Pour sa troisième édition, le festival de musique de Bischwiller offrait sept concerts avec des artistes de renom, dont le Trio Wanderer ou le pianiste Laurent Cabasso. Le jeudi 17 octobre, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg était placé sous la direction de son premier violon solo, Charlotte Juillard, dans un programme associant Bach, Haydn et Mendelssohn.

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Le concert débute avec une grande œuvre de Jean-Sébastien Bach, le concerto pour violon et hautbois en ut mineur BWV1060. L’orchestre accueille, pour l’occasion, l’enfant du pays Marc Lachat, aujourd’hui hautbois solo au Los Angeles Philharmonic, et qui tient ici la partie soliste du concerto en compagnie de Charlotte Juillard au violon. L’orchestre aborde l’oeuvre de façon assez retenue, dans un tempo prudent car l’acoustique très mate de la salle ne pardonne rien. Le dialogue entre violon et hautbois témoigne d’une bonne entente entre les deux solistes pendant que le jeu de l’orchestre, différent des exécutions philologiques sur instruments d’époque telles qu’on les connaît aujourd’hui, penche du côté des interprétations classiques du siècle dernier, défendues alors par des chefs comme Karl Richter ou Karl Münchinger.

Grand changement d’atmosphère avec l’oeuvre suivante, le second concerto pour piano de Felix Mendelssohn écrit dans la tonalité assez sombre de ré mineur. L’orchestre s’étoffe d’une cinquantaine de musiciens avec un parterre de cordes approchant la quarantaine, ce qui épaissit peut-être un peu trop le son dans une acoustique assez rapidement saturée. L’oeuvre n’est surement pas la plus grande que Mendelssohn ait composée, mais elle n’en est pas moins parcourue d’une belle fièvre romantique, très audible sous les doigts de la pianiste Inga Kazantzeva, bien connue à Strasbourg depuis son intégrale des sonates de Beethoven en 2012. En bis avant l’entracte, la pianiste est rejointe par le hautboïste Marc Lachat et le violon de Charlotte Juillard, pour jouer en trio une transcription du lied de Mendelssohn, Im Herbst. Très beau moment de musique de chambre, sonnant particulièrement bien dans la salle.

Mendelssohn a écrit treize symphonies pour cordes entre 1821 et 1823, alors même qu’il n’avait qu’entre douze et quatorze ans ! Jolies petites œuvres de jeunesse, ce sont des exercices de style contrapuntique, dans le sillage de Carl Philipp Emmanuel Bach et même de Jean-Sébastien. Ne prétendant en rien à l’invention formelle et ignorant complètement l’extension beethovénienne de la forme symphonique, elles n’en sont pas moins fort plaisantes à l’écoute, à l’instar de la quatrième en do mineur, jouée avec une grande pureté de style lors de cette soirée du 17 octobre. Les cordes du philharmonique, réunies en petite formation, sont particulièrement belles.

La symphonie n°94 de Haydn en sol majeur est la deuxième de la série de ses douze londoniennes. Son sous-titre de ‘’Surprise’’ vient du soudain coup de timbales qui interrompt brusquement le deuxième exposé du thème principal, dans le mouvement lent andante. Avec entretempsl’évolution de l’écriture musicale et l’effet de surprise s’en trouvant quelque peu émoussé, certains interprètes parfois le revigorent, en faisant par exemple émettre un cri par tous les musiciens de l’orchestre. Charlotte Juillard a, pour sa part, ponctué la fin de ce mouvement lent d’une amusante petite improvisation au violon. On se souvient encore de l’inoubliable interprétation de la 101ème symphonie qu’elle avait obtenue de ses collègues musiciens, il y a deux ans, lors d’un concert au Palais Universitaire de Strasbourg. Cette fois encore, tout est admirable dans son approche de la 94ème : outre la pertinence des tempi, on est saisi par l’éloquence et l’évidence des phrasés, en même temps qu’emporté par une irrésistible vitalité. Les auditeurs qui ne connaissent pas l’oeuvre l’ont donc découverte dans des conditions idéales ; les mélomanes à qui elle est familière auront, comme moi-même, mesuré en quoi l’interprétation de ce soir soutient la comparaison avec les meilleures de la discographie. On espère que le premier violon du philharmonique aura l’occasion de continuer à explorer l’univers symphonique de Joseph Haydn auquel, de toute évidence, elle est si sensible.

Michel Le Gris

Le second concert de la saison de l’OPS associait les noms de Maurice Ravel et de Sergueï Prokofiev dans de grandes œuvres de la première moitié du 20ème siècle. Placé sous la direction de son chef Aziz Shokhakimov, l’orchestre accueillait le pianiste français très réputé, Bertrand Chamayou.

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A l’écoute de ce concert, et après celle d’un bon Daphnis et Chloé de Ravel et d’une prodigieuse Fantastique de Berlioz durant la saison dernière, on finit par se demander si Shokhakimov, le jeune directeur de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, n’est pas plus à l’aise dans la musique française qu’avec les compositions russes dans lesquelles il a pourtant du baigner très tôt durant sa formation. Toujours est-il que, si la seconde partie du concert dévolue à Ravel s’est révélée fort bonne, la première consacrée à cette grande partition qu’est la cinquième symphonie de Prokofiev s’avéra plutôt décevante. Dans le magnifique andante initial, s’ouvrant de façon poétique telle une promesse de l’aube conduisant vers une conclusion glorieuse et prométhéenne, l’orchestre peine à décoller, la texture sonore systématiquement épaisse et les phrasés d’une raideur constante empêchent la grande ligne de se faire entendre. Le souffle épique qui soulève la fin de ce premier mouvement passe presque inaperçu, enseveli sous des percussions d’une lourdeur inappropriée. Dans le prodigieux allegro marcato qui lui succède, on eût aimé que le côté à la fois vif, cinglant, rauque et moderne de l’écriture soit bien mieux souligné ; et que la nostalgie grave et lyrique qui traverse ensuite le troisième mouvement adagio soit davantage présente. Seul l’allegro giocoso conclusif semblait enfin approcher la vitalité de cette œuvre.

Pour le concerto en sol de Ravel, chef d’oeuvre pianistique de la musique française, on avait donc invité Bertrand Chamayou, pianiste particulièrement renommé dans ce répertoire. C’est l’occasion de rappeler que l’une des plus grandes versions discographiques de ce concerto fut enregistrée ici même à Strasbourg dans les années 1970 par la pianiste Anne Queffelec, dans un style très poétique et expressionniste, magnifiquement soutenu par l’orchestre d’Alain Lombard. C’est une toute autre approche que nous a fait entendre, le soir du 4 octobre, Bertrand Chamayou. Dès les premiers accords et jusqu’aux notes conclusives, il aura fait valoir une conception rapide et concentrée, toute en dentelles, assez minimaliste au plan sonore et fort retenue sentimentalement parlant. Elle n’en fit pas moins entendre de très grandes beautés musicales, tout à fait présentes pour les auditeurs du bas mais dont il n’est pas sûr qu’elles se soient propagées jusqu’aux rangées les plus hautes de la salle. Quoi qu’il en soit, on fut également heureux d’entendre l’orchestre de Shokhakimov déployer une palette sonore subtile et raffinée, en accord parfait avec le jeu pianistique. En guise de bis, Chamayou nous offrit une Pavane pour une infante défunte dans une approche sobre et dépouillée, similaire à celle du concerto.

Depuis bientôt un siècle qu’on le joue, l’archi-célèbre boléro aura suscité toutes les approches possibles imaginables, des plus effervescents et entraînants jusqu’aux dramatiques et quasi-tragiques en passant par les séducteurs, captieux et envoutants mais aussi d’autres se cantonnant dans une expression sobre et mystérieuse, à l’instar du témoignage laissé par Ravel lui-même dans son enregistrement. C’est à ce modèle-là qu’il faut rattacher la très bonne et très belle exécution proposée, le soir du vendredi 4, par Shokhakimov et l’orchestre, témoignant du niveau de ses instrumentistes. Des premiers jusqu’aux ultimes accords, on aura particulièrement apprécié un phrasé des plus subtils et un alliage de timbres d’une qualité exceptionnelle.

Michel Le Gris

Repères discographiques :
Prokofiev, 5ème symphonie
– Orchestre philharmonique de Berlin, Herbert von Karajan (DG)
– Orchestre de la Suisse Romande, Ernest Ansermet (Decca)
– Orchestre National de France, Jean Martinon (Testament)

Ravel, Concerto piano en sol
– Anne Queffelec,
– Orchestre philharmonique de Strasbourg, Alain Lombard (Erato)
– Samson François, Société des Concerts, André Cluytens (Warner)
– Orchestre National de France, Léonard Bernstein direction et piano (Warner)

Boléro
– Orchestre symphonique de Boston, Charles Münch (RCA)
– Orchestre philharmonique de New York, Pierre Boulez (Sony)
– Orchestre philharmonique de Berlin, Herbert von Karajan (DG)
– Orchestre philharmonique de Munich, Sergiu Celibidache (Warner)
– Société des Concerts, Constantin Silvestri (Warner)
– Orchestre National de France, André Cluytens (Warner)

Le pianiste russe Mikhaïl Pletnev donnait à Paris l’intégrale des concertos pour piano de Serge Rachmaninov

Il est des concerts qui restent. Et au vu de la standing ovation que reçut Mikhaïl Pletnev après avoir achevé dans l’auditorium de Radio France son intégrale des concertos pour piano de son lointain prédécesseur, Serge Rachmaninov, il est certain que ceux-ci en feront partie.

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Mais pour que cela fut possible, il fallait au compositeur un interprète qui soit à la hauteur de son génie et il faut bien reconnaître, avec Mikhaïl Pletnev, Rachmaninov ne s’est pas trompé. Pianiste génial, fondateur et chef de l’Orchestre National de Russie, Mikhaïl Pletnev connaît bien la France qui le chérit à chacun de ses passages et surtout Rachmaninov qu’il a, à de nombreuses reprises, interprété et enregistré au disque, notamment dans une magnifique version avec son compatriote Mstislav Rostropovitch (DG, 2003) qui a vanté « sa technique phénoménale (qui) lui permet d’articuler les différentes notes avec une vitesse fantastique comme dans le final du troisième concerto ».

Après une première soirée consacrée aux deux premiers concertos, Mikhaïl Pletnev se retrouvait ainsi au pied de cet Everest pianistique, le Rach 3, qui constitue autant de passes obligées pour tout pianiste et qu’il a, à maintes reprises, gravés et gravis. Pour y parvenir, il a d’abord fallu parer l’orchestre philharmonique de Radio France de son manteau russe, ce qu’a parfaitement réussi le chef finlandais Dima Slobodeniouk afin de devenir ce magnifique sherpa montant avec le pianiste, sans précipitation et avec des équilibres sonores respectés et de merveilleuses pages orchestrales surtout dans un second mouvement très réussi. Restait alors à notre soliste à s’élancer à l’assaut du sommet. Avec une facilité déconcertante et cette virtuosité qui lui est coutumière, Mikhaïl Pletnev a progressivement escaladé la lente pente de ce troisième mouvement escarpé avant de livrer un final éblouissant sans effets superflus tout en gardant suffisamment de souffle jusqu’à la dernière note pour éviter de s’égarer dans ces tempêtes musicales qui tournoient tout en haut et menacent souvent d’emporter l’interprète. Rachmaninov l’y attendait assurément.

Il faut dire que notre homme s’était doté de l’équipement nécessaire à son succès. Sa technique sublimée par son traditionnel Kawaï a ainsi permis de gagner en intensité libérant parfaitement des émotions souvent bridées voire annihilées par des Steinway trop métalliques. Cette sensation fut surtout patente dans un quatrième concerto en forme de descente où il a fallu résister aux orages initiaux dans un premier mouvement tonitruant et piégeux. Avec assurance, la formidable complicité entre le soliste et l’orchestre a ainsi libéré des pages musicales cinématographiques où notre pianiste, contemplant cette chaîne musicale façonnée par Rachmaninov, est arrivé sans encombres dans le cirque du second mouvement. Là-bas régnait une quiétude seulement perturbée par de petits flocons de neige en noir et blanc et quelques éclaircies musicales irisées qui sont venues conclure une soirée où il y avait, dans les notes du pianiste russe et dans l’air, quelque chose de l’ordre du mystère, quelque chose d’assurément russe.

Par Laurent Pfaadt

Pour retrouver toute la programmation de l’Orchestre Philharmonique de Radio France :

https://www.radiofrance.com/les-concerts-de-radio-france

C’est le rendez-vous incontournable de la rentrée culturelle à Strasbourg et dans la région avec à son programme des œuvres inattendues et la découverte de nouveaux compositeurs et de remarquables interprètes à leur service.

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C’est au Maillon qu’ont eu lieu les premiers rendez-vous dans un patio où se croisaient les « Anciens et fidèles de ce festival qui en est à sa 42^ème édition et de plus jeunes ou nouveaux  spectateurs, les premiers plutôt décontenancés par le fait que le public quelque peu livré à lui-même  ne devait que se référer au plan distribué dans le programme de la soirée pour effectuer une déambulation qui le  conduisait à aller écouter un groupe de chanteurs, à être interpellés par de brusques éclats sonores et à détecter les messages inscrits sur différents panneaux,  propositions de treize artistes, prélude  et hommage  au compositeur néerlandais Louis Andriessen, dont l’œuvre « DE STAAT» fait l’objet  de la première partie du concert donné dans la grande salle vers laquelle les musiciens ont introduit le public. Cette œuvre peu interprétée a été composée en 1976 par Louis Andriessen, pour mettre en question les rapports de la musique et du politique, s’appuyant pour étayer cette thèse sur les écrits de Platon soutenant dans la « République » que des liens existaient entre les modes musicaux et l’état de la société et que pour ne pas le bouleverser  il fallait se garder de toute innovation ce qu’Andriessen réfute.

Ce sont les ensembles Asko Schönberg et Ensemble Klang sous la direction de Clark Rundell qui interprètent avec brio et conviction  cet « Etat de musique », les musiciens  se répondant parfois en parfaite symétrie et par blocs constitués par les deux pianistes, les deux harpes, les cors avec leur forte résonance, les trompettes et les trombones renforçant l’énergie que déploie une partition aux riches et multiples propositions que soulignent les groupes des haubois, des altos et des deux guitares, la basse et l’électrique, les textes étant chantés par les sopranos Els Mondelaers et Bauwien van der Meer et les mezzo-soprano Michaela Riener et Anna Trombetta Cette remarquable interprétation était suivie en deuxième partie d’une oeuvre  d’Oscar Bettison, un élève  d’Andriessen « The slow weather of dreams » composée en 2024.

Ce sont les mêmes ensembles que nous retrouvons pour le concert intitulé « LA PERSEVERANCE » traduction de « De Volharding » nom donné à une formation fondée en 1971 par Louis Andriessen et Willem Breuker, pour jouer dans les rues et sur le terrain des luttes sociales et se situant au croisement de la fanfare et de la musique contemporaine.

Quatre œuvres au programme

« Dance works » de Steve Martland, nous offre une musique très rythmée comme le soulignent les balancements du chef d’orchestre, de la pianiste et du guitariste, tous très impliqués.

Julia Wolfe dans “Arsenal of democracy” présente une partition où se succèdent sons aigus, bégaiements, accélérations et fortes montées en puissance.

Dans « Nautilus » d’Anna Meredith, on voit le chef Joey Marijs quitter son pupitre pour s’installer près de la batterie et de la grosse caisse et s’adonner à mettre en valeur cette partition marquée par la répétition.

Dans la dernière partie nous découvrons avec « Mis for Man, Music, Mozart ce qu’a produit la collaboration d’Andriessen avec le réalisateur Peter Greenaway, une sorte de ciné-concert où s’entrecroisent des images de corps nus qui dansent avec des images de chair sanguinole, pour évoquer d’une certaine façon une
« création » de l’homme, homme de chair, de paille, épouvantail le tout accompagné de cette musique répétitive, soulignant l’expressivité et l’étrangeté des images.

Deux grands moments ce dimanche 22 septembre, le matin avec le récital de piano de Ralph van Raat interprétant « THE PEOPLE  UNITED WILL NEVER BE  DEFEATED » Une œuvre signée Frederic  Rzewski  écrite en 1975, à partir d’un chant révolutionnaire chilien  dont les paroles furent écrites par les Quilapayùn et la musique par Sergio Ortega en  soutien à Salvador Allende, un chant qui nous tient particulièrement à cœur car nous en connaissons l’histoire et avons eu bien des occasions de le chanter lors de manifestations au cours desquelles il a galvanisé nos espoirs, d’autant  que  le compositeur y a adjoint  deux succès populaires le chant révolutionnaire italien
« Bandiera Rossa » et l’hymne antifasciste « Solidaritaslied ».

L’interprétation des trente-six variations qui en sont ici proposées souligne le côté engagé, la détermination des adeptes de la liberté. Le pianiste fait varier les rythmes pour mettre en évidence les moments de lutte, la joie d’être unis pour triompher et ne se départit pas d’un jeu ininterrompu et très expressif qui remporte l’enthousiasme du public à qui il accorde deux rappels.

Ce même jour, l’après-midi nous avions l’occasion avec le concert intitulé « CAVACAR » de retrouver une formation toujours très appréciée à Musica, l’Ensemble L’Imaginaire pour l’interprétation de trois morceaux écrits par le compositeur brésilien Sergio Rodrigo. Les trois musiciens, la flûtiste Keiko Murakami, le saxophoniste Olivier Duverger et la pianiste Carolina Santiago Martinez se révèlent d’une grande virtuosité pour mettre en valeur ce travail élaboré à partir de la transposition des sonorités et des rythmes qui caractérisent au Brésil l’usage d’une petite guitare, le cavaquinho.

Après le jeu subtil de la pianiste dans « Cobra arco-iris » pour piano seul nous sommes, comme toujours émerveillés par le talent de Keiko Murakami que nous connaissons bien. Dans ce morceau intitulé « Cosmogrammes pour flûte basse seule » elle développe un jeu très retenu, une tension faite de souffles mesurés, variés, étonnants qui nous tiennent en haleine .

Dans le troisième morceau « Cavacar » les trois interprètes se retrouvent autour du piano, jouant à frapper les cordes faisant alterner temps forts et accalmies, attentif, chacun à ce que proposent ses partenaires.

Le concert « RESONANZ» nous donne à entendre un ensemble de dix-huit cordes. Il est placé ce jour sous la direction de Peter Rundel pour, en première partie, une pièce de François Sarhan, en création mondiale, entre délicatesse et frénésie, monte en puissance, puis s’apaise d’un coup, offrant des battements répétitifs, des claquements de mains, une écriture qui s’enjolive, emplit l’espace, pratique le flux et le reflux à l’image des vagues. Création mondiale également pour « Residue » composée par Joanna Bailie qui demande à l’orchestre à cordes d’interpréter une partition qui nous plonge dans la rêverie et la méditation.

Enno Poppe avec « Wald » construit une musique bavarde, remplie d’échanges vifs, marqués par des coups d’archets, des éclats, des sons du quotidien, soulignant un empressement parfois frétillant, plein d’allégresse.

La soirée du 27 septembre est une de celles qui nous aura sans doute le plus touchés puisque nous avions la possibilité d’assister à deux représentations dans le cadre de la programmation du Maillon. D’abord « LA SOURCE» qui nous confrontait à des révélations faites par la lanceuse d’alerte Chelsea Manning concernant les guerres menées  par les Etats-Unis en Irak et en Afghanistan.

Un dispositif vidéo quadri frontal fait que nous ne cessons d’être entourés de visages de femmes, d’hommes de tous âges, de toutes origines, visages immobiles au regard fixe, visages projetés parfois en très gros plan. Derrière le rideau semi opaque se tient l’orchestre qui, sous la direction de Nathan Koci interprète la musique de Ted Hearne dans la mise en scène de Daniel Fish. C’est une œuvre complexe qui ne ménage ni nos yeux ni nos oreilles pour nous mettre au fait des exactions commises pendant ces guerres, alternance de voix graves, cris, martèlements, explosions, images de combats, de tueries, photos projetées de plans, de rapports. Nous sommes cernés, submergés, agressés, fascinés par cette mise en demeure de ne pouvoir échapper à ce qu’il faut bien appeler « les horreurs de la guerre ».

Certains dans le public disaient qu’ils auraient préféré s’en passer.

Quant à nous il nous parait utile et nécessaire que de telles œuvres puissent être créées et diffusées. Leur inventivité ne fait que rendre plus prégnant la force du témoignage qui les habite.

Avec « ALL RIGHT. GOOD NIGHT » une autre confrontation nous attendait, celle avec la disparition, une disparition qui se joue sur deux tableaux celui d’un avion, celui d’une mémoire.

Un spectacle conçu par Helgard Haug, membre fondatrice du collectif Rimini Protokoll pour ce qui est du texte et de la mise en scène auquel s’adjoint la composition musicale de Barbara Morgenstern interprétée par l’orchestre Zafraan Ensemble. C’est en entremêlant  deux histoires terribles et émouvantes que cette œuvre est conçue, celle de la disparition  de l’avion de la Malaysia Airlines le 8 mars 2014 et  les débuts de la démence dont son père est atteint. Les musiciens  tiendront les rôles des passagers prêts à l’envol et de différents personnages au gré d’un récit qui suit le déroulement du temps qui s’écoule entre la catastrophe, encore aujourd’hui inexpliquée et l’annonce officielle 6 ans après de sa disparition, émaillé d’annonces de recherche, de trouvailles de débris, de témoignages, de refus de la  cruelle réalité chez certaines familles, des fantasmes que cela suscite chez d’autres, le presque impossible deuil à faire pour ceux qui ont perdu un proche dans cet accident. Et en totale concomitance  l’irréversible diminution de la conscience du père, qu’on se refuse à voir, contre laquelle se mettent en place des stratégies pour la masquer, sauver les apparences mais  qui  ne peuvent, à la fin  aboutir qu’à l’irrémédiable. La contribution d’une scénographie, parfois à contretemps des drames en cours, signée Evi Bauer, comme cette plage où se prélassent des vacanciers au bord d’une mer houleuse qui rapporte quand même quelques débris supposés appartenir à l’avion disparu et surtout l’apport de la musique où vibraphone, batterie, contrebasse soulignent avec intensité une dramaturgie qui va du côté du réalisme, interpellant fortement nos capacités à  réaliser l’irréalisable, à accepter l’inacceptable, à refuser de se soumettre aux évidences quand elles sont pour nous mortifères.

Un spectacle très émouvant dans lequel les musiciens se sont révélés excellents comédiens.

Deux grands noms de la musique contemporaine sont à l’honneur dans ce Festival, Stockhausen avec »Sirius » et Schönberg auquel un film et un concert  sont dédiés.

Ce soir-là dans un Palais des Fêtes dont le plafond a été étoilé pour la circonstance nous sommes plongés dans une œuvre majestueuse, «  SIRIUS » de Karlheinz Stockhausen écrite en1975-1977, créée  à l’occasion du bicentenaire de l’indépendance des Etats-Unis et qui nous  propose une sorte de voyage dans le cosmos. Un dispositif particulier place musiciens et chanteurs aux quatre points cardinaux, le public lui-même placé suivant ces orientations. Sur les podiums s’installent au Nord la basse, Damien Pass, en face, au Sud, la soprano, Sophia Körber , à l’Est, la trompette, Paul Hübner et à l’Ouest, la clarinette basse, Johanna Stephens-Janning , visages maquillés, les  hommes en toges, les femmes en robes  de cérémonie à la romaine .

Une bande-son fait retentir des bruits d’avion qui décolle, des borborygmes puis s’élève la voix puissante extraordinairement basse du chanteur,  que l’on le voit s’appliquer à des regards perçants,  tournés vers le ciel ou dirigés vers la femme, à des gestes larges, comme ceux d’un prédicateur, doigt tendu en signe d’avertissement, à l’auditoire ou à la femme en face  à qui il s’adresse parfois avec véhémence, (on aurait aimé  avoir le livret pour comprendre leurs échanges) et qui lui répond sans retenue, apprêtant sa voix à d’étonnants registres. La bande-son continue à déverser des bruits de vent, de pluie diluvienne tandis que la trompette entame un magnifique solo avant de laisser la clarinette basse s’engager à son tour dans l’interprétation d’une mélodie nuancée et audacieuse.

Quand les sons de décollage reviennent envahir l’espace, nous savons que le temps est venu de quitter, non sans mal, le monde utopique dans lequel ce spectacle d’une très grande qualité artistique nous a plongés.

L’autre grand compositeur de la musique contemporaine, Arnold Schönberg était à l’honneur ce dimanche après-midi à la Cité de la musique et de la danse puisque le film d’Andreas Morell, produit par Arte  lui était consacré et nous permettait de découvrir comment ce pionnier de la musique contemporaine avait mené sa vie et son œuvre.

Un peu plus tard, au cours du concert donné par le Quatuor Diotima, c’est son « Quatuor à cordes n° 2 de 1907-1908 qui sera interprété . Ouvrant d’abord de larges horizons, la partition revient sur des tourments intérieurs sur lesquels elle semble méditer avant d’entamer un mouvement plus vif, plus sautillant et qu’ intervienne la  soprano Axelle Fanyo, à la voix puissante et nuancée  pour chanter un poème de Stefan George écrit en 1907.

Deux œuvres précédaient celle-ci, le Quatuor no 1 « Bobok » de François Sarhan de2002, au rythme syncopé, tout en contrastes où  se développe le jeu  tout en finesse et virtuose des interprètes, (violon, Yun-Peng Zhao et Léo Marillier,  alto, Franck Chevalier, violoncelle, Alexis Descharmes )

Le Quatuor à cordes no3 d’Helmut Lachenmann « Grido » de 2001 qui offre une musique très particulière avec frottements des cordes, cordes pincées, des sonorités parfois à peine audibles, tout en subtilité et en finesse.

De remarquables interprétations et un après-midi riche en émotions artistiques.

Marie-Françoise Grislin pour Hebdoscope

Le festival de musique de Wissembourg, dont les concerts ont lieu durant la seconde quinzaine du mois d’août, fêtait cette année son vingtième anniversaire. Sa relative confidentialité dissimule la haute qualité des artistes conviés et des programmes, tous axés sur la musique de chambre. En témoigne le concert entendu le samedi 24, donné par le Trio Miroir et le pianiste Simon Bürki dans un programme éclectique avec des œuvres de Beethoven, Fauré et Rachmaninov, que l’on n’a pas toujours l’occasion d’entendre.

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Sise au pied des Vosges du nord, la petite ville de Wissembourg, outre son abbatiale avec son très bel orgue du 18ème siècle, possède aussi un accueillant auditorium d’environ six cents places et sa scène parfaitement adaptée à la musique de chambre. L’acoustique y est légèrement mate, avantageant plutôt la clarté des lignes instrumentales que leur volupté. Le Trio Miroir, qui s’y produisait samedi 24 août au soir, se compose de trois musiciens de haut vol : le violoncelliste Christophe Morin, officiant, entre autres activités, dans cette formation d’élite qu’est le Mahler Chamber Orchestra, Grégoire Vecchioni, jeune altiste à l’Orchestre de l’Opéra de Paris et Charlotte Juillard, violon supersolo à l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg depuis 2014, très active en matière de musique de chambre, créatrice et première violoniste du quatuor Zaïde de 2009 à 2017.

Le trio n°1 de l’opus 9 de Ludwig van Beethoven ouvrait le concert. Il fait parti d’un ensemble de trois trios pour cordes écrit par le jeune Beethoven dans les années 1796-98 et que le compositeur jugeait, en ce temps-là, comme ‘’la meilleure de ses œuvres’’. Son maître Joseph Haydn estima cependant, lors de leur première audition, que le n°3 de cet opus 9 ferait mieux de ne pas être publié, du fait d’audaces excessives risquant de le rendre insaisissable par ses contemporains. Vu le caractère ombrageux du jeune Beethoven, les relations entre l’élève et le maître n’en furent évidemment pas améliorées. Si le troisième de l’opus 9 est en effet le plus novateur, le numéro 1 entendu l’autre soir reste mélodiquement le plus beau et le plus étonnement varié. Le Trio Miroir en aura donné une fort belle exécution, techniquement parfaite et musicalement pleine d’allant, de spontanéité et de vitalité, assortie à une grande justesse de style.

L’une des belles découvertes de ce concert fut l’audition du très jeune pianiste suisse, Simon Bürki, bardé de premiers prix dans les concours, qui nous offrit une sélection des Préludes de Sergueï Rachmaninov, surement le chef d’oeuvre du compositeur et grand pianiste russe. La maîtrise technique dans cette musique difficile entre toutes et l’engagement subjectif que déploient ce jeune homme, le caractère naturel des nuances et la tenue des fortissimi dont cette musique abonde mais qu’il ne laissa jamais dégénérer en effet tapageur furent un réel moment de bonheur musical.

Composé en 1887, soit dix ans après son premier et mélodieux quatuor avec piano, le second des quatuors de Gabriel Fauré est d’un style tout autre, bien plus audacieux et novateur, rompant par ailleurs avec l’ambiance intimiste dans laquelle baigne généralement sa musique. Cette œuvre d’une bonne trentaine de minutes réparties en quatre mouvements débute par un allegro très modéré, suivi d’un scherzo d’une grande vivacité, d’un mouvement lent introspectif et d’un allegro molto s’achevant de manière quasi-convulsive . Rien à voir avec l’ambiance contemplative du quintette avec piano que Fauré composera ultérieurement ! Simon Bürki et les membres du Trio Miroir, excellement réunis pour cette seconde partie du concert, ont bien fait entendre tous les contrastes et les changements d’atmosphère qui scandent cette œuvre, à la fois tendue, méditative, mystérieuse, inquiète et finissant dans l’agitation.

Michel Le Gris

A l’image du climat de ce printemps particulièrement instable, les concerts de la fin de saison de l’OPS, tous dirigés par son chef Aziz Shokakhimov, soufflèrent le chaud et le froid. Après un bon Don Quichotte de Richard Strauss et une prodigieuse Symphonie fantastique de Berlioz, nous eûmes un Requiem allemand de Brahms plutôt décevant.

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La musique de Brahms ne semble plus être, chez les chefs d’orchestre d’aujourd’hui, la source d’inspiration qu’elle fut durant toute la seconde moitié du 20ème siècle. Sur la scène internationale, depuis la disparition de Claudio Abbado, il ne reste guère, comme grand interprète de Brahms, que Simon Rattle. A la différence de tout ce qu’il a su faire dans Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, le courant historiquement informé n’a pas laissé de témoignages marquants dans Brahms. A Strasbourg, exception faite d’une belle troisième symphonie récemment dirigée par Stanislav Kochanovsky, les dernières grandes interprétations brahmsiennes datent d’il y a une quinzaine d’années, sous la direction du chef polonais Jerzy Semkow. Cette distance d’avec Brahms ne touche cependant pas sa musique pour instrument solo, le piano en particulier. Lorsque l’on n’écoute des pianistes actuels comme Adam Laloum ou Alexandre Kantorow, on se dit que l’oeuvre pianistique de Brahms n’a peut-être jamais été aussi vivante.

Toujours est-il qu’en dépit de la venue du Choeur de l’Orchestre de Paris et d’un duo vocal de qualité – la soprano Pretty Yende et le baryton Ludovic Tezier –, le Requiem allemand sous la conduite de Shokakhimov n’aura jamais vraiment décollé. Sa principale qualité fut d’éviter le mysticisme compassé dans lequel certains grands chefs, tels Klaus Tennstedt ou Carlo Maria Giulini, sont parfois tombés. Ce chef d’oeuvre orchestral et vocal que Brahms ébaucha d’abord dans sa jeunesse (1856), suite à la mort de Robert Schumann, et qu’il acheva dix ans plus tard après le décès de sa mère, n’est pas tant une prière pour les morts qu’un chant de consolation et de réconfort pour ceux qui restent. Selon son propre mot, c’est un ‘’requiem humain’’. Cette dimension plus empathique que religieuse, alternant moments de tristesse, de gravité, ou d’exaltation, requiert une interprétation intensément engagée.

Celle de ce mardi 4 juin n’avait cependant pas mal commencé. En dépit de quelques flottements entre voix et orchestre, le premier épisode Selig sind, die da Leid tragen, denn sie sollen getröstet werden (‘’Heureux les affligés, car ils seront consolés’’), avec ses cordes graves et ses voix déplorantes, ne manquait pas d’une certaine grandeur. Mais, dès le second chant Denn alles Fleisch, es ist wie Gras (‘’Car toute chair est comme l’herbe’’), phrasés mécaniques et indifférence expressive plombent le dramatisme du morceau. Si la puissance vocale est au rendez-vous, on est en revanche surpris par la timidité du jeu orchestral et son peu de couleurs, cuivres et timbales étant particulièrement en berne. Les chants de joie et de triomphe qui éclatent en fin d’épisode resteront prosaïque et de marbre. Nonobstant les qualités vocales des deux solistes, il en sera malheureusement ainsi tout au long des cinq épisodes suivants.

Exprimant leur sentiment d’avoir entendu une œuvre superficiellement expédiée, des mélomanes et des musiciens présents ce soir-là accusaient la rapidité des tempi adoptés par Shokakhimov. Pourtant, dans les magnifiques enregistrements qu’ils ont laissé, des chefs comme Lorin Maazel et Otto Klemperer nous ont montré que puissance expressive et rapidité du tempo étaient parfaitement compatibles. Enregistré à Londres en 1961, Klemperer, une fois n’est pas coutume, s’avère le plus rapide de la discographie, donnant l’oeuvre en moins de soixante-huit minutes ! Herbert von Karajan, autre grand interprète de l’oeuvre et chef réputé plutôt agile, la jouait généralement en soixante-quinze minutes…

Les jeudi 23 et vendredi 24 mai, l’orchestre avait accueilli le jeune violoncelliste espagnol Pablo Ferrandez pour la partie soliste du Don Quichotte de Richard Strauss. On aura apprécié la plénitude et la chaleur de sa sonorité, de même que le côté vivant et vigoureux de son jeu. L’orchestre, sous la direction de son chef, lui offrit en prime un panorama musical rendant justice à l’une des orchestrations les plus raffinées du compositeur. Seule petite réserve : cette belle opulence sonore atténue quelque peu la dimension narrative et ironique du poème symphonique de Richard Strauss.

Le grand moment de la soirée fut la Symphonie fantastique d’Hector Berlioz. Datant de 1830, contemporaine de l’Hernani de Victor Hugo et du tableau de Delacroix (récemment restauré) La liberté conduisant le peuple sur les barricades, le chef d’oeuvre symphonique de Berlioz fut complété un an plus tard d’une suite mélodramatique intitulée Lélio, véritable manifeste du romantisme musical français dont on regrette qu’il soit si rarement donné. Dès l’introduction largo du premier mouvement – Rêveries, passions — les cordes étaient magnifiques et l’atmosphère onirique à son comble ! Avec la venue de l’allegro, on put être surpris que l’ambiance demeure un rien plus onirique que volcanique ; mais, lors du climax passionnel concluant ce premier épisode, Shokakhimov libère toutes les forces de l’orchestre, avec un dosage des pupitres parfait. Comme souvent avec le jeune chef, phrasé et articulation sont plutôt resserrés, mais cette fois sans la moindre crispation : l’air circule entre les notes et la grande ligne se montre évidente. L’élégance chorégraphique du second mouvement, Un bal, est proprement enthousiasmante. Rien à voir avec le triste fragment entendu lors du concert de présentation de la saison…Tout l’adagio suivant – Scène aux champs – baigne dans un climat poétique des plus prenants, avec un orage lointain fort réussi. Après une Marche au supplice introduite dans une magie sonore rarement entendue, le dernier mouvement Songe d’une nuit de Sabbat déploie une variété d’ambiances et un déluge de timbres (les éclats sarcastiques des cuivres!) digne d’éloges.

Dans l’histoire de l’OPS, deux chefs avaient jusque maintenant marqué de leur empreinte la Fantastique de Berlioz : Marc Albrecht et, plus anciennement, Alain Lombard. Aziz Shokakhimov s’inscrit dans leur sillage.

Michel Le Gris