Quand
on leur demande si ce sont leur vrai prénom, ils assurent que oui. S’ils
s’étaient appelés Jean-Jacques et Henri, pas sure que ce duo de choc de jeunes frères
réalisateurs aurait penché vers le genre de la comédie, voire du burlesque.
Lenny et Harpo Guit, fils de Graham Guit, réalisateur également, étonnent avec
un film foutraque porté par une héroïne antihéros, comédienne alien que l’on
reverra sûrement.
Elle s’appelle Maria Cavailier Bazan,
choisie à l’issue d’un casting et habituée de la scène théâtrale bruxelloise. Elle
est de chaque plan et impulse une dynamique et un rythme qui servent cette
comédie enlevée dans l’esprit de Fils de
plouc, le précédent film des frères Guit: « Notre moteur premier, c’est la comédie, c’est ce qui nous motive au quotidien
dans la fabrication d’un film, qu’est-ce qui nous fait rire ? Pourquoi ça nous
fait rire ? Et essayer de creuser toujours plus pour inventer des nouvelles
histoires qui peuvent accueillir des nouvelles blagues. » Avec cette
comédienne, ils ont trouvé leur Charlie Chaplin, leur vagabonde qui traite son
corps en outil de cinéma sans complexe, comme dans cette séance où elle pose,
dans une école d’art, et qui devrait lui rapporter quelques euros. Ou bien assise
sur les toilettes avec la désagréable surprise d’avoir ses règles. Quelle
surprise ! Il fallait trouver l’originalité du cadrage ! En
plongée ! « Il s’agissait de
faire une blague de règles, féminiser les blagues pipi-caca. » Le
spectateur est pris à rebrousse-poil comme il l’est souvent face à ce film au
ton original qui joue avec les genres et notamment sur la frontière indicible
entre fiction et réalité, avec l’impression de scènes prises sur le vif ou en
caméra cachée dans les rues de Bruxelles. Sans compter les plans qui semblent
pris avec un portable.
De son nom qui est à lui seul un
poème, Armande Pigeon vit de débrouilles, petits larcins et combines. Les
frères Guit parlent de leur personnage comme d’une malandra. « Chico Buarque
un chanteur brésilien qu’on adore parle du concept de malandro : « Le malandro danse et marche, simule et
dissimule, à la frontière du bien et du mal, de la légalité et de l’illégalité.
Bluffeur, provocateur, c’est un dribbleur social. Pour nous Armande est une
malandra. On aime cette idée, que comme une footballeuse, elle dribble les gens
qu’elle rencontre, que ce soit des amis, des ennemis ou des inconnus, pour se
sortir des situations. Pour Armande, chaque moment de la vie est un jeu, que ce
soit en business ou en amour. Elle représente un peu tout ce que nous on n’ose
pas être dans la vraie vie. Avec Armande, on se permet de vivre les aventures
folles qu’on aimerait vivre. »
Ses rencontres sont étonnantes elles
aussi, avec des comédiens professionnels ou non, comme Catherine Ringer,
Delphine dans le film, chez qui Armande squatte un clic-clac et Melvil Poupaud,
joueur fou, littéralement, mais aussi Axel Perin, Michael Zindel et Maxi
Delmelle déjà vus dans les films précédents des frères Guit. Aimer Perdre ne se prend pas au sérieux
même si l’histoire d’une jeune femme qui vit dans la rue et n’a pas de quoi se
payer à manger n’est pas des plus drôles. Charlot pourrait être son compagnon
de route.
Deux
livres reviennent sur le soulèvement du ghetto de Varsovie
Nous sommes en juillet 1942. Voilà près de deux années que les Allemands ont enfermé près de 350 000 juifs de Varsovie dans un ghetto. La mort y est quotidienne et les déportations vers le camp d’extermination de Treblinka s’enchaînent depuis la sinistre Umschlagplatz. Ceux qui survivent dans cet enfer à ciel ouvert tentent de consigner leurs expériences en espérant qu’un jour quelqu’un viendra à découvrir ce qu’il advint. C’est le cas de l’organisation Oneg Shabbat menée par Emanuel Ringelblum qui récolte le moindre témoignage, le moindre objet pouvant témoigner des terribles conditions de vie qui règnent ici. D’autres initiatives personnelles s’écrivent en secret, notamment ces journaux qui racontent l’indicible comme celui d’Hillel Seidman, ancien secrétaire du groupe parlementaire juif à la diète polonaise avant la guerre, journaliste et jeune archiviste de la communauté. Cela deviendra, après guerre, Du fond de l’abîme, récit poignant qui est republié alors qu’ont été célébré, ces dernières années, les 80 ans de la révolte du ghetto puis celle de Varsovie et enfin, il y a quelques semaines, ceux de la libération d’Auschwitz.
Le
récit de Seidman témoigne avec émotion de la vie quotidienne au sein du ghetto,
du danger permanent marqué par les exactions des Allemands mais également ces
moments de grâce, ces lumières tirées de l’abîme comme cette musique
interprétée par ces juifs venus de Vienne et de Berlin. De nombreux annexes
fort pertinentes viennent contextualiser et offrir quelques éclairages sur des
personnages quelques peu oubliés aujourd’hui comme Szmul Zygielbojm qui se
suicida en mai 1943 devant l’indifférence des Alliés face à ce qui passait dans
le ghetto mais également Adam Czerniakow, le président controversé du conseil
juif du ghetto ou le pédagogue Janusz Korczak qui accompagna les enfants de son
institut jusque dans la chambre à gaz de Treblinka.
En
janvier 1943, alors que les Allemands se mettent à déporter massivement les
juifs du ghetto, Hillel Seidman évoque l’idée d’une prochaine révolte. « Aujourd’hui
des bruits circulent à nouveau au sujet d’une action prochaine qui serait
projetée pour le 15 janvier (…) C’est prématuré. Ils ne sont pas encore
prêts » écrit-il le 11 janvier. Arrêté à son tour, Hillel Seidman ne
doit la vie sauve qu’à un passeport paraguayen lui permettant d’être envoyé
dans un camp à Vittel en France où il échappe une nouvelle fois à une
déportation vers Drancy puis Auschwitz. Alors qu’il a déjà quitté le ghetto,
celui-ci se révolte finalement le 19 avril 1943, sous la direction de Mordechai
Anielewicz et Marek Edelman notamment.
Les
meneurs de cette révolte établissent leur quartier général secret au 18 de la
rue Mila (prononcez Biwa) à Varsovie. Grâce à la plume de Léon Uris, romancier
américain mondialement connu pour son Exodus porté à l’écran par
Hollywood, le lecteur suit, jour après jour, cet épisode grandiose et devenu
mythique de la Shoah. Publié en 1961, le roman glorifie ainsi la révolte de ces
quelques 300 hommes et femmes luttant contre le Troisième Reich et bien décidés
de tomber les armes à la main. Construit en quatre parties historiques et
raconté du point de vue d’un journaliste italo-américain, Christopher de Monti,
qui a couvert la guerre d’Espagne et a survécu à la liquidation du ghetto, le
lecteur pénètre un petit groupe d’insurgés, de la mise en place du ghetto
jusqu’à sa destruction.
Si les divers protagonistes du livre sont fictifs, ils rappellent cependant ces hommes que décrivaient si bien Hillel Seidman. Ainsi comment ne pas voir en Paul Bronski, Adam Czerniakow ou dans l’historien Alexandre Brandel, Emanuel Ringelblum ? Cela ne nuit nullement au récit et le roman parvient, grâce à son rythme, à emporter son lecteur dans les rues d’une Varsovie prête à plonger dans les ténèbres. Et en soulignant par quelques touches subtiles, l’inimitié de certains Polonais à l’égard des juifs, Léon Uris ne fait qu’entrebâiller une porte littéraire que des historiens mettront plusieurs décennies à ouvrir. Son livre ainsi que celui d’Hillel Seidman demeurent ainsi de précieux témoignages de la terrible tragédie qui s’abattit sur le ghetto de Varsovie.
Par Laurent Pfaad
Hillel Seidman, Du fond de l’abîme, Journal du ghetto de Varsovie, traduit de l’hébreu et du yiddish par Nathan Weinstock avec la collaboration de Micheline Weisntock, postface de Georges Bensoussan coll. Le Goût de l’Histoire, Les Belles Lettres, 718 p.
Léon Uris, Mila 18, traduit de l’américain par Jean Nioux coll. Domaine étranger, Les Belles Lettres, 672 p.
Il y a dix ans se tenait la première édition du festival Italissimo célébrant à Paris, la littérature et la culture italiennes.
Dix ans plus tard, plus de trois cents invités italiens et français et deux-cent-soixante rencontres, lectures, spectacles et projections dans vingt lieux différents ont célébré une décennie de dialogue faite de rencontres, de découvertes et surtout d’amour qui a valu au festival le prix de l’initiative européenne en 2024.
Pour célébrer cet anniversaire, cette dixième édition conviera les grands noms de la littérature transalpine : Silvia Avallone, Dacia Maraini, Emanuele Trevi, Erri De Luca, Gianrico Carofiglio, Donatella Di Pietrantonio, Viola Ardone, Paolo Cognetti, Milena Agus, Carlo Lucarelli, ainsi que plusieurs nouvelles plumes comme Francesca Giannone, Giancinta Cavagna di Gualdana, Monica Acito, Matteo Bianchi ou Greta Olivo. Des auteurs français, Laurent Gaudé, Daniel Pennac, Sylvain Prudhomme, viendront transmettre au public leur amour de la littérature italienne.
Cette
édition sera également l’occasion de rendre hommage à Umberto Eco, disparu
en 2016, à la Bibliothèque Nationale de France et au maître du roman
policier italien, le génial inventeur du commissaire Montalbano, Andrea
Camilleri, dont on fêtera le centenaire de la naissance.
Et comme toujours, une programmation cinéma, une exposition à la galerie Tornabuoni Art, des rencontres scolaires, des ateliers d’écriture et de traduction, des apéritifs littéraires et une rencontre professionnelle sur l’édition et la traduction entre France et Italie à l’Institut Culturel italien viendra couronner cet anniversaire qui s’annonce une nouvelle fois riche en émotions.
Par Laurent Pfaadt
ITALISSIMO, Festival de Littérature et de Culture italiennes, 10e édition 1-6 avril 2025.
Le 23 mai 1992, 600 kilos d’explosifs pulvérisaient la voiture du juge antiterroriste Giovanni Falcone, non loin de l’aéroport de Palerme. Cet assassinat allait marquer durablement une mémoire non seulement italienne mais également européenne, faisant du juge, le martyr de la pieuvre.
Vingt-trois
ans plus tard, voilà qu’un autre juge, littéraire celui-là, Roberto Saviano,
auteur du mondialement célèbre Gomorra, dresse à Falcone, un mausolée de
papier remarquable. Retraçant les dix dernières années du juge, depuis
l’assassinat du préfet de Palerme, le général dalla Chiesa jusqu’à la mort de
Falcone l’auteur nous fait entrer dans les arcanes du pool anti-mafia qui lutta
sans relâche contre les sbires du parrain de la mafia, Toto Rina qui fut arrêté
quelques mois après l’assassinat de Falcone.
Dans
ce récit absolument palpitant, le lecteur suit Falcone dans sa lutte contre les
banques liées à la mafia ou face aux repentis mais également dans sa vie
quotidienne auprès notamment de sa femme, elle-même juge, qui fut également
tuée le 23 mai 1992. Mais le grand talent de Saviano qui n’hésite pas, pour les
besoins du récit, à combler les interstices biographiques de son génie
littéraire, est de traverser le miroir et de faire pénétrer son lecteur dans
les rangs de la mafia comme il a si bien su le faire dans ses ouvrages qui
l’ont rendu célèbres. Un miroir qui culmine avec le maxi-procès de Palerme
contre plusieurs centaines d’accusés entre février 1986 et décembre 1987.
Dans cette Italie où le Vatican entretint des relations incestueuses avec la pieuvre, Giovanni Falcone a, qu’on le veuille ou non, un côté christique avec sa dimension sacrificielle pour le bien de l’humanité. Devenu le Joseph d’Arimathie du juge, Roberto Saviano signe là son plus beau livre, réussissant parfaitement l’alchimie entre l’enquête et la littérature afin de permettre, à ce livre en forme de croix, de permettre à son sujet d’accéder à l’immortalité.
Par Laurent Pfaadt
Roberto Saviano, Giovanni Falcone, traduit de l’italien par Laura Brignon Chez Gallimard, « Du monde entier », 608 p.
Deux magnifiques coffrets célèbrent Pierre Boulez en tant
que compositeur et chef d’orchestre
J’ai
eu la chance de pouvoir assister à un concert dirigé par Pierre Boulez. De voir
l’histoire de la musique en train de s’écrire. De voir ces mains qui
dirigeaient sans baguette, s’élevant dans l’air lorsqu’elles n’écrivaient pas
sur une partition des œuvres qui ont, dès son vivant, rejointes le répertoire
aux côtés de Mozart, de Beethoven, de Mahler et d’autres. C’était en 2005, il y
a près de vingt ans, au Festspielhaus de Baden-Baden. Je me souviens, à
l’instar de ma rencontre avec Pierre Soulages, avoir eu la tentation de monter
dans sa loge pour le saluer mais le poids écrasant de Boulez dans la culture
non seulement française mais également internationale – tout comme Soulages –
écrasa toute velléité du jeune journaliste que j’étais alors.
Le
Festspielhaus de Baden-Baden, cette ville où il résidait, entre France et
Allemagne, et où il dirigea les plus grands orchestres notamment le Wiener
Philharmoniker avec qui il interpréta ce soir-là la septième symphonie de
Bruckner et la Nuit transfigurée d’un Arnold Schönberg qu’il vénérait
plus que tout, est désormais devenu son tombeau pour l’éternité. Certes les
deux formidables coffrets regroupant ses enregistrements en tant que chef
d’orchestre et compositeur chez Deutsche Grammophon et Decca sortis ces
jours-ci à l’occasion du centenaire de sa naissance ne contiennent pas ces deux
œuvres mais la huitième de Bruckner et Pelleas et Melisande de ce même
Schönberg. Deux coffrets qui résument malgré tout à merveille l’œuvre d’un
musicien entré de son vivant dans la légende de son art.
Immense
chef d’orchestre dirigeant « au tranchant de la main » et, à l’instar
d’un Bernard Haitink, véritable métronome qui influença toute une génération de
chefs à commencer par Sir Simon Rattle, Pierre Boulez laisse apparaître dans ce
coffret ses compositeurs de prédilection : Maurice Ravel bien entendu avec
qui il partagea cette philosophie de musique absolue qu’il transcenda notamment
avec Pierre-Laurent Aimard, l’un de ses pianistes fétiches dans cet
enregistrement DG avec l’orchestre de Cleveland, cet orchestre qui, avec celui
de Chicago, fut l’un de ses plus fidèles compagnons de route. Bela Bartók
ensuite bien évidemment qui ouvre ce coffret et que Boulez considérait comme
l’un des cinq plus grands compositeurs du 20e siècle. Il est là avec
son Concerto pour orchestre ou un très beau Mandarin merveilleux.
Comme de nombreux chefs d’orchestre qui furent également compositeur –
notamment Bernstein – Pierre Boulez transcenda le répertoire wagnérien – son Ring
du centenaire mis en scène par Patrice Chéreau est présent en CD et en Blu-Ray
après sa captation en 1980 pour notre plus grand plaisir, complété d’un
incroyable Parsifal – et mahlérien avec une intégrale des symphonies qui
rendent, avec leur dimension solaire, parfaitement justice au compositeur
viennois, rapprochant son interprétation d’un Celibidache. Avec les plus grands
solistes qui furent de véritables fidèles comme Mitsuko Uchida, impériale dans
le très beau Concerto pour piano orchestre de Schönberg et Christian
Tetzlaff, le coffret prend des airs de Champs-Élysées où les héros de la
musique du siècle passé viennent ainsi se recueillir devant le temple de cet
autre Apollon musagète d’un Stravinsky qu’il rencontra pour la première fois en
1952 puis régulièrement pendant quinze ans et dont il interpréta la musique
dans un formidable coffret DG restitué en partie ici, en particulier cet Oiseau
de feu de 1992 qu’affectionnait particulièrement Boulez. Bien évidemment,
le coffret n’oublie pas cette création contemporaine qu’il favorisa à la fois
comme chef et comme compositeur et les merveilleuses interprétations des œuvres
d’Harrison Birtwistle sont là pour le rappeler. Les passionnés découvriront
également quelques petites pépites comme ces Sept Haïkaï d’Olivier
Messiaen en compagnie de la pianiste Joela Jones et le Cleveland Orchestra ou
ses interviews sur Debussy, Mahler et Webern.
En
tant que compositeur, Pierre Boulez révolutionna la musique, c’est peu dire.
Fondateur de l’ensemble intercontemporain de Paris, il laisse quelques œuvres
jouées dès son vivant par les plus grands orchestres et qui appartiennent
aujourd’hui au répertoire : Repons, Le Marteau sans maître
qu’aimait particulièrement Igor Stravinsky et bien évidemment ses fameuses Notations
ou moins connu son Dialogue de l’ombre double. Une histoire musicale
ainsi racontée merveilleusement par ces deux coffrets renfermant des disques
devenus depuis longtemps des classiques et dont les pochettes nous sont si
familières.
Une cathédrale sonore avec sa nef et sa petite chapelle renfermant bien plus que de la musique.
Par Laurent Pfaadt
Boulez, The Conductor – Complete Recordings on Deutsche Grammophon and Decca, coffret 84 CD et 4 Blu-Ray vidéo
Boulez, The Composer, coffret 13 CD (tirage Limité), Deutsche Grammophon
Depuis l’invasion russe en février 2022, Andrei Kourkov est devenu la grande voix littéraire de la résistance ukrainienne. Récompensé par de nombreux prix dont le Médicis étranger pour les Abeilles grises en 2022, l’écrivain s’est exilé en Allemagne où d’interviews en festivals – nous l’avions rencontré au festival America de Vincennes pour un dialogue avec l’Irlandais du Nord Michael Magee sur ces guerres qui corrodent le cœur des hommes – il ne cesse de dénoncer l’occupation russe sous toutes ses formes et d’affirmer la singularité de l’identité ukrainienne.
Après son Journal d’une invasion (Noir
sur Blanc, 2023), Kourkov poursuit dans cette suite, l’exploration de cette
guerre racontée de l’intérieur et qui affecte tout un peuple. Passé le choc et
la sidération, la guerre s’est installée dans les foyers, sur le front. A la
fois drôle et tragique, Notre guerre quotidienne, couvrant une période
allant d’août 2022 à février 2024 et récompensée par le prix Transfuge du livre
européen en 2024 nous emmène dans cette guerre vécue au quotidien, à Kiev,
Izioum ou Kherson qui glorifie ces actes singuliers de résistance, parfois
minimes mais ô combien symboliques. Une guerre qui comme le rappelle Andrei
Kourkov, a fait prendre conscience à ses compatriotes qu’il existait bel et
bien une mémoire collective et que celle-ci avait été piétinée, sciemment
falsifiée par une Russie qui a fait d’ailleurs de même avec sa propre mémoire.
Notre guerre quotidienne laisse pourtant un goût amer dans la bouche du lecteur au regard des derniers développements du conflit notamment depuis l’élection de Donald Trump et l’humiliation du président Zelensky dans le bureau ovale. « Pour de nombreux Américains, la guerre en Ukraine est presque devenue « leur » guerre » écrit ainsi Kourkov le 15 janvier 2023. Des mots qui paraissent aujourd’hui bien lointains.
Par Laurent Pfaadt
Andrei Kourkov, Notre guerre quotidienne, traduit de l’anglais par Johann Bihr et Odile Demange Aux éditions Noir sur Blanc, 256 p.
A peine plus d’un mois après nous avoir proposé une intéressante relecture du film de fantômes (Presence, présenté en avant-première hors compétition du 32ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer), Steven Soderbergh nous revient avec, là encore, une relecture originale du film d’espions.
Et comme on pouvait l’imaginer, son adaptation n’a rien à voir avec le côté spectaculaire et glamour de l’univers de Ian Fleming avec son célèbre agent 007. Pas d’explosions, de courses pousuites en tout genre, et encore moins de gadgets tous plus sophistiqués les uns que les autres. Le héros du film ne s’appelle pas James Bond (même si un célèbre 007 est présent à l’écran en la personne de Pierce Brosnan) mais George Woodhouse, et il ne collectionne pas les conquêtes amoureuses au gré de ses nombreux déplacements. Il forme au contraire un couple soudé, aimant, avec son élégante épouse Kathryn, elle aussi officier du renseignement britannique. De par leur profession, George et Kathryn ne peuvent parler de leurs missions entre-eux, le secret étant la base de leur existence. Aussi quand le supérieur de George lui demande de démasquer un traitre parmi cinq de ses collègues (sa femme en fait partie), il se met à douter de sa loyauté. Sera-t-il prêt à la démasquer, jusqu’où ira son amour en cas de trahison. Vers qui justement sa loyauté s’orientera-t-elle ?
Dans la peau de George, le comédien Michael Fassbender (vu dans Hunger, Inglorious Basterds, quatre épisodes de la saga X-Men où il interprète Magnéto, deux de la saga Alien, où il est l’androide David, ou encore le Steve Jobs de Danny Boyle…) est parfait. Clinique, froid et calculateur, il donne vie à un être insondable, en apparence dénué de tout sentiment. Dévoué à sa patrie et à son travail, sa vie est une contradiction de chaque instant : il évolue dans un monde de mensonge, alors qu’il abhorre le mensonge. Aussi quand on lui apprend que sa chère et tendre fait partie des cinq agents suspectés de trahison ses certitudes vacillent. Il mettra tout en œuvre pour éclaircir le complot, quitte à trahir ou sa patrie ou son épouse…
Face à lui, la toujours parfaite Cate Blanchett (la glaciale Galadriel du Seigneur des Anneaux, Monuments Men, Ocean’s 8, Babel, Elizabeth : l’Âge d’or) incarne une compagne dévouée, manipulatrice, prête à tout pour sauver son couple, dont on ne sait si elle est la taupe. Parmi les cinq suspects elle est la première qui vient à l’esprit, c’est donc sur elle que George va d’abord se concentrer. Mais au fur et à mesure les choses changeront, d’autres pistes se dévoileront, qui pointeront vers d’autres suspects (pour nous ballader ?).
L’ouverture du film donne le ton. A la nuit tombée, George pénètre dans une boite londonienne. Il y rencontre un contact (son supérieur), qui l’informe de l’existence d’une taupe dans le service, associée au vol d’un mystérieux logiciel. Le patron ironise sur son domaine de compétence, lui-même n’étant pas parvenu à dissimuler ses infidélités à sa compagne, alors que le mensonge est son fonds de commerce… George va bien tenter de lui donner quelques conseils, il n’aura pas l’occasion de les appliquer.
George convie alors les quatre agents à un dîner chez lui, afin de les tester aux côtés de sa femme. Kathryn fait partie des suspects mais ne le sait pas. Au cours du repas des tensions apparaissent, des secrets sont dévoilés, mais rien qui n’indique un coupable en particulier.
Steven Soderbergh est méticuleux. Il prend d’abord un soin particulier à dresser le décors, habille les scènes d’une musique feutrée, jazzy, avant de présenter ses protagonistes. Ceux-ci s’affrontent au gré de dialogues courts mais toujours évasifs, chacun prenant soin de ne jamais dévoiler ses réelles intentions. Dans le rôle principal, le comédien irlando-allemand Michael Fassbender excelle. Très discret, peu expressif, il renvoie l’image d’un patriote opiniâtre, qui ne s’arrêtera que lorsqu’il aura démasqué la taupe. Son apparence, costumes sans relief, lunettes à grosse monture et regard vide renforce l’impression d’un fonctionnaire sans imagination à la loyauté indéfectible. Placé au coeur d’un complot dont les pions sont mouvants, il doit laisser ses sentiments de côté, et envisager la trahison de son épouse. Dans le rôle de Kathryn, Cate Blanchett incarne un autre agent expérimenté, un peu plus plus expressive que son époux. Rapidement alertée de la chasse à la taupe, elle va jouer sa partition avec maîtrise, multipliant les signaux contradictoires menant l’investigation sur des fausses pistes.
Avec The Insider, Steven Soderbergh invite le spectateur à un jeu du chat et de la souris qui ne s’embarasse pas de fioritures et va à l’essentiel. Film d’espionnage à l’ancienne, les confrontations y sont essentiellement orales, la tension naît de phrases interrompues, de regards hésitants et de rendez-vous clandestins. En à peine plus d’une heure trente le réalisateur nous invite à partager le quotidien d’un couple dont on ne découvre le réel lien qu’à la toute fin. Les dernières secondes affichent plus de légèreté : elles nous montrent George esquisser un sourire, alors qu’il avait traversé le film tel un robot, ne manifestant aucune expression quelle que soit la situation. Une excellente manière de conclure…
Dans le cadre de son Temps fort intitulé « Corps politique » Le Maillon a présenté avec Pôle-Sud, CDCN la dernière création de la chorégraphe chinoise Wen Hui de la compagnie Living Dance Studio, sise à Beijing. En compagnie de quatre danseuses, elle montre dans différents tableaux la condition féminine.
Pendant que le public s’installe se tient déjà sur le plateau le personnage d’une femme, tenant serré contre elle un gros baluchon, elle sera bientôt rejointe par deux autres femmes, elles-mêmes porteuses d’un gros sac .Toutes d’âges différents( Alessandra Corti, Patcharaporn Kuger-Distakul, Parvin Saljugi, elles sont rattrapées par la plus ancienne, Wen Hui, elle-même et c’est parti pour une rencontre au cours de laquelle, elles sortent, tissu et couettes de leur ballot pour s’installer dessus et se faire des confidences sur leur vie, des propos qui sont traduits et projetés en surtitrage car les comédiennes d’origine diverses s’expriment dans leur langue (chinois, indien, anglais). C’est qu’il y a à dire et montrer sur le sort qui leur est réservé en tant que femme, en commençant par ce problème crucial qui est celui de la maternité, la subir, la désirer ou la refuser et donc de l’accouchement comme viendra le rappeler Wen Hui dans une courte allocution directement adressée au public, et qui fait allusion entre autres à la politique de natalité en Chine qui a changé du tout au tout, passant de la norme de l’enfant unique dans les années 79 à celle plus récente de faire trois enfants, il ne perd pas, hélas, de son actualité ce nouveau spectacle est tout aussi nécessaire et pertinent que l’ancien.
En traduisant par des manipulations de tissus, tantôt déployés, tantôt ramassés en grosses boules, on perçoit l’alternance entre ces moments de vie exposées au fardeau de l’enfant qu’il faut porter dans son ventre puis au problème de l’accouchement, sans oublier les nombreuses tâches que toute femme se doit d’accomplir comme s’occuper du linge, le laver, l’étendre, le plier, le ranger, nourrir la famille, et l’alternance avec ces moments de grâce, de répit où l’on peut goûter à la liberté, tissus déployés qu’on fait voltiger et corps en bondissements, extensions, courses et cavalcades, danse pour exprimer le désir de liberté, la nécessité de la revendiquer et de la vivre de temps à autre pour survivre. Comme l’illustre cette bataille de polochons qui jaillit soudain entre elles.
Moments de paroles, moments de danse se succèdent ou s’interpénètrent. La même complicité, la même énergie parcourent ces prestations autant esthétiques que politiques, témoignant d’un engagement souligné par les images vidéo de manifestations de femmes, trop souvent réprimées (vidéo Rémi Crépeau).
Un spectacle intelligent et sensible qui alerte sur la
condition des femmes encore bien malmenées dans le monde malgré toutes les
prises de position en leur faveur qui ne cessent de se multiplier.
Tout est pensé, tenu, sensible dans le one-woman-show de Camille Cottin qui interprète l’adaptation de ce roman très spécial « Jewish Cock » de Katharina Volckmer traduit de l’anglais par Pierre Demarty et mis en scène par Jonathan Capdevielle.
Avec une audace et un humour pleins d’aisance, la comédienne
se met dans la peau de cette jeune femme qui habite Londres et se trouve dans
le cabinet du gynécologue, le docteur Seligman pour se faire placer un pénis
circoncis car depuis son enfance elle est préoccupée par son problème de genre.
Mais il n’y a pas que cela qui la hante, ce sont, entre autres, ses origines allemandes.
Profitant en quelque sorte de cette position allongée durant
l’intervention et du fait que le médecin penché sur son ventre ne voit pas plus
son visage qu’elle ne voit le sien, elle se livre à des confidences concernant
ses fantasmes où elle s’imagine intime avec Hitler, un comble pour elle qui est
obsédée par la shoah. C’est drôle et frôle le standup quand elle évoque avec
naïveté et sincérité ces « hallucinations » contraires à ce qu’elle
pense vraiment. Une révélation en entraînant une autre, ce flot de pensées
l’amène à évoquer cette enfance durant laquelle la féminité telle que sa mère
la représentait la dégoûtait, et là elle ose évoquer la cicatrice de la
césarienne sur son ventre, vestige de ce qui a présidé à sa naissance, comme
ses recommandations sur la manière de s’asseoir quand on est une fille,
c’est-à-dire sans écarter les jambes car c’est indécent et provocateur.
Si le propos a de quoi nous surprendre car il aborde encore bien des sujets, son allusion à la peur du vibromasseur électrique, qu’elle pourrait commander auprès d’un fabricant japonais de sex-toys, son histoire d’amour avec K rencontré dans les toilettes publiques réservées aux hommes, histoire qui lui fait prendre conscience que, décidément, elle ne liera jamais sa vie à celle d’un homme, elle se défaussera quant au suicide de celui-ci après leur rupture, son obligation de consulter un psy car elle a planté une agrafe dans l’oreille d’un collègue et a été du coup mise à pied, sa relation avec Jason le psy en question, ce qui lui permet de rapporter au docteur Seligman, les histoires salaces qu’elle déblatère pour faire de sa thérapie, un ramassis de mensonges outranciers et par là -même de critiquer la méthode, enfin ,le récit concernant son arrière-grand-père , chef de gare dans la petite gare de Silésie qui voyait passer les trains se rendant à la gare suivante, celle d’Auschwitz… si toutes ces considérations bâtissent le portrait d’un être original, c’est la mise en scène et le jeu de la comédienne qui rendent ses dires audibles et construisent ce personnage exceptionnel .
C’est dans l’obscurité qu’on percevra ses premiers mots avant que, dans la lumière on voit apparaître ses deux jambes écartées gainées de rouge, le reste du corps étant dissimulé par l’immense rideau bleu violet qui tombe des cintres. Très vite on la voit surgir portant combinaison de latex rouge et short militaire. La guerrière est en place pour ce show d’une heure et demie au cours duquel elle ne cesse d’aller et venir, se dissimulant derrière les tentures, se roulant sur l’amas de tissus qui occupe le centre du plateau, et qui bouge et se soulève comme un ventre qui respire. (Scénographie Nadia Lauro ). En perpétuel mouvement, elle balance son texte prenant le médecin à témoin de ses dires, l’interpellant pour qu’il l’approuve, c’est Jonathan Capdevielle, le metteur en scène qui parfois lui répond laconiquement depuis la régie. L’évocation des péripéties de sa vie la conduit à changer de posture, de tenues, elle peut apparaître en petite robe de jeune fille ou en petit Jésus automate, (costumes Colombe Lauriot Prevost) esquisser une marche au pas de l’oie ou danser éperdument en faisant de grands moulinets avec son bâton de danse. (Chorégraphie Marcella Santander)
Un travail physique très suggestif et souvent plein d’humour
pour ces paroles dites sans retenue, cette marche pour se libérer du passé et
construire sa véritable identité quoiqu’il en coûte.
En
à peine plus d’une semaine, les concerts de l’OPS ont affiché
deux beaux programmes, associant grandes œuvres du répertoire et
solistes de renom : le pianiste Alexandre Kantorow et la
violoniste Simone Lamsma. Invitée pour la première fois à
Strasbourg, Oksana Lyniv dirigeait l’un des deux concerts.
A
moins de trente ans, Alexandre Kantorow est un jeune pianiste bardé
de premiers prix de concours, de diapasons d’or et d’autres
récompenses discographiques, notamment pour ses poignantes
interprétations de l’oeuvre pianistique du jeune Brahms. Jouant
dans les grandes salles du monde entier, tant comme soliste que comme
concertiste, il a aussi fondé le festival des Rencontres musicales
de Nîmes avec le violoncelliste Aurélien Pascal et la violoniste
Liya Petrova, particulièrement appréciée lors de son récent
passage à Strasbourg. On était donc très curieux d’entendre
Kantorow dans un répertoire différant quelque peu de celui dans
lequel il s’est, jusqu’à maintenant, fait connaître.
Datant
de 1806, le quatrième concerto pour piano et orchestre de Beethoven
fait partie, avec la quatrième symphonie, de ses œuvres les plus
solaires et les plus enjouées, avec un premier mouvement d’une
très grande fluidité mélodique. Dès l’entrée du thème
principal au piano, on est quelque peu surpris de l’ambiance
statique et sombre que notre soliste suscite d’emblée, quand on y
entend habituellement celle d’un éveil lumineux. L’orchestre lui
répond immédiatement sur un rythme un peu martial, avec des timbres
à la verdeur accentuée par un recul assez audible du registre
grave. Histoire de se rassurer, on se dit que le retour du piano va
corriger cette impression première, mais il n’en sera rien.
Contre toute attente, l’ensemble de ce premier allegro,
jusque dans la cadence du soliste, demeurera dans une atmosphère
d’introversion intimiste et pour le moins rigide. L’étonnant
second mouvement, où piano et orchestre évoluent chacun de leur
côté avant de finir par se rejoindre, sera joué sans mystère ni
engagement, avec des coups d’archets peu expressifs et un jeu
pianistique assez indifférent. Quant à l’exubérance du rondo
final, elle a surtout fait entendre des accents guerriers quelque peu
agressifs.
Deux
bis, l’un consacré à Brahms, l’autre à Stravinski nous ont
fait retrouver le Kantorow que l’on aime. Dans le magnifique
intermezzo de l’opus 117, on admire la beauté du toucher et
le naturel de l’inspiration. Avec le mélange de poésie et de
virtuosité déployées dans le finale de l’Oiseau de feu (dans sa
réduction au piano), il semble insurpassable. Kantorow au meilleur
de lui-même !
En
deuxième partie de ce concert ayant débuté par Shadows of
Stillness, une courte pièce, picturale et assez joliment
colorée, de la jeune compositrice slovène Nina Senk, figurait la
quatrième symphonie de Johannes Brahms, son avant-dernière grande
oeuvre pour orchestre créée en 1885, avant le double concerto pour
violon et violoncelle deux ans plus tard, les dernières années
n’étant plus consacrées qu’à la musique de chambre et à
quelques pièces vocales. Là encore, on était curieux d’entendre
Aziz Shokhakimov dans un répertoire où, à l’exception d’un
Requiem allemand la saison dernière, on ne l’a guère
entendu depuis sa prise de fonction à Strasbourg. Bien mieux que
lors du requiem, on eût une interprétation assez originale et une
bien belle exécution orchestrale (supérieure, semble-il, ce soir du
27 février à celle du concert de la veille). Certes, les mélomanes
accoutumés aux voluptés sonores de l’orchestre philharmonique de
Berlin, que ce soit avec Karajan, Abbado ou Rattle auront pu être
surpris de cette approche fondée sur des attaques assez vives, des
notes assez courtes, des phrasés anguleux et une certaine verdeur de
timbres. L’aspect élégiaque et automnale de cette symphonie
recule quelque peu au profit d’une dimension plus conflictuelle et
tourmentée, particulièrement audible dans le mouvement lent et la
passacaille finale. Cette grande œuvre tolère, à vrai dire, bon
nombre d’approche et d’autres grands chefs, comme Carlos Kleiber
ou David Zinmann, ont eux aussi déployé dans Brahms cette
esthétique sonore que l’on peut appeler toscaninienne. On est par
ailleurs reconnaissant à Shokhakimov d’avoir opté pour le grand
orchestre car, à la différence de Beethoven, Schubert, Schumann ou
Mendelssohn, tous les essais ‘’historiquement informés’’
d’effectifs orchestraux resserrés ne se sont pas montrés très
concluants dans la musique de Brahms.
Il a bien fallu quelques minutes, environ le temps de l’exposition, pour que le jeu un peu ‘’brut de décoffrage’’ de l’orchestre cède la place à une cohérente énergie, formant un solide rempart contre le penchant mélancolique de l’oeuvre. Après le second mouvement andante, plus tourmenté que contemplatif, l’allegro giocoso emporte tout sur son passage, enchaînant sur une prodigieuse passacaille, mise en valeur par tous les vents solistes et soulevée par un orchestre chauffé à blanc, d’une cohésion hors du commun. Cette manière tempétueuse sied particulièrement à cette extraordinaire succession de trente cinq variations où Brahms, dans la lignée de Bach et de Beethoven, confirme ses qualités de grand maître du genre.
S’il
est donc des œuvres, comme cette quatrième de Brahms, qui acceptent
parfaitement une grande pluralité d’approches, il s’en trouve en
revanche dont le sens demeure plus univoque et doit être fixé par
l’interprétation. C’est le cas de cette seconde symphonie de
Schumann qui figurait en seconde partie de concert le soir du
vendredi 7 mars, sous la conduite d’Oksana Lyniv. A rebours des
quelques grands interprètes de cette symphonie que sont Georges
Szell, Léonard Bernstein, Herbert von Karajan, Wolfgang Sawallisch,
Nikolaus Harnoncourt, Yannick Nézzet-Seguin, il s’en trouve
beaucoup d’autres n’ayant apparemment pas saisi son irréductible
fébrilité intérieure, sa combativité, sa puissante atmosphère
maniaco-dépressive. La jouer dans l’optique d’un juste milieu
aimable et nourri de bonnes dispositions lui enlève à peu près
tout ce qu’elle a d’essentiel. Artisan d’une belle intégrale
Schumann sur instruments d’époque, un chef comme John Eliott
Gardiner ne nous propose pas moins une seconde symphonie, certes
d’une grande beauté sonore mais dépourvue de tout engagement
vital. C’est une approche similaire qui se faisait entendre sous
la baguette, au demeurant méticuleuse et attentionnée, d’Oksana
Lyniv.
Dans
ce violent combat entre mélancolie plombante et effort vital pour la
surmonter qui traverse tout le premier mouvement, jamais la
mayonnaise ne prend du fait d’une douceur générale, celle des
attaques, des accents, des forte. Les quelques beaux cantabile
qui, ci ou là, se font entendre sont, dans pareil contexte, tout à
fait anecdotiques. Le très regretté Giuseppe Sinopoli,
médecin-psychiatre en même temps que compositeur et chef
d’orchestre, savait quant à lui faire entendre le coeur battant de
cette musique ! En dépit d’un tempo soutenu, le scherzo,
moment maniaque s’il en est, se contente de phrasés confortables,
proches d’un menuet et prévient tout espèce d’incendie dans la
coda. Faire du splendide mouvement lent le motif d’une
simple déploration revient à colmater les abîmes de cette
musique ! Quand au dernier mouvement allegro vivace, joué
avec rondeur, souplesse et une puissance des plus retenues, il ne
restitue pas le caractère artificiel de cette joie excessive,
retrouvée mais fragile, suscitée par aucun mobile extérieur,
n’étant que le retour inopiné d’une santé intérieure
momentanément recouvrée.
Concert du 7 mars avec la cheffe Oksana Lyniv et la violoniste Simone Lamsma Photo Grégory Massat
Ce concert, donné en unique soirée, avait commencé par une fort belle exécution du Prélude de l’acte 1 de Parsifal, témoignant des talents wagnériens d’Oksana Lyniv, première femme invitée à diriger à Bayreuth. Le quatuor à cordes de l’orchestre et la trompette solo de Jean-Christophe Mentzer campent un début splendide, d’une atmosphère très prenante, qui se maintient jusqu’à la dernière mesure. Le mitan de cette ouverture donne, encore une fois, l’occasion de se réjouir de la très haute qualité des pupitres de cuivre dont nous disposons à Strasbourg. Venue il y deux ans pour le premier concerto de Shostakovitch, la violoniste Simone Lamsma, encore jeune mais reconnue sur la scène internationale, est ce soir-là soliste d’une autre grande œuvre du 20e siècle, le concerto du finlandais Jean Sibelius, composé en 1903-1904 et dont la version définitive date de 1905. Avec les moyens violonistiques qui sont les siens, notre soliste invitée soulève l’enthousiasme d’une salle qui, du coup, l’applaudit entre chaque mouvement. Reste toutefois à savoir si un jeu aussi démonstratif et extraverti exprime vraiment l’austérité sombre et minérale de ce concerto. Conduit par Oksana Lyniv, l’orchestre ne se contente pas d’accompagner et joue sa partition dans un esprit bien plus proche de l’oeuvre.
