Archives de catégorie : Ecoute

Zones

Virtuose dès son
plus jeune âge et
élève de Pierre
Hantaï, la
claveciniste
américaine Lillian
Gordis nous
embarque
littéralement dans
l’univers de ce
Scarlatti qu’elle
connaît
particulièrement
bien. Baptisé
Zones, son album surprend par sa liberté artistique. Son
interprétation témoigne d’une fluidité impressionnante combinée
à une prodigieuse virtuosité et laisse entendre un Scarlatti
rafraîchi. Et s’attaquer à ce dernier tant au piano qu’au clavecin
requiert assurance et maîtrise technique. On ne s’y risque pas
sans dégâts et il faut être Ivo Pogorelich ou Pierre Hantaï pour
oser se confronter au maître.

Audace de la jeunesse ? Travail acharné ? Inspiration du maître ?
Peut-être les trois finalement tant l’interprétation de Lillian
Gordis semble aérienne et profonde à la fois. En tout cas, rendons
grâce à la musicienne d’honorer d’une si belle manière ce génie
révolutionnaire injustement oublié. Peut-être le clavecin tel que
vous ne l’avait jamais entendu…

Par Laurent Pfaadt

Zones,
Domenico Scarlatti, Lillian Gordis,
Paraty

Rains

Le nouvel
enregistrement
des percussions de
Strasbourg
consacré à la
création
contemporaine
japonaise permet
de se familiariser
avec cet univers
singulier et
emprunte à la
tradition musicale
du Japon pour le
confronter à la modernité. De ces interprétations, une nouvelle
fois superbement maîtrisées et qui fait la renommée mondiale des
percussions de Strasbourg, découle une palette assez large
d’émotions : à l’oppression ressentie chez Hosokawa et Kishino
succède celle, plus martiale et plus primitive, de Yoshihisa.

Rain Tree de Toru Takemitsu, certainement le compositeur nippon
le plus célèbre, appartient à un autre monde. Littéralement «
l’arbre de pluie », l’œuvre se veut moins une démonstration qu’une
inspiration. L’utilisation du vibraphone combinée aux marimbas
procure une sensation de poésie, presque de rêve, un peu comme
les mots de Kenzaburō Ōe. Une fois de plus, avec ce disque, les
Percussions de Strasbourg jouent les avant-gardistes. Il est
toujours agréable de trouver des musiciens et des formations
musicales prêtes à sortir des sentiers battus et à proposer des
créations de compositeurs amenés très certainement, dans
plusieurs décennies, à devenir des classiques.

Par Laurent Pfaadt

Rains
Hosokawa – Kishino – Taïra – Takemitsu,
Les Percussions de Strasbourg,
Outhere, Believe Digital

Salieri expose ses talents

Un opéra méconnu
du compositeur
viennois. Une
splendide
redécouverte

Tout le monde
connait les Noces de
Figaro
d’après
Beaumarchais. Peu
en revanche savent
que ce dernier
écrivit la pièce
ainsi que le livret
de l’opéra Tarare d’Antonio Salieri, le compositeur jaloux du génie
de Mozart dans le film Amadeus. Grâce aux Talens lyriques et à
son chef, Christophe Rousset, il est enfin possible d’apprécier ce
petit bijou dans son intégralité. Il faut dire que le chef ne
s’aventure pas en terrain inconnu puisqu’il a mis en musique l’an
passé les Horaces de ce même Salieri qu’il affectionne par ailleurs (voir interview).

De Paris au Japon en passant par Bucarest ou Vienne, la formation
musicale des Talens lyriques est aujourd’hui incontestablement
l’un des meilleurs ambassadeurs de la musique baroque française.
Elle brille une fois de plus dans cette interprétation qui mêle
intelligemment le lyrisme d’un Salieri et l’espièglerie de
Beaumarchais sans omettre le message politique de ce dernier. Il
faut dire que le maestro s’est appuyé sur l’excellent centre de
musique baroque de Versailles toujours enclin à promouvoir des
pans méconnus du répertoire français.

Les habituels compagnons de route de Christophe Rousset et
devons-nous dire de Salieri sont, une nouvelle fois, réunis : Judith
van Wanroij, impériale dans la Nature et Spinette notamment
dans le Prologue, Tessis Christoyannis et Cyrille Dubois qui
interprète le rôle-titre de Tarare. Ils sont rejoints par de nouvelles
voix dont Enguerrand de Hys et surtout par l’une des plus belles
sopranos françaises, Karine Deshayes qui campe une sublime
Astasie, la bien-aimée de Tarare. Sa voix puissante et
charismatique explose véritablement dans son duel avec Spinette
dans le quatrième acte, venant ainsi couronner une production en
tout point réussie.

Les Talens lyriques seront dans les prochains mois au Théâtre des
Champs-Elysées (24 septembre),
à l’arsenal de Metz (30 novembre) et
au Wiener Staatsoper de Vienne (8-15 novembre).
A ne pas rater donc.

Par Laurent Pfaadt

Antonio Salieri, Tarare, Les Talens lyriques,
dir. Christophe Rousset, Aparté

Mavis Staples

Dans l’un de ses
plus beaux live,
Hope at the Hideout
(Anti, 2008), Mavis
Staples promettait
à son public de
revenir. Avec We
get by
(« On fait
face »), elle a tenu
sa promesse et de
quelle manière ! En
compagnie d’un
Ben Harper qui a produit et écrit ce
disque, elle nous offre certainement après You are not alone (Anti,
2010) l’un de ses plus beaux albums. La patte blues-rock du
chanteur qui s’offre un duo avec Mavis Staples sur la chanson
éponyme de l’album est immédiatement reconnaissable et produit
une merveilleuse alchimie.

Album après album résonne toujours l’ardent message d’amour et
de justice de Mavis Staples qui va au-delà de la musique. Sa voix,
ensorcelante, n’est pas uniquement un chant. C’est une prière,
continue, contagieuse sur ces accords portés par l’incroyable
guitare de Rick Holmstorm, compagnon de longue date de Staples,
notamment sur le titre Heavy in mind où perce une forme de
douleur mélancolique, non cicatrisée, celle qui s’étale sur la
pochette de l’album. Cette voix qui résonne depuis la marche de
Selma au côté de Martin Luther King contient un espoir, une force
qui ne s’est jamais tarie et qui, en ces temps agités, doit être
écoutée, entendue, relayée.

Par Laurent Pfaadt

We get by, Anti

Bach and Co

Après un détour
par la Venise
baroque dans un
disque salué par la
critique, Thibault
Noally et les
Accents nous
convie cette fois-ci
à un nouveau
voyage musical,
direction
l’Allemagne de
Bach et de ses contemporains. Ce
disque est, il faut le dire, assez plaisant puisqu’il oscille entre les
concertos des deux figures de proue du baroque allemand (Bach et
Telemann) et les œuvres de compositeurs quelque peu oubliés. Et
à l’écoute d’un Johan David Heinichen ou d’un Christoph Förster,
force est de constater que la figure du cantor de Leipzig a parfois
été injuste avec ses contemporains que l’histoire musicale a réduit,
à tort, à des acolytes.

Ce plaisir ne serait rien sans la très belle interprétation de cette
formation musicale dont la plastique est proprement stupéfiante,
capable de se mesurer à la puissance bachienne (avec seulement
deux violons !) et d’adopter une approche proche de l’intime
comme dans le concerto de Johann Friedrich Fasch où le hautbois
d’Emmanuel Laporte fait des merveilles. Une belle découverte
donc.

Par Laurent Pfaadt

Les Accents, Thibault Noally,
Aparté

1939

Ces trois concertos
pour violon
composés en 1939
et regroupés ici
offrent, de la
Grande-Bretagne à
la Hongrie en
passant par
l’Allemagne, un
panorama musical
de cette année
1939. Ceux de
Walton et de Bartók sont les
plus connus à la différence du concerto funèbre de Karl Amadeus
Hartmann, inspiré par l’invasion de la Tchécoslovaquie en 1938
mais joué pour la première fois en 1959.

La tension est immédiatement palpable, la violoniste Fabiola Kim
parvenant magnifiquement à retranscrire cette angoisse, bien
soutenue par un orchestre très à l’écoute. Son violon est lumineux,
excellant aussi bien dans les morceaux de bravoure que dans les
mouvements plus lents en leur conférant un supplément d’âme qui
accentue cette dramaturgie qui se dégage de ces œuvres. Fabiola
Kim qui assume sans complexité l’héritage des monstres sacrés
qui ont porté ces œuvres (Heifetz, Schneiderhan et Szekely) ne
devrait donc pas rester longtemps une inconnue du grand public.

Par Laurent Pfaadt

Violin Concertos by Bartók, Hartmann and Walton – Fabiola Kim –
Münchner Symphoniker,
dir. Kevin John Edusei,
Solo Musica, Sony

Wilhelm Furtwängler, The Radio Recordings (1939–1945)

Drôle de sensation à
l’écoute de ce coffret
qui se veut être
autant un voyage
dans l’histoire de
l’orchestre le plus
prestigieux du
monde en compagnie
de la légende
Furtwängler qu’un regard perplexe d’une musique mise au service
du plus grand totalitarisme du 20e siècle. Car comment ne pas
écouter les Maîtres chanteurs de Nuremberg de Richard Wagner
sans penser à la jubilation du Führer et aux millions de morts de la
Shoah ? Car cette musique est indissociable de l’histoire qu’elle
servit.

Il n’en demeure pas moins que ce prodigieux travail de restauration
qui a permis de retrouver le son originel, sert un coffret contenant
de véritables pépites et des interprétations de légende à jamais
inégalées comme par exemple le quatrième concerto de Beethoven
par Conrad Hansen ou l’interprétation de la première symphonie du
maestro. Ces concerts font au final de ce coffret, une pièce
indispensable à la discothèque de tout mélomane et de tout
admirateur des Berliner Phliharmoniker.

Par Laurent Pfaadt

Berliner Philharmoniker recordings

Angélique Kidjo, Célia, Decca

C’est ce qui s’appelle
une rencontre au
sommet. Après Nina
Simone et Myriam
Makeba, Angélique
Kidjo, l’une des plus
grandes voix
africaines, rend
hommage dans son
nouvel album à la
légende de la salsa
cubaine, Célia Cruz
(1925-2003).
Baptisée simplement
Célia, cette aventure musicale pouvait apparaître risquée voire
hasardeuse mais s’est, au final, transformée en triomphe.

Il faut dire que la voix puissante et si charismatique d’Angélique
Kidjo a très vite su convaincre. Maniant parfaitement les rythmes
chaloupés et les modulations vocales hispanisantes, Angélique Kidjo
a fait de cette musique un véritable carnaval de couleurs même si
celui-ci est moins virevoltant que par le passé. Cela n’enlève rien au
plaisir que l’on ressent, magnifié d’ailleurs par des instrumentistes
de talent comme le saxophoniste anglais Shabaka Hutchings.
Transcendé, ce voyage prend alors des allures de manifeste.

Par Laurent Pfaadt

Rencontre Interview avec Kinan Azmeh

« Nous créons de l’art à partir
d’expériences émotionnelles qui
sont plus complexes que ce que
nous vivons dans la vie. »

Le compositeur et célèbre
clarinettiste syrien, Kinan
Azmeh évoque pour
Hebdoscope son dernier album,
Uneven Sky où se côtoient ses
propres compositions et celles
de compositeurs du monde
arabe.

Quelle place occupe la clarinette dans la musique orientale ?

C’est une question délicate car la clarinette est bien entendue
présente dans le jazz, le répertoire classique occidental, dans les
traditions musicales turque et grecque et dans les musiques
balkaniques et klezmer. Mais, pour de curieuses raisons, sa présence
fut relativement limitée dans le monde arabe. Ainsi, alors qu’elle est
l’instrument prédominant dans les ensembles turcs et grecs, ce n’est
pas le cas dans leurs homologues traditionnels arabes.

Quelles ont été vos influences sur ce disque car ces dernières
semblent classiques, contemporaines, cinématographiques,
occidentales et orientales ? 

Il est difficile pour moi de nommer toutes mes influences car j’ai été
exposé à une variété de musiques. Je pense que la musique est un
continuum et ne crois pas à une division des cultures occidentales et
orientales. J’ai une formation classique et j’ai grandi en jouant
Mozart ou Brahms tout en étant exposé à Damas, à ces musiques qui
cohabitaient là-bas, arabe, kurde et arménienne notamment. Puis, ici
à New York, j’ai subi d’autres influences. Je suis donc exposé à ce que
j’aime et j’ai un appétit insatiable pour explorer de nouveaux
territoires musicaux.

Parlez-nous de votre collaboration avec Yo-Yo Ma ?

Ce fut un incroyable honneur et privilège de travailler étroitement
avec lui et l’ensemble Silkroad. Lorsque l’Elbphilharmonie de
Hambourg me demanda de composer un duo avec lui pour
l’inauguration de la salle, j’ai eu l’impression de vivre un rêve. Yo-Yo
Ma a cette incroyable capacité de transcender l’instrument pour
aller directement à l’idée. Il nous rappelle que l’idée et sa manière de
la communiquer demeurent primordiales. Le reste n’est instrument.

Quels ont été vos sentiments lorsque vous avez composé la suite
Ibn Arabi qui apparaît si mélancolique ?

Cette œuvre relate un voyage d’Ibn Arabi, le philosophe, l’humaniste
et sa quête du savoir. Si je pouvais décrire les sentiments que
j’éprouve lorsque je compose, je ne composerai pas. Le plus
important pour moi dans la musique est que nous créons de l’art à
partir d’expériences émotionnelles qui sont plus complexes que ce
que nous vivons dans la vie.

Kinan Azmeh, Uneven Sky, Yo-Yo Ma,
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin,
dir. Manuel Nawri, Dreyer Gaido, Eastern Voices

Par Laurent Pfaadt

Mary Queen of Scots

La force d’un grand
film tient bien
souvent à sa
dramaturgie. Mais
celle-ci doit être
portée par une
grande musique.
Souvent de très bons
films ont été
massacrés par une
musique
inappropriée ou
volontairement
décalée. Rien de tel ici, bien au contraire. Grace à la puissance de sa composition, la
musique de Max Richter, compositeur issu du minimalisme,
influencé par Steve Reich notamment et rendu célèbre par sa
réinterprétation des Quatre Saisons de Vivaldi (DG, 2012),
transcende un film à la beauté stupéfiante.

Utilisant dès l’ouverture, un motif répété aux percussions, Richter
donne ainsi le ton, celui d’un récit épique qui avance lentement vers
la tragédie de la reine Marie d’Ecosse. La passion de Richter pour la
musique de la Renaissance est immédiatement perceptible.
Cependant, la grande force et la beauté de sa composition résident
dans sa capacité à la rendre contemporaine. Cela donne au final
quelque chose qui ressemble à l’Akhnaten de Philip Glass. Un récit
historique musical qu’on ne se lasse pas d’écouter et qu’y s’apprécie sans images.

Par Laurent Pfaadt

Max Richter, Mary Queen of Scots
Chez Deutsche Grammophon.