un sentiment de nouveauté et de découverte absolument fascinant. Le maestro qui confesse avoir été accompagné depuis sa plus tendre enfance par Schubert sort ainsi, grâce à cette interprétation, Schubert de son carcan morbide et révèle l’exceptionnel sens de l’harmonie et selon ses mots « le langage de l’indicible » contenu dans cette musique.

Bien entendu, le chef était attendu sur la Grande (9) et sur l’Inachevée (8) qu’Harnoncourt qualifie tout bonnement de « perfection » et dont les mélomanes ont encore en tête la version de Carlos Kleiber à la tête du Wiener Philharmoniker. Et la surprise est de taille car les deux symphonies sont réinventées musicalement grâce à un splendide travail sur les tempii et le legato. Ainsi, l’omniprésence des cordes dans la Grande, tempérée par les bois, donne un sentiment d’apaisement.

Dans cette magnifique intégrale symphonique, Nikolaus Harnoncourt a embarqué avec lui les Berliner Philharmoniker qui ont accepté de faire une infidélité au label DG pour cette aventure indépendante et surtout se sont fondus dans cette nouvelle interprétation en acceptant de déroger à la tradition qui corsète parfois les orchestres. Il faut dire que cela a été possible grâce au magnétisme d’Harmoncourt (visible grâce au DVD présent dans le coffret) mais également à Claudio Abbado et à Simon Rattle qui ont fait évoluer l’orchestre vers plus de plasticité.

Qu’il s’agisse de ses symphonies ou de l’opéra Alfonso et Estrella, l’incompréhension du public et des interprètes tient au fait qu’on a voulu – Brahms le premier – faire rentrer la musique de Schubert dans des traditions alors en vigueur alors qu’elle n’appartenait qu’à elle, qu’elle était inclassable. C’est ce qu’Harnoncourt a compris en rendant justice à ce génie, et en prouvant qu’avant de croire, il faut écouter.

Schubert, Symphonies Nos. 1-8, Messes Nos. 5 & 6, Alfonso und Estrella, Berliner Philharmoniker, dir.Nikolaus Harnoncourt, Berliner Philharmoniker Recordings, 2015.

Laurent Pfaadt

Un coffret célèbre la relation unique entre le chef letton et
l’Orchestre du Royal Concertgebouw d’Amsterdam

Pendant près de vingt-cinq ans, Mariss Jansons, chef d’orchestre letton considéré comme l’une des meilleures baguettes vivantes et le Royal Concertgebouw d’Amsterdam, l’un des orchestres les plus merveilleux de la planète, celui de Mengelberg puis d’Haitink et qui a gravé quelques-unes des plus belles pages de la musique classique du XXe siècle, ont entretenu une relation spéciale comme en témoigne cette série d’enregistrements.

Jusqu’à son départ en mars dernier, Mariss Jansons a conduit ce fabuleux orchestre à travers tous les répertoires. Depuis Oslo, Pittsburgh ou Munich en tant que chef invité puis comme directeur musical de l’orchestre lorsqu’il remplaça Riccardo Chailly en 2004, Mariss Jansons s’employa, tel Rembrandt, à peindre, au travers de chaque interprétation, des œuvres qui, pour la plupart, resteront dans toutes les mémoires.

Le coffret qu’édite l’orchestre, en même temps qu’il représente un magnifique témoignage sonore, constitue une sorte de musée du chef, regroupant ses tableaux, ses œuvres les plus emblématiques, les plus réussies.

Le legs musical de Jansons est considérable et offre une variété de répertoires avec, à chaque fois, le souci de l’excellence. Porté par une prise de son remarquable qui fait désormais la marque de fabrique du label de l’orchestre, RCO Live, on goute avec plaisir cette magnifique troisième symphonie de Bruckner ou ce tonitruant Bartok.

Tel le génie de Leyde, Jansons utilisa avec intelligence et sensibilité cette formidable palette de couleurs qu’est le Royal Concertgebouw d’Amsterdam et lui transmit sa vision, créant ainsi ce lien très fort qui se construisit entre eux année après année. Le coffret contient à ce titre un DVD qui permet ainsi de mesurer cette parfaite osmose dans une quatrième symphonie de Mahler où brille également la soprano Anna Prohaska. Cette osmose tient également au fait qu’en grand spécialiste de la musique symphonique de la fin du XIXe et du début du XXe, Jansons a trouvé dans l’orchestre l’écho parfait de sa vision d’un Bruckner ou d’un Mahler.

Tout en accompagnant l’orchestre à Londres ou à Berlin, on est surpris par tant de précision sonore, une texture qui n’est jamais surfaite, jamais exagérée. En cela, Jansons rejoint Haitink car il trouve toujours le ton juste et ne donne jamais dans une puissance qui serait contreproductive. Le résultat est magique : une profondeur musicale qui va directement au cœur. Cela est particulièrement perceptible dans la  première symphonie de Schumann. Mais Jansons est allé plus loin qu’Haitink : il a méthodiquement charpenté le son de l’orchestre jusqu’à devenir cristallin (il n’y a qu’à écouter la 7^e symphonie de Mahler pour s’en convaincre) faisant ainsi du Concertgebouw le meilleur orchestre du monde en 2008.

Alors oui, c’est vrai que pendant longtemps, celui qui fut l’assistant de Mravinsky à Leningrad, a excellé dans Tchaïkovski et la 6^e présente dans ce coffret est là pour le rappeler mais on est surpris par son Beethoven (5^e) qu’il a d’ailleurs magnifié dans une intégrale avec l’orchestre de la radio bavaroise.

Ce coffret permet également de découvrir ou de redécouvrir certaines œuvres moins jouées tel le concerto pour violon de Bohuslav Martinu avec un Franz Peter Zimmermann très inspiré ou un concerto pour orchestre de Lutoslawski tout en noirceur mais également des créations contemporaines comme celle de Sofia Gubaidulina portées par un chef toujours attentif à cette musique et qui restera, à n’en point douter, dans les annales de la direction d’orchestre.

Mariss Jansons, Live the radio recordings, 1990-2014, Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, RCO Live, 2015

Laurent Pfaadt