Les 4 et 5 avril derniers, dans une salle Érasme archi-comble, l’OPS proposait un programme fort attractif, associant Ravel et Tchaïkovski. Placé sous la conduite de son directeur Aziz Shokhakimov, l’orchestre accueillait le jeune et talentueux violoniste franco-serbe, Nemanja Radulovic, qui commençait ainsi sa résidence à Strasbourg.

Né en 1985, titulaire de très nombreuses distinctions, enregistrant pour Warner et Deutsche Gramophone, se produisant sur scène dans une apparence gothique et avec une présence très physique, Nemanja Radulovic nous aura fait entendre un concerto pour violon de Tchaïkovski, sortant vraiment des sentiers battus. Avec une technique hors pair et une sonorité magnifique, il en proposa une interprétation très engagée et intensément vivante, prenant parfois le risque de fragmenter le discours avec des ralentis extrêmes et des accélérations impressionnantes, assortis de legato d’une grande beauté, mais aussi de staccato de la plus grande virtuosité. En dépit de tous ces micro-évènements mis ainsi en avant, le résultat s’avère des plus convaincants et la grande ligne de l’oeuvre parfaitement cohérente, dans une ambiance prenante et enthousiasmante, mettant la salle en joie. Il faut dire aussi que Shokhakimov et l’orchestre, de toute évidence séduits par l’imagination et la liberté du violoniste, lui ont offert un écrin orchestral en parfaite harmonie. Radulovic a enregistré, il y a déjà sept ans, une belle version de ce concerto ; mais sa prestation strasbourgeoise nous a paru encore plus inspirée. On peut aussi écouter sa remarquable version du concerto pour violon de Beethoven qu’il dirige lui-même depuis son violon. Nombre de grands violonistes actuels se complaisent dans une esthétique souvent froide et marboréenne, parfois capricieuse et arbitraire. On est d’autant plus saisi par un tel jeu, libre et vivant, néanmoins très cohérent. Le dimanche 21 avril, Radulovic, avec le concours de Charlotte Juillard et d’un petit groupe de musiciens de l’OPS donnera, à la Cité de la Musique, un concert entièrement consacré à J.S.Bach.

Depuis les trois ans qu’il est en poste à Strasbourg, les quelques incursions d’Aziz Shokhakimov dans le répertoire français ne m’ont guère paru convaincantes. Que ce soit dans Bizet ou dans Debussy, la texture sonore s’avère souvent massive, assortie d’une respiration manquant de naturel. Aussi étions-nous curieux de l’entendre dans Ravel et heureux de constater que ce compositeur lui sied bien davantage. Ainsi nous eûmes, en début de concert, un Alborada del gracioso parfaitement ciselé et riche en timbres. Composée entre 1909 et 1911 à la demande de Serge Diaghilev, la symphonie chorégraphique pour choeur et orchestre Daphnis et Chloé, longue d’environ une heure, concluait la soirée. Inspiré du roman grec de Longus (3è s.) mettant en scène la rivalité de deux jeunes bergers pour la belle Chloé et les diverses aventures qui en résultent, ce chef d’oeuvre de Ravel livre sans doute sa plus belle orchestration. De sa discographie, évidemment abondante, se dégagent tout particulièrement la vision impressionniste de Pierre Monteux, celles très poétiques d’André Cluytens et Claudio Abbado, celle particulièrement animée de Charles Münch, enfin, aux allures plus expressionnistes, les deux remarquables versions laissées par Pierre Boulez. L’excellente prestation de Shokhakimov s’inscrit plutôt dans ce registre expressionniste. Ainsi abordée, le début de l’oeuvre et son puissant crescendo orchestral et choral offrent de singulières analogies avec celui de l’opéra de Karol Szymanowski, Le Roi Roger, au demeurant postérieur d’une dizaine d’années. Toujours dans cette optique, des passages comme la Danse grotesque de Dorcon (le rival de Daphnis tentant maladroitement de séduire Chloé) ou encore la Danse guerrière (celle des pirates ayant enlevé Chloé, jetant Daphnis dans le désespoir) et, bien sûr, la Bacchanale festive qui clôture l’oeuvre furent des moments particulièrement réussis, l’orchestre brillant de tous ses feux. En revanche, on a entendu atmosphère plus mystérieuse et poétique dans l’éveil des nymphes allant réanimer Daphnis évanoui, ou encore dans le célèbre Lever du jour sur lequel s’ouvre la troisième partie. Mais, dans son ensemble, cette prestation du Daphnis de Ravel fut un très beau moment, dont la réussite incombe aussi au Choeur Philharmonique, fort bien préparé par Catherine Bolzinger.

Michel Le Gris

Mika présentait son dernier album dans la mythique salle de concert marseillaise

Mika est une sorte de papillon multicolore qui capte immédiatement la lumière et l’irradie sur ceux qui le regarde. Car assister à un show de Mika constitue toujours une expérience unique. La popstar est d’une énergie et d’une générosité communicative qui transcende les générations. De 7 à 77 ans, les spectateurs ont ainsi rempli le Dôme de Marseille pour célébrer le plus français des chanteurs britanniques. Et il faut dire que Mika leur a bien rendu. Il a enchaîné les titres de son dernier album Que ta tête fleurisse toujours nommé ainsi en hommage au dernier cadeau de sa mère, un dessin, et ses anciens tubes français et anglais, réalisant parfaitement la communion de ses nouveaux fans – souvent les plus jeunes – spectateurs de The Voice et les plus anciens, ceux qui ont vibré, il y a maintenant dix-sept ans (eh oui !), sur Love Today, Grace Kelly ou Relax, Take it Easy, déclenchant à chaque chanson, des démonstrations de bonheur et des déhanchements incontrôlés !

Bougez a ainsi donné le ton d’une soirée que les spectateurs ont passé le plus clair de leur temps debout à danser. Les gradins assis, plutôt calmes et longs à se mettre en route, ont montré la voie, ce qui n’a pas manqué de surprendre un Mika qui a enchaîné, mi-ange mi démon, avec Sweetie Banana et Apocalypse Calypso avant de faire résonner son timbre génial et toujours unique dans Underwater et Happy Ending. Résultat : une pop colorée qui oscille entre classicisme britannique et incursions psychédéliques où Mika se livre sur vie personnelle, l’amour et la mort.

Bien évidemment, il n’a pu s’empêcher de rendre hommage à cette autre artiste britannique chère au cœur des Français, Jane Birkin, dans une chanson tirée de son dernier album et écrit avant la mort de l’artiste, mais également à cette mère disparue l’an passée d’une grave maladie avec C’est la vie, une mère dont il s’est plu à rappeler quelques anecdotes et dans 30 secondes à Carla de Coignac, finaliste de la Nouvelle Star en 2017 et qui composa avec lui ce nouvel album réussi et intégralement en français. Car la musique de Mika est une sorte de condensé de bonne humeur, de joie et son interprète, véritable papillon multicolore tantôt rouge tantôt blanc ou jaune selon ses parures, aime à butiner dans ses fleurs musicales tirées de cet arc-en-ciel sonore qu’il dispense à son public.

Mika ne manque d’ailleurs pas de rappeler en chansons, ce qui constitue son ADN musical, cette ode à la différence qui infuse sa musique et transcende les générations, s’offrant même avec Big Girl (You are beautiful) un bain de foule dont le Dôme se souviendra et invitant un spectateur chanceux à venir danser un slow sur scène. C’est ce qu’on pourrait appeler l’effet papillon de Mika. Le public marseillais, conquis, entonna même avec lui un Moi, Andy et Paris, chanson où il évoque son compagnon c’est dire combien l’artiste est aimé ici. En guise de remerciement, Mika déploya un arc-en-ciel de son piano comme pour nous dire, dans un ultime message d’amour, que la musique est quelque part, somewhere over the raimbow. Et qu’il revient à chacun de le suivre.

Par Laurent Pfaadt

Pour son édition 2024, le festival de Nîmes accueillera une nouvelle fois quelques grands noms de la musique

Chaque année c’est la même chose : Nîmes et le sud de la France ont rendez-vous dans les mythiques arènes avec les légendes internationales de la musique. Les héros du rock, du rap de la pop ou de la chanson française remplaceront les myrmidons et autres toréadors le temps de quelques soirées qui resteront certainement gravées dans toutes les mémoires. A commencer par celle du 31 mai qui verra le grand Eric Clapton clôturer sa tournée française. D’autres artistes lui emboîteront le pas : Simply Minds à l’occasion de son Global Tour accompagné d’un Eagle-Eye Cherry qui assurera la première partie du groupe de Glasgow, Avril Lavigne et surtout la star britannico-albanaise Dua Lipa qui donnera deux concerts (12-13 juin) et fera tourner les têtes des mânes des princesses de la Gaule romaine et de jeunes filles en larmes au son de Levitating, Physical ou Don’t Start Now.

Les nostalgiques des années 80-90 et de leurs walkmans repenseront à leurs jeans à trous (que portent aujourd’hui leurs enfants !) et à leur survêtements Tacchini en écoutant Offspring, Suzanne Vega et les pionniers du rap français (IAM et MC Solaar). Ils verront à coup sûr, les nouveaux gladiateurs de la musique (PLK, Ninho, SCH) rendre un hommage appuyé à leurs pères passés maîtres dans l’art de la rime acérée comme un trident. Nul doute que le Champs-Elysées de SCH résonnera d’un écho tout particulier dans l’antique cité qui couronnera également Ninho (6 juillet), gladiateur musical aux 160 singles d’or, 90 de platine et 50 de diamant.

Côté français, rien que le gratin de la chanson : Sofiane Pamart, Grand Corps Malade, Slimane, Dadju, Calogero ou le groupe Shaka Ponk qui fera ses adieux après avoir triompher sur les scènes du monde entier. Ils croiseront ces autres légendes établies comme Patrick Bruel et Etienne Daho, ou en devenir comme Bigflo & Oli qui refermera un festival qui promet d’ores et déjà. Des têtes vont à coup sûr tomber dans les arènes de Nîmes, mais elles tomberont en pamoison devant cette pléaide de poètes des temps modernes. Nul doute que le public saura réserver à tous ces artistes un accueil digne d’un triomphe romain.

Par Laurent Pfaadt

Le festival de Nîmes se tiendra du 31 mai au 20 juillet 2024.
Pour retrouver toute la programmation et les diverses informations de ce dernier, rendez-vous sur :
http://www.festivaldenimes.com

C’est toujours un plaisir que de se rendre au concert dans la salle du Munsterhof dont la beauté visuelle le dispute à l’excellence de son acoustique.

Le soir du lundi 18 mars, invités par le Centre Musical de la Krutenau, Charlotte Juillard, violon solo au Philharmonique de Strasbourg depuis dix ans, et ses collègues et amis Thomas Gautier, violoniste, Harold Hirtz, altiste et Alexander Somov, violoncelliste, eux-mêmes solistes ou anciens solistes à l’orchestre, offraient un concert de musique de chambre, tour à tour à deux, trois et quatre voix. Dès le duo pour violon et violoncelle op.7 de Zoltan Kodaly, joué avec intensité et concentration, on pressent un concert des plus soigneusement préparés. De cette composition écrite en la terrible année 1914 et dont les quatre mouvements offrent des traits avant-gardistes d’époque, la violoniste et le violoncelliste restituent parfaitement l’atmosphère méditative et anxieuse. C’est une toute autre ambiance, plus détendue et festive, qui émane de la sérénade op.10 de cet autre musicien, hongrois lui aussi et de la même génération que Kodaly : Ernö Dohnanyi. Compositeur, pianiste et chef d’orchestre, il fut le grand-père de Christoph von Dohnanyi, chef d’orchestre contemporain des plus respectés. Si, à l’instar de Bartok et de Kodaly, Dohnanyi puise aussi une part de son inspiration dans le folklore hongrois, son écriture est en revanche bien plus traditionnelle. Sa sérénade op.10 aura, en tout cas, permis au trio violon-alto-violoncelle de faire entendre la beauté de ses instruments, flattés par l’acoustique du lieu.

La soirée s’achevait avec un chef d’oeuvre de la musique de chambre, le neuvième quatuor de Beethoven, l’Opus 59 n°3, troisième et dernier de la série des Razoumovsky. Oeuvre d’une puissance expressive exceptionnelle, avec un allegro initial d’un héroïsme flamboyant, un mouvement lent d’une densité poignante, un menuetto qui n’en est pas vraiment un et une incroyable fugue finale, anticipant les derniers quatuors du compositeur. Dès le premier mouvement, on est saisi par l’homogénéité et la virtuosité de ces quatre musiciens qui donnent l’impression d’un ensemble constitué depuis des lustres alors que, même s’ils se connaissent bien, ils ne sont réunis que pour l’occasion. On est aussi emporté par leur engagement, leur enthousiasme et leur prise de risques : à l’écoute du tempo très vif, adopté par l’altiste Harold Hirtz à l’entrée de la fugue finale, on ne peut qu’admirer la propreté et la clarté de son jeu, et de celui de ses comparses. Au-delà de cette virtuosité commune, ce fut aussi et surtout une grande interprétation de ce neuvième quatuor, dans un style assez différent des tendances plus analytiques à l’oeuvre ces dernières décennies et renouant avec une manière de jouer particulièrement lyrique, usant souvent d’un très beau legato et rappelant, de façon étonnante, le jeu de certains grands ensembles d’antan comme le Quatuor Busch (dans les années 1930-40) ou, plus près de nous, le Quartetto Italiano. Ainsi interprété, cet Opus 59 n°3 annonce, non seulement le modernisme de la dernière musique de chambre de son auteur, mais aussi le romantisme tardif d’un Johannes Brahms.

Dans un tout autre esprit, il faut aussi féliciter la mairie de La Wantzenau et le chef Philippe Hechler pour leur entreprise de représenter sur scène l’opéra de Verdi, La Traviata, dans la transcription pour orchestre d’harmonie due à Lorenzo Pusceddu. Pour ce faire, l’Orchestre d’Harmonie de La Wantzenau fut mobilisé, en même temps que constitué un choeur d’amateurs, au demeurant aguerris, et trois chanteurs solistes engagés. Dans cette adaptation de l’opéra de Verdi, les dialogues sont remplacés par un récit de l’action, remarquablement narré par l’acteur Christophe Feltz. De même toutes les scènes chorales furent jouées avec beaucoup de verve et de justesse, grâce au minutieux travail de préparation accompli pendant six mois par l’équipe chorale sous la direction de Gaspard Gaget, jeune chef de choeur doté d’une déjà longue expérience. Dans une mise en scène sobre et efficace de Lysiane Blériot, heureusement dépourvue des extravagances et absurdités aujourd’hui visibles sur beaucoup de scènes, les deux protagonistes Alfredo (Lee Namdeuk) et Violetta (Véronique Laffay) emportèrent l’adhésion. Les musiciens de La Wantzenau et leur chef, monsieur Hechler, restituèrent l’oeuvre avec justesse et précision. Seule petite réserve concernant la sonorisation : dans l’acoustique assez mate de la salle du Fil d’eau, elle était surement nécessaire, notamment pour les voix ; mais peut-être eût-elle gagné avec quelques décibels en moins.

Quoi qu’il en soit, ces deux représentations de La Traviata, les vendredi 15 et dimanche 17 mars témoignent du niveau artistique que peuvent atteindre des musiciens amateurs sérieusement préparés et profondément motivés.

Michel Le Gris

Romantisme tardif et débuts de la musique moderne caractérisaient les programmes donnés au cours des deux premiers concerts de l’année 2024 par l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg.

Composée pour une petite formation d’instruments à vent et cinq instruments à cordes par Arnold Schoenberg en 1908, la Symphonie de chambre n°1 est une partition pleine de fraîcheur et porteuse des idées nouvelles qui émergeaient alors en musique comme dans tous les arts. C’est dans les années 1930, quand il effectuait aussi la transposition pour grand orchestre du premier quatuor avec piano de Johannes Brahms, que Schoenberg orchestrera également son œuvre de jeunesse, lui ôtant du même coup son caractère de symphonie de chambre. Elle n’en reste pas moins, avec sa thématique originale, ses cinq mouvements enchainés et sa sonorité charnue et colorée, d’une écoute fort intéressante, ainsi qu’en témoigna l’excellente prestation de l’OPS et de son chef Aziz Shokhakimov, lors du concert du 11 janvier dernier.

L’un des chefs d’oeuvre de la littérature concertante du XXè siècle, le Concerto pour violon et orchestre d’Alban Berg, dit ‘’A la mémoire d’un ange’’, vint ensuite. Nous entendîmes, pour l’occasion, le grand violoniste américain Gil Shaham que, sauf erreur, nous n’avions pas vu à Strasbourg depuis 1998, quand il donna un magnifique second concerto de Bela Bartok. Son approche de celui de Berg mit au premier plan, avec une sonorité de violon à la fois ténue et splendide, la dimension émouvante et intime de l’oeuvre, sans taire pour autant ses côtés âpres et acerbes. Le plus beau moment fut sûrement celui où, vers la fin de l’oeuvre, le violon solo entame un dialogue avec les différents groupes des cordes de l’orchestre : geste inhabituel, Gil Shaham fit alors se lever successivement les premiers puis les seconds violons et les altos dans un moment d’échange instrumental de grande intensité. Petite déception cependant, du côté de l’orchestre, souvent distant et réservé, notamment à l’entrée de la seconde partie quand les sections de cuivre poussent ce cri déchirant qui, très souvent, évoque le fameux tableau éponyme d’Edward Munch. Rien de tel cependant, ce soir-là.

Le concert s’acheva par le poème symphonique de Richard Strauss Ainsi parlait Zarathoustra. Nonobstant tout ce qui par ailleurs les distingue, une certaine communauté dans la sonorité orchestrale n’en rapproche pas moins la musique de Richard Strauss de celle de son contemporain Gustav Mahler. Sachant Aziz Shokhakimov un interprète d’élection de celle-ci, on se disait qu’il en serait sans doute de même avec celle-là ; sauf si, peut-être, il se laissait emporter, comme cela arrive parfois, par le côté grisant de l’œuvre de Strauss. Contre toute attente, ce fut l’exact contraire. Dès la célèbre introduction, rendue populaire par Stanley Kubrick dans son film Odyssée de l’espace, on fut d’emblée surpris par la lenteur du tempo et la couleur très mate du tutti orchestral. Les deux parties suivantes (De ceux des arrières-mondes et De l’aspiration suprême) sedéroulèrent pourtant bien, d’une grande clarté polyphonique et évitant judicieusement les pianissimi inutiles. Mais, quand advinrent ‘’Des joies et des passions’’, les grandes déferlantes orchestrales attendues ne furent pas vraiment entendues : l’ensemble se traîna et la texture sonore s’enlisa. Certes les moments retenus et graves comme Le chant du tombeau ou Le chant du voyageur nocturne qui conclut l’oeuvre se présentèrent plutôt bien mais les parties plus animées comme Le convalescent et Le chant de la danse, en dépit du beau cantabile de la super soliste Charlotte Juillard, manquèrent par trop de virtuosité, d’allant et de couleurs. Une approche de l’oeuvre évitant, de fait, le clinquant mais paraissant cependant vidée de sa substance.

Lors de la seconde exécution de son concerto piano n°3, à New York en 1909, le pianiste et compositeur Sergueï Rachmaninov était accompagné à l’orchestre par Gustav Mahler. Le soir du 19 janvier à Strasbourg, nous eûmes la jeune pianiste russe Anna Vinnitskaya, dont les enregistrements des dernières années, consacrés à Chopin, Brahms et Rachmaninov ont été très remarqués ; elle avait, comme partenaire à l’orchestre, son compatriote Andrey Boreyko, chef issu de la grande école pétesbourgeoise et doté d’un très vaste répertoire, allant de la musique ancienne jusqu’aux contemporains. On garde un grand souvenir de son passage au festival de Colmar au tournant des années 2000 dans un concert Brahms donné avec l’Orchestre National de Russie. A l’heure actuelle, Andrey Boreyko est directeur de l’Orchestre Philharmonique de Varsovie, à la suite de chefs réputés comme Antoni Vitt et Wiltold Rowicky.

Ce troisième de Rachmaninov avec Vinnitskaya et Boreyko aura mis quelque temps à se mettre en place. Si, pour finir, l’atmosphère conflictuelle et sentimentale du mouvement lent et la verve du final furent restituées avec virtuosité et sensibilité, en revanche la neutralité du piano dans le fameux thème introductif de l’oeuvre et un orchestre pour le moins décousu et aux timbres refroidis nous valurent un premier mouvement assez déroutant. Après l’entracte, nous entendîmes un très brillant Scherzo fantastique de Josef Suk dont on se dit toutefois qu’il eût aussi bien pu ouvrir le concert, histoire de réchauffer l’orchestre. Le grand moment de la soirée fut une magnifique suite de L’Oiseau de feu d’Igor Stravinsky, donné dans sa version orchestralement allégée de 1945 : un orchestre pleinement ressaisi et l’interprétation d’Andrey Boreyko, exceptionnelle d’intelligence et d’inspiration, tant dans l’énergie rythmique et la subtilité des phrasés que dans la richesse des couleurs où, comme à l’accoutumé, la section des cors de l’OPS s’est particulièrement distinguée.

Michel Le Gris

Le concerto pour hautbois de Richard Strauss et la grande symphonie en ut majeur de Franz Schubert composaient le programme du concert donné en la salle Érasme le vendredi 1^er décembre. Sébastien Giot, premier hautboïste de l’OPS, officiait dans Strauss ; l’orchestre était dirigé par le chef allemand Claus Peter Flor, bien connu à Strasbourg.

Bien que l’oeuvre fasse partie de son répertoire, Sébastien Giot aura fait une nouvelle fois la démonstration de son art en remplaçant au pied levé son confrère François Leleux, initialement annoncé. Dans cette œuvre tardive de Strauss, de conception néo-classique, pétillante et plaisante à l’écoute mais truffée de difficultés techniques, le soliste du Philharmonique fit entendre, dans les deux mouvements extrêmes, la vivacité et la pétulance de son jeu mais aussi ses qualités de legato et de chant dans la partie médiane. Un orchestre soyeux, avec des cordes très fines et des instruments à vents disposés au premier rang, lui a donné la réplique. Très fêté par la salle, le hautboïste a offert en bis un extrait de la sixième fantaisie de Telemann.

Composée vraisemblablement fin 1827-début 1828, autrement dit quelques mois avant sa mort, la neuvième symphonie de Schubert aurait bien pu n’être jamais jouée, oubliée comme elle était dix ans durant parmi les papiers de Franz déposés chez son frère Ferdinand. C’est Robert Schumann qui, en 1838, mit la main sur le document. A la simple lecture de cette extraordinaire partition, écrite par Schubert à un âge où Beethoven composait sa première symphonie, Schumann fut littéralement subjugué. Il la transmit à Félix Mendelssohn qui, à la tête de son orchestre du Gewandhaus de Leipzig, la donna en mars 1839 (de façon partielle).

Par sa dimension, sa complexité formelle et ses mélodies infinies, on peut la considérer comme l’emblème de la symphonie romantique allemande. Comme toute grande œuvre, elle a suscitée des interprétations des plus diverses, du lyrisme ou de l’exaltation plus ou moins exacerbés des grands romantiques comme Wilhelm Fürtwaengler ou Bruno Walter aux conceptions épiques ou héroïques soutenues par des chefs comme Léonard Bernstein, Itzvan Kertez, Charles Münch, Georges Szell, Herbert von Karajan et bien d’autres. Initié par Nikolaus Harnoncourt, le courant historiquement informé, qui privilégie la notion de restitution sur celle d’interprétation, aura aussi fait valoir ses choix, selon moi plus convaincants dans les symphonies de jeunesse de Schubert que dans les deux dernières, l’Inachevée et la Grande. Quoi qu’il en soit, restitution ou interprétation, aucun représentant du courant historiquement informé, qu’il s’agisse d’Harnoncourt lui-même, de Brüggen, de Gardiner ou de Van Immerseel n’ont entrepris d’épurer la musique de Schubert de sa dimension, tenue jusqu’ici, pour essentielle : l’expression du sentiment. La restitution d’une œuvre n’a jamais signifié, pour eux, sa déconstruction. A la tête d’un orchestre en grande forme et mené d’une main indéniablement très sûre, c’est néanmoins cette perspective insolite qu’aura tenu à faire entendre Claus Peter flor.

Reconnaissons que, malgré l’appel de cors volontairement sec et froid, le premier mouvement andante puis allegro ne manquait pas d’allure, sa grande énergie rythmique n’empêchant ni la grande ligne, ni les épisodes lyriques de bien se faire entendre. En revanche, à partir du second mouvement andante con moto, en dépit d’une petite harmonie disposée au premier rang de l’orchestre et d’ailleurs dangereusement exposée, l’éradication de la moindre touche sentimentale est devenue musicalement patente ; de la musique, ne subsiste alors plus que la charpente, le noyau émotionnel devenant absent. Le refus délibéré de faire chanter les instruments et la volonté explicite d’égrener chaque note en témoignent. Dans cet andante profondément émouvant dont l’atmosphère peut parfois évoquer le cycle de lieder Le Voyage d’hiver, du moins avec les interprètes les plus sombres, ou bien la Wanderer-Phantasie chez les chefs plus solaires, Claus Peter Flor substitue à la ligne générale une froide analyse clinique où l’insistance statique sur le détail occulte complètement la perception de l’ensemble. L’extrême fin de mouvement, ordinairement captivante de par sa forte ambivalence entre inquiétude et sérénité, fut expédiée dans la plus totale indifférence. La suite fut à l’avenant : élimination radicale de la dimension viennoise du scherzo au profit d’une marche prussienne aux accents secs et péremptoires, transformant l’admirable et poignant trio central, joué par les instruments à vents, en un semblant de musique militaire. Nonobstant un jeu énergique et rapide, l’allegro vivace final n’en resta pas moins plombé du début à la fin, clouant au sol tout ce que cette musique distille d’aspiration, d’élévation et de libération, malheureusement bien absentes ce soir-là. En regard du bel interprète de la musique romantique allemande que fut Claus Peter Flor dans sa jeunesse, nous laissant notamment des Mendelssohn rayonnants, on reste perplexe à l’écoute de ses options du jour.

Michel Le Gris