Interview et
images de l’artiste
Laurence
Garnesson lors de
sa résidence en
février 2020 dans l’atelier de taille douce des Éditions Bucciali où elle a réalisé
25 monotypes. https://youtu.be/b93nxp7jrTU
Entretien, prises de vues & montage :
Luc Maechel avec Mitsuo Shiraishi, Alma et Rémy Bucciali
Nota : les musiques sont diégétiques (radio dans l’atelier…)
Le musée des Beaux-Arts d’Agen
rend un vibrant
hommage à
Francisco de Goya
Il y a de la
revanche dans l’air.
Celle d’un peintre voué aux gémonies par l’Inquisition pour sa
toile des Majas et qui s’expose dans un couvent. Certes, celui-ci a
été, depuis longtemps, désacralisé. Mais le symbole en dit long sur
la force de l’art. Car avec Francisco de Goya (1746-1828), tout est
histoire de force et de puissance. A coup de pinceau. A coup de
message envoyé.
Le musée des Beaux-Arts d’Agen l’a bien compris et a décidé
d’organiser, d’expliquer, sans pour autant canaliser cette force à
travers une judicieuse scénographie qui fait passer le visiteur dans
des espaces successifs qui sont autant de temples artistiques
dialoguant en permanence. Le visiteur va ainsi de l’un à l’autre puis
revient sur ses pas pour confronter ses sentiments, ses ressentis,
ses connaissances. Il les déconstruit, les conforte ou les
redécouvre. Comme un coup de pinceau qui brouille un visage
pour le rendre, lorsqu’on s’éloigne, plus net.
Basée sur la collection du comte de Chaudordy, ambassadeur de
France en Espagne et agenais, l’exposition permet ainsi
d’apprécier les différentes dimensions artistiques de Goya : le
portraitiste, le paysagiste, le peintre de scènes historiques ou de la
vie quotidienne. Tout le monde a en tête les portraits équestres du
roi Ferdinand VII ou la junte des Philippines. Ici, les toiles
convoquées ne sont pas monumentales. Elles viennent de
Budapest, de la BNF pour ces magnifiques eaux-fortes
notamment cette première édition du sommeil de la raison ou
encore de collections particulières dont le très beau Sauvages près
d’un feu et montrent le travail minutieux et attentif du maître. Là,
une eau-forte permet de mesurer le traitement si spécial de la
lumière. Ici encore ces portraits libérés du néo-classicisme d’un
Ingres ou d’un Bayeu y Subias, son maître devenu son rival, avec
ces visages transformés en trognes qui font entrer Goya de plein
fouet dans la modernité avec un demi-siècle d’avance.
L’exposition d’Agen nous rappelle également que Goya fut celui
qui matérialisa, immortalisa au début du 19e siècle cette sale
guerre napoléonienne promise à un sinistre avenir. Et même si le 3
de Mayo n’est pas là, la scène avec bandits tirée de son atelier nous
rappelle aisément que la peinture se veut aussi avec lui
propagande d’un humanisme qui transcende les époques et les
continents.
Loin d’être isolé, Goya entraîna avec lui toute une génération de
peintres espagnols qui allaient se réclamer de lui. Ainsi
l’exposition convoquent Eugenio Velázquez et ses garrots de Lille
et d’Agen mais également Asensio Julia et Alenza y Nieto qui
poursuivirent avec talent la tradition des Majas pour montrer
combien fut durable l’influence de ce peintre qui côtoie
aujourd’hui au panthéon de l’humanité Picasso, Rubens ou
Velázquez. Au Prado, à quelques encablures des Ménines, hommes
d’Eglise viennent aujourd’hui admirer la Maja nue. Elle semble rire
de l’énième revanche que son génial créateur, ici comme à Agen,
vient de prendre sur eux.
Par Laurent Pfaadt
Goya, génie d’avant-garde, le maître et son école,
Musée des Beaux-Arts d’Agen,
jusqu’au 10 février 2020
El Greco (Domenikos Theotokopoulos), Cardinal Fernando Niño de Guevara (1541–1609) (Painting: Oil on canvas)
Première grande rétrospective
française consacrée au Greco,
peintre révolutionnaire
Outsider, Le Greco le fut à plusieurs
égards : il fut ce Grec maîtrisant mal
l’italien et jamais accepté par les
aristocraties picturales italiennes ; ce
peintre de scènes religieuses dont la
propre religiosité fut questionnée par
le très catholique Philippe II ; et enfin
cet artiste s’affranchissant des codes
en vigueur pour mener, seul, sa
révolution picturale.
Né en 1541, Domínikos Theotokópoulos dit El Greco, se tourna d’abord vers la peinture
d’icône qui allait marquer de façon indélébile son art avec ce goût
des petits formats (Mise au tombeau, 1570-1575) et le travail du
bois avant de s’orienter vers la grande peinture religieuse. Et en
cette deuxième partie du XVIe siècle, c’est à Venise que cela se
passe. Là-bas règnent en majesté Titien et Le Tintoret. Difficile d’y
faire sa place, surtout quand on se met à critiquer le génie de
Michel-Ange ! Car Le Gréco, malgré quelques influences dont le
clair-obscur d’un Jacopo Bassano, trouva tout cela terriblement
passéiste et ne se priva pas de le dire. Lui qui ne jurait que par la
lumière et la couleur décida de tracer sa propre voie
métamorphosant la lumière en spectre et laissant éclater ses
carmins, ses jaunes ou ses verts. Ses saints ont des visages
oblongs, ses mises en scène prennent une dimension fantastique.
Le contraste avec ses contemporains est saisissant. Et l’arrogance
du génie en gêna plus d’un si bien qu’il dut quitter l’Italie.
C’est en Espagne, à Tolède plus particulièrement que le peintre
bâtit son empire pictural grâce notamment à Luis et Diego de
Castilla. A partir de 1577, Le Greco y réalisa quelques-uns de ses
plus beaux chefs d’œuvre, dont certains, notamment Le partage de
la tunique du Christ, prodigieux concentré de son art et la série des
apôtres de Tolède, manquent malheureusement à l’appel. Mais le
visiteur se consolera aisément avec L’Assomption de la Vierge (1577-1579)prêtée par une Chicago qui accueillera l’exposition,
sa magnifique Piéta (1580-1590) ou L’agonie du Christ au jardin des
oliviers (1600). Dans ces œuvres, Le Greco donne la pleine mesure
de son génie : couleurs surnaturelles, paysages tournoyants,
Christ gris. Jusqu’à sa dernière œuvre présentée, L’ouverture du
cinquième sceau (1614) demeurée inachevée, il aura manifesté une
incroyable modernité. Car comment ne pas voir dans ces toiles,
Blake, Bacon, Manet ou Matisse ? Le portrait du cardinal Fernando
Nino de Guevara semble à lui seul concentrer toutes ses audaces :
la robe du cardinal est d’un rose jamais vu. Quant au visage du
religieux, affublé de petites lunettes rondes, il montre un homme
qui aurait pu vivre au début du 20e siècle. Façon de dire, d’une
certaine manière, que sa peinture n’a pas pris une ride…
Par Laurent Pfaadt
Greco, Grand Palais, galerie sud-est, jusqu’au 10 février 2020
A l’occasion de son passage à la
Cinémathèque française,
rencontre avec le réalisateur
James Gray
En sept films, le réalisateur
américain James Gray est déjà
devenu un cinéaste culte. De la
scène d’ouverture avec Eva
Mendès dans La Nuit nous
appartient à la vision de la planète
Neptune par l’astronaute Roy Mc
Bride (Brad Pitt) dans Ad Astra en
passant par la nudité de Gwyneth
Paltrow dans Two Lovers, du polar
à la science-fiction ou le film d’aventures, James Gray a imposé
son style et ses univers au cinéma.
De passage à Paris à l’occasion de son travail sur la mise en scène
des Noces de Figaro au théâtre des Champs-Elysées, James Gray a
rencontré, le temps d’un après-midi, ses fans pour évoquer avec
eux son travail et sa vision du cinéma.
La masterclass succédant à Two lovers, ce mélodrame un peu
atypique dans l’œuvre de James Gray, c’est à travers ce succès
critique mais échec commercial que le réalisateur aborda son art,
estimant avoir voulu dans ce film explorer la sincérité du
personnage jusqu’à l’inconfort. Car c’est peut-être là que réside la
magie de ses films : ils reflètent, à travers leurs fragilités, la vie de
gens normaux dans tout ce qu’elle a de plus complexe, de plus
tragique. Ainsi, dans Two lovers, Joaquin Phoenix est atteint de
troubles neurologiques, tandis que dans The Yards, Mark
Wahlberg se débat dans une fatalité qui aura raison de lui.
Les histoires de James Gray décrivent souvent des liens familiaux
déstructurés. Ici, un fils recherchant dans les étoiles ou au travers
de ses erreurs et sa colère, l’attention d’un père jusqu’à mourir à
ses côtés dans The Lost city of Z. Là, la quête d’un idéal au
détriment de l’amour de ses proches. « Notre responsabilité de réalisateur est de faire du sens avec nos choix de caméra » affirme-t-il
avant de rejeter toute forme de projet commercial qui le
conduirait à réaliser la « 17e version de Captain America » et d’une
certaine manière à se renier.
Le travail de James Gray construit ainsi, film après film, une œuvre
qui échappe aux modes et qui sonde la nature d’une espèce
humaine dont il reste persuadé qu’elle a besoin de cinéma, ce
médium qui concentre toutes les formes d’arts, qu’il s’agisse de
peinture, de photographie, de danse ou de musique. Lui qui a été
marqué dans son enfance par un cinéma allant de 1945 à 1980 et
par la littérature russe en particulier Dostoïevski, sait
pertinemment que si le cinéma doit offrir du rêve, il doit aussi
montrer l’envers du décor et notamment celui du rêve américain
avec ses laissés pour compte, ces losers qui peuplent les films de
Gray et que ce dernier magnifie. L’important est de suivre sa voix,
peu importe les circonstances, et comme il le rappelle à juste titre
à une jeune apprentie réalisatrice lui demandant un conseil, «
focalisez-vous sur la voix qui réside en vous. Le monde vous suivra,
peut-être pas tout de suite mais il vous suivra, soyez-en certain. »
Par Laurent Pfaadt
Retrouvez toute la programmation de la Cinémathèque française sur www.cinematheque.fr
Le vampire est à l’honneur
d’une exposition à la
Cinémathèque française
On entre un peu dans cette
exposition comme dans un
caveau. Niche en croisée
d’ogives, lumière
tremblante, bruits
inquiétants, ce voyage eu
cœur des ténèbres promet à
ses imprudents visiteurs
quelques nuits blanches et
de nombreux frissons
salvateurs.
Pourtant, qui n’a pas tremblé de plaisir dans son fauteuil devant
Christopher Lee et ses canines injectées de sang et son sex-appeal
infaillible ou eu envie d’être possédé par un Tom Cruise et, pour
les plus jeunes, par Buffy ? L’exposition de la cinémathèque, à la
scénographie toujours aussi réussie, embarque son visiteur dans
un voyage d’outre-tombe où se mêlent cinéma bien entendu mais
également littérature et art pour nous dévoiler la figure
polymorphe de ce mythe qui a fait les grandes heures du petit et
du grand écran. Mais ce mythe a suivi des cycles, variant entre
intérêt grandissant et oubli, entre films terrifiants et parodies
loufoques. Ainsi après les épisodes de la Hammer, les vampires
furent relégués en série B voire en série Z et devinrent alors –
l’exposition permet de s’en rendre compte – les compagnons de
jeunes réalisateurs appelés à de brillants avenirs comme Tony
Scott qui signa avec Catherine Deneuve et David Bowie des Prédateurs (1983) qui rencontrèrent un succès d’estime en France
ou une Kathryn Bigelow réalisant à trente-six ans, un étonnant Aux frontières de l’aube (1987). Mais il est bien connu que le
vampire ne meure jamais sauf à confier la tâche à des
professionnels comme James Woods dans Vampires de Carpenter
ou le mythique Van Helsing. Sans quoi, il revient du diable vauvert,
notamment à la fin des années 80 pour s’imposer esthétiquement
et au box-office durant la décennie suivante avec le Dracula de
Francis Ford Coppola (1992) et Entretien avec un vampire de Terry
Jordan (1994) qui révéla un jeune acteur plein d’avenir, un certain
Brad Pitt.
De ces témoignages, l’exposition repasse de l’autre côté du miroir
cinématographique en montrant tout le travail opéré derrière la
caméra par ceux qui donnèrent un corps de celluloïd à ce mythe.
Le visiteur peut ainsi se confronter au masque porté par Klaus
Kinski dans le Nosferatu de Werner Herzog et aux maquettes de
l’artiste japonaise Eiko Ishioka. Cette dernière signa d’ailleurs les
costumes baroques du Dracula de Coppola, véritables pièces
maîtresses de l’exposition qui lui valurent un Oscar en 1993.
Le cinéma étant toujours le reflet d’une époque, l’exposition
montre également combien, à l’instar des extraterrestres, la figure
du vampire a oscillé entre ami et ennemi, tantôt poète
romantique, tantôt un ennemi politique, du communiste au
prédateur de la finance. Façon de dire qu’à l’image de notre
société, il continue d’être un monstre éminemment fascinant.
Par Laurent Pfaadt
Vampires, De Dracula à Buffy, jusqu’au 19 janvier 2020,
La Cinémathèque française.
Retrouver toute la programmation cinéma autour de l’exposition sur :
www.cinematheque.fr/cycle/vampires
La photographe
américaine Lauren
Greenfield dépeint
les travers d’un
monde obsédé par
la consommation
et l’apparence
Cette exposition
ne pouvait se tenir
qu’au Louisiana, ce
musée danois situé en bord de mer. Le Danemark, figurant parmi
les pays où les gens sont le plus heureux au monde et où bien-être
et croissance semblent aller de pair, était donc le lieu idéal pour
montrer le travail de la photographe américaine Lauren
Greenfield, rassemblé sous le titre quelque peu provocateur de
Generation Wealth (« Génération croissance »). Provocateur
vraiment ? Car à regarder de plus près ces deux cent clichés,
vidéos et documentaires, depuis les premiers travaux de l’artiste
dans sa ville natale de Los Angeles au début des années 1990
jusqu’à la crise de la finance mondiale en passant par les nouveaux
riches russes ou chinois, on se dit que ces photos ne sont que le
reflet d’une réalité, d’un monde qui a, indubitablement, vacillé. La
faute à ces années Reagan qui ont concrétisé et transformé, de
manière irréversible, un empire de production en un empire de
consommation.
Génération Wealth est une galerie de portraits incroyables,
stupéfiants, hallucinés et embrasse toutes les dimensions de ce
rêve dément. Parfois les mots manquent à décrire ces hommes et
ces femmes qui semblent vivre hors du temps et ont fait de la
maxime « J’achète donc je suis », l’alpha et l’omega de leurs
existences. Il n’est pas rare de croiser un visiteur restant coi
devant tel comportement ou écarquillant les yeux devant telle
transformation physique. Car à y regarder de plus près, l’œuvre de
Lauren Greenfield est un musée de l’horreur peuplé de monstres :
petites filles lobotomisées par leurs parents et voulant ressembler
à des princesses avant même de savoir parler, traders et autres
démiurges financiers de notre époque, travailleurs du sexe
choisissant ce métier non pas par nécessité mais par appât du
gain. Car dans ce système, la morale ne paie pas.
Devenus des produits, des marchandises, des objets animés de
vie, traversés par la démesure, l’arrogance comme cet ex-
mannequin et photographe letton photographié devant son
immense bibliothèque ne contenant qu’un seul et même livre, le
sien autoédité et imprimé à l’infini ou la quête de la notoriété, l’œil
de Lauren Greenfield n’omet rien : la chirurgie esthétique bien
entendu, la quête perpétuelle de reconnaissance ou les caprices
immobiliers de dictateurs et de magnats des nouvelles
technologies. Devant ces photos, le visiteur mesure combien
croissance et vanité vont de pair comme dans cette photo prise
sur un yacht à Monte-Carlo montrant une serveuse nettoyant, à
quatre pattes, une moquette, devant l’indifférence d’un nouveau
riche, téléphone à l’oreille. La croissance, c’est d’abord
l’humiliation des plus faibles ou plutôt des moins riches. Mais
Lauren Greenfield va plus loin encore et la force de ses clichés
explose littéralement avec les victimes de cette « génération
croissance » : il y a les subjuguées serviles, les dépressives et plus
nombreuses, celles dont la soif de vengeance ou de revanche est
demeurée intacte.
« J’ai appris de la plupart d’entre eux que la poursuite de la croissance
est sans fin et au final, insatisfaisante » affirme Lauren Greenfield
dans le magnifique catalogue qui accompagne l’exposition et qui
tient véritablement lieu de monographie de l’artiste. Et à l’instar
de cette « Queen of Versailles », Jackie Siegel qui voulut
reproduire chez elle, en, Floride le château de Versailles, dont le
mari se peignit en Napoléon, qui offrit une prothèse Louis Vuitton
à sa tante handicapée et dont on suit les délires à la fois
vertigineux, irréels et kitsch ainsi que sa chute brutale, Lauren
Greenfield nous montre que les dieux de la croissance et de la
célébrité à tout prix ont été comme Saturne, ils ont dévoré leurs
enfants pour les reléguer dans ce qu’ils redoutaient le plus : l’oubli.
Par Laurent Pfaadt
Génération Wealth, Lauren Greenfield,
jusqu’au 26 janvier 2020
Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk,
Danemark.
Catalogue de l’exposition :
Laura Greenfield, Generation Wealth,
Phaidon, 504 p
Dora Maar au Centre
Pompidou. L’exposition à ne
pas rater cet été
A l’instar d’une Camille
Claudel, écrasée par la figure
d’un génie immortel traversant
époques et modes, Dora Maar
fut l’une des rares muses que
l’histoire n’oublia pas. Mais,
tout comme Camille Claudel,
elle réussit, non seulement à
survivre à l’anonymat que lui
promettait son pygmalion mais plus encore, à vivre, à exister
et à briller hors de l’ombre artistique de ce dernier.
La rétrospective que consacre aujourd’hui le Centre Pompidou à la
maîtresse de Pablo Picasso, Dora Maar, vient ainsi couronner un
talent artistique incontestable. Il a pourtant fallu attendre plus de
vingt ans après sa mort (en 1997) pour assister à ce sacre. De
nombreuses œuvres ont été rassemblées, de collections
particulières aux musées américains pour découvrir celle qui se
cachait derrière l’éternelle femme qui pleure d’un Picasso qu’elle
rencontra en 1935 et avec qui, sous l’ombre tutélaire de Guernica,
elle débuta une idylle qui devint un mythe. Mais comme le cubisme
et ses différentes dimensions, l’exposition se devait de dévoiler
avec malice, la photographe, la peintre et la femme engagée
derrière ce portrait. Tout le mérite en revient à une pléiade de
femmes à l’origine de cette exposition et notamment Damarice
Amao, l’une des commissaires de l’exposition qui a souhaité mettre
en avant la « singularité d’une existence artistique dédiée à
l’expérimentation et à la quête d’une rédemption créative ».
Ne tombons donc pas dans le piège de ramener Dora Maar à
Picasso et arrêtons là d’évoquer ce dernier. Car l’exposition
montre qu’elle fut comme de nombreux artistes de son époque,
une artistique protéiforme avec cependant une prédilection pour
la photographie. Ses clichés attestent de ses talents pour la
photographie de mode, de publicité (Pétrole Hahn ou Ambre
solaire), le nu, le photomontage qu’elle accompagna plus qu’elle ne
le marqua et le portrait où il y a indubitablement un style Dora
Maar. Plus surprenant encore est sa photographie de rue. Ses
photos de Barcelone ou de Londres témoignent d’une empathie
absente chez ses contemporains, de quelque chose de solaire dans
ces anonymes, ces mendiants, ces laissés-pour-compte qu’elle fixe
sur la pellicule. Et si l’une de ses coreligionnaires, l’autrichienne
Lisette Model affirmait vouloir photographier avec ses tripes,
Dora Maar le fit réellement avec son cœur. Une magie urbaine
traverse sa photographie. Les statues prennent vie et les vivants
sont statufiés comme en témoignent ce cliché du pont Mirabeau et
ce portrait de femme, tous les deux datés de 1935. Mais au-delà
de son art, ses œuvres dessinent le portrait d’une femme engagée
à l’extrême-gauche appartenant à cette race d’aventurières
forgées dans ce métal intrépide de l’entre-deux guerres et à
laquelle appartient par exemple une Martha Gellhorn, dans cette
époque où ces femmes firent du courage, de l’audace et d’une
indépendance à toute épreuve des étendards de la liberté que
nombreux hommes n’osèrent pas brandir.
Recluse dans sa maison de Ménerbes dans le Lubéron après la guerre, cultivant une forme de mysticisme, Dora Maar s’orienta vers la peinture et les divers styles qu’elle adopta donnant certes l’impression d’une « femme qui peint comme un homme » selon la journaliste Francine Du Plessix mais qui se chercha sans se trouver. Car on n’échappe jamais à sa véritable nature et dans les années 1980, Dora Maar fit un retour spectaculaire à la photographie avec des œuvres épurées, abstraites absolument magnifiques. Il était donc écrit que cette femme, cette artiste ne vivrait qu’en noir et blanc. Ce n’est qu’ainsi qu’elle survivrait au génie de la couleur qui l’immortalisa. Cette exposition est là pour nous le rappeler.
Par Laurent Pfaadt
Dora Maar jusqu’au 29 juillet,
Centre Pompidou, Paris
Catalogue de l’exposition : Dora Maar, sous la direction de Karolina Ziebinska-Lewandowska, Damarice Amao et Amanda Maddox,
Editions du Centre Pompidou, 208 p.
La Galerie Art’Course
réunit du 5 au 29 juin
les créations de 40
bijoutiers et orfèvres
plasticiens venus de
18 pays pour « Lié.e.s»,
une exposition
d’envergure
internationale dédiée
au bijou contemporain
qui fait souffler un
vent d’art frais sur
Strasbourg tout en
s’inscrivant dans un
champ résolument
politique.
Il peut arriver que l’art encore bien méconnu du bijou contemporain
ouvre tout un monde régénéré en ample matière à récits.
Comment ? En suspendant par un saut de conscience l’accélération de celui que nous avons en partage. Cette accélération folle qui en
contracte les dimensions, réduisant nos vies minuscules à
l’applatissement d’un perpétuel téléprésentisme sans présence à
l’heure des dommages collatéraux, environnementaux, des effets
secondaires et des dénis de réalité persistants…
C’est bien l’ambition de Sébastien Carré, le commissaire de cette
exposition-monde baptisée « Lié.e.s » qui consacre le rôle de
« Strasbourg-capitale » tout en rajeunissant l’art millénaire du bijou : « La voix de l’artiste ajoute à la société. Son rôle est de transmettre
un message de nature à faire évoluer celle-ci. Nous sommes un
paysage pour les cellules qui vivent en nous. Nous proposons des
climats interactifs pour interpeller cet excès de virtualité qui
déréalise notre rapport à la nature et fait écran entre l’univers et
nous. Nous avons perdu nos connexions avec la nature comme avec
notre propre nature. Par un bijou, nous achetons quelque chose qui
véhicule un sens : quel meilleur message que de porter cet objet
porteur de sens sur nous ? C’est une manière de transmettre nos
pensées et de faire évoluer la société par un acte de
déconsommation devenu nécessaire. »
Dans cet univers intelligent où s’imbriquent l’animal, le végétal,
l’humain, le minéral et le synthétique et qui répond à chacune des
manifestations de notre présence d’esprit, l’oeuvre d’immersion de
Sébastien Carré établit une symbiose délicate entre la nature des
matériaux utilisés (pierre, textiles, métaux, matières végétales ou
synthétiques) et le corps toujours à réinventer, envers et contre
l’épreuve de la maladie ou l’emprise d’une abstraction « numérique »,
dévoreuse d’être et d’expérience intérieure…
Oser le mot « politique »…
Sébastien Carré plonge ses racines dans le village de Vetheuil, en
région parisienne – celui où l’a précédé Claude Monnet avant de
faire école à Giverny – et déploie ses ailes à Barcelone et
Strasbourg…
Dans son enfance, sa grand-mère lui apprend à tricoter et à broder –
et sa mère à crocheter. Arrivé au carrefour des possibles, Sébastien
choisit Strasbourg, où l’art est à la fête, pour se former en section «
Bijou » à la prestigieuse Ecole des Arts décoratifs (2009-2014) –
avant de se retrouver confronté à la question cruciale : « Comment
débuter dans la carrière de bijoutier contemporain ? »
D’abord, il est assistant d’enseignement à l’école devenue la HEAR,
histoire de sentir l’émergence des jeunes pousses de la création
contemporaine : « Je voulais travailler le volume, j’adore travailler le
métal. Je suis resté à Strasbourg, la ville au plus près de tous les pays
où il y a un public pour le bijou contemporain et au confluent de tout
ce qui se passe… »
C’est par la grâce d’un échange à Barcelone qu’il tire le fil d’or de sa
vie – son travail est consacré par une triple moisson de prix (Jeune
création d’Atelier d’Art de France avec un stand au Salon Révélation
au Grand Palais 2015, Prix du Jury et Prix du Public de The Legacy
Award à Barcelone en 2015, Gioieilli in Fermento en Italie en 2016,
Prix pour les Arts de l’Académie rhénane en 2016). En octobre 2018,
il expose à nouveau dans l’effervescente Barcelone postindustrielle,
avec Materio-Talk qu’il organise à l’Institut français.
Par ciel bas et affaissemment de l’horizon commun, la conscience de
l’épuisement d’une planète surexploitée peut mener à de féconds
engagements : « Il faut oser le mot « politique » : quand on est artiste
et qu’on dispose d’une voix, qu’est-ce qu’on pourrait dire ? Nous
entrecroisons dans cette exposition une demi-douzaine de
thématiques comme le pouvoir, la paix, les migrations, la
désertification… Le terme bijou vient du grec « kosmo » qui signifie
idée. Nous avons perdu le sens du bijou à partir de la Révolution
française pour donner à la femme le rôle de celle qui porte les
bijoux… Nous conférons de la valeur à des matières qui ne seraient
pas considérées comme précieuses. L’échelle du bijou permet de
discerner les enjeux. Après un appel à candidatures, lancé en juin
2018 et relayé sur de nombreux sites web internationaux de
référence dans le domaine du bijou d’art contemporain comme
Klimt02 ou Art Jewelry Forum, j’ai trouvé quarante créateurs qui
utilisent le média du bijou.Ils ont réfléchi à partir de trois images
marquantes de l’histoire : le pendentif attaché au bras robotisé de la
Station spatiale internationale le 3 août 2005 (Stephen K. Robinson),
la chaîne humaine reliant les pays baltes le 23 août 1989 (la Voie
balte) et le fermoir représentant la poignée de main entre le
président François Mitterand et le chancelier Helmut Kohl pendant
la commémoration des 70 ans de la Grande Guerre. Tous ces talents,
qu’ils soient émergents ou confirmés, cherchent à inclure le bijou
dans le champ de l’art contemporain en rompant avec les conventions du bijou classique. L’échelle du bijou permet de
discerner des enjeux vitaux…»
Une « rupture » par laquelle l’art ne cesse de se régénérer par la
grâce d’engagements singuliers tutoyant l’universel, toujours fugace
et fragile comme l’horizon commun qui s’affaisse. Le bijou comme
pensée et comme pesée de la conscience du monde ?
La capitale des
Emirats Arabes Unis
a fait de la culture un
axe majeur de son
rayonnement
international
Il regarde le monde à
la fois désabusé et surpris de ses
changements. Ces yeux ne sont pas ceux d’un chef d’Etat ou d’un
Sheikh mais ceux du Christ sur cette étude de Rembrandt que vient
d’acquérir le Louvre d’Abu Dhabi. Désabusé devant l’évolution du
monde et surpris qu’ici, dans la capitale des Emirats Arabes Unis,
subsiste, telle une oasis de tolérance dans un océan de fanatismes et
de guerres, une atmosphère de concorde et de respect.
De tolérance, il en d’ailleurs question ici. A quelques kilomètres de
l’une des plus resplendissantes et imposantes mosquées du monde,
la mosquée Sheikh Zayed qui peut contenir jusqu’à 40 000 fidèles se
dresse une cathédrale chrétienne. Un ministre de la tolérance en la
personne du Sheikh Nahyan Mabarak Al Nahyan, ancien chancelier
de l’université des Emirats Arabes Unis, est spécialement attentif à
cette question et a placé 2019 sous l’égide de cette dernière. Enfin le
festival des arts qui se tient chaque année depuis seize ans entre
février et mars dans la capitale et associe différentes esthétiques, en
est l’hymne le plus éclatant. Avec l’inclusion comme maître-mot. «Nous avons besoin d’une génération qui puisse penser autrement,
concevoir d’autres alternatives aux problèmes que nous rencontrons.
Quand elle envisagera la paix, elle élaborera de nouvelles solutions si son
cœur et son esprit sont ouverts» affirme ainsi la fondatrice du festival, H.E. Huda I. Alkhamis-Kanoo.
L’Emirat a choisi la culture comme une arme d’instruction massive.
Ici, elle rayonne. Ici, elle est partout. Tels les princes de la
Renaissance, le fondateur des Emirats Arabes Unis, le Sheikh Zayed
ben Sultan Al Nahyan ainsi que son fils, l’actuel émir Khalifa ben
Zayed Al Nahyan ont compris que la culture était non seulement un
outil diplomatique majeur mais qu’elle permettrait d’installer leur
pays à une place particulière, à part, dans ce monde aux contours si
changeants. Cette culture profiterait non seulement à leur peuple
mais également à tous ceux qui, dans les ténèbres de
l’obscurantisme, cherchent toujours une lumière.
Abu Dhabi c’est un musée à ciel ouvert. La famille régnante a ainsi
convoqué les plus grands architectes de la planète pour marquer de
leurs empreintes de verre et de béton cette terre encore désertique
il y a un demi-siècle : Jean Nouvel y a construit le Louvre Abu Dhabi,
formidable vaisseau posé sur l’eau et s’inspirant de l’architecture
islamique traditionnelle qui sera bientôt suivi par un Guggenheim
signé Frank Gehry et un Zayed National Museum sorti tout droit de
l’esprit de Norman Foster. Et puis il y a le fabuleux pont Zayed qui
épouse les formes des dunes du désert de la non moins géniale et
regrettée Zaha Hadid à qui l’on doit également le Performing Art
and Conference Center. La liste est inépuisable. « C’est magnifique de
voir qu’il y ait encore ici, à notre époque, des gens qui ont l’envie et la
volonté d’investir avec une ouverture d’esprit assumée, le champ de la
culture » assure un artiste occidental présent lors du festival.
Cependant si Abu Dhabi a pleinement pris conscience du rôle qui est
le sien en tant que phare culturel du 21e siècle, elle n’oublie pas son
passé y compris préislamique. Etre fière de son passé permet de
mieux appréhender l’avenir semble nous dire l’émirat autour d’un
café arabe ou d’une discussion avec ces femmes chamelières ou
réalisant l’Al-Sadu, ce tissage traditionnel. Sensibiliser les jeunes
générations à la richesse d’un patrimoine national et à l’écologie
comme dans le paradis de l’oasis Al Aïn, classée au Patrimoine
mondial de l’UNESCO depuis 2011 constituent autant d’éléments
qui inscrivent les habitants de l’émirat dans une volonté d’ouverture
et de partage et de faire d’eux des citoyens du monde à part entière.
De retour dans le Louvre, le visiteur s’arrête devant une vitrine qui
montre le travail de l’or au sein de civilisations qui n’ont jamais
échangé entre elles. Et pourtant, les similitudes sautent aux yeux. Ici,
comme ailleurs, les civilisations se rencontrent et échangent. A
l’image de ce pays, de cette ville, ce musée semble vouloir nous
délivrer cet ardent message : « venez partager avec nous les trésors de l’humanité et contribuer, ensemble, à définir celle qui s’ouvre devant
nous. »
