Archives de catégorie : Cinéma

Sans un bruit : jour 1

Un film de Michael Sarnoski

Six années après le très bon premier film imaginé et mis en scène par John Krasinski (qui en d’ailleurs a fait une suite tout aussi efficace deux années plus tard), l’histoire est envisagée sous un nouveau jour, celui où les effrayantes créatures ont atterri sur notre belle planète.


John Krasinski est toujours derrière l’histoire, mais c’est aujourd’hui Michael Sarnoski (Pig, son sympathique premier long-métrage, mettait en scène Nicolas Cage à la recherche de son cochon dénicheur de truffes) qui met son scénario en image. Le concept est ici légèrement différent, dans la mesure où nous ne suivons pas des individus ou groupes s’efforçant de survivre à une menace désormais bien connue et installée, mais assistons à l’arrivée (pas vraiment expliquée) des aliens par les airs, le jour où ils s’abattirent sur New York. Les premières images donnent le ton, comme pour faire ressortir le contraste avec la situation ultérieure : New York en début de journée, un bruit incessant, une activité grouillante, une énergie impalpable, un lieu où le silence ne peut exister. Et pourtant, il suffira de quelques traînées de feu dans le ciel et de quelques explosions au sol pour que tout soit profondément changé.

Nous faisons la connaissance de Sam, une jeune femme poète, soignée dans la banlieue dans un centre de soin palliatifs pour patients atteints de cancers. Acerbe et prête à tout pour aller manger une bonne pizza, elle accepte l’offre de Reuben (un infirmier avec lequel elle s’entend bien) de se rendre à New York pour assister à un spectacle à Manhattan, et de passer ensuite récupérer sa pizza avant de retourner au bercail. La sortie sera de courte durée, très vite le petit groupe devra se rassembler pour prendre le chemin du retour suite à des informations inquiétantes. Problème : le centre-ville deviendra un abattoir à ciel ouvert avant qu’il puisse le faire.

Michael Sarnoski filme sa menace comme son prédécesseur : dans un premier temps, on ne distingue pas les créatures, ou très peu (New York étant recouverte d’une épaisse couche de poussière/fumée lié à la chute des météorites et des incendies que celles-ci ont provoqué). Ce n’est qu’après plusieurs scènes qu’elles apparaissent, tout d’abord partiellement, puis dans toute leur laideur. Cohérence scénaristique oblige, leur apparence n’a pas été modifiée. Elles sont toujours autant longilignes, rapides et puissantes, aveugles et dotées d’une ouïe sur-développée. La ville dévastée s’est vidée de ses habitants, les survivants de la première heure se sont terrés dans les bâtiments dans l’attente d’instructions des autorités. Celles-ci ne tarderont pas, les survivants doivent se rendre aux principaux embarcadères de Manhattan, les ponts reliant l’île au reste de la ville ayant été détruits par l’armée américaine afin d’isoler la menace. Là, des bateaux viendront les récupérer pour les mettre en lieu sûr.

Sam va rencontrer Eric, un jeune étudiant anglais et faire un bout de chemin avec lui. Michael Sarnoski filme les scènes que les deux personnages partagent avec beaucoup de sensibilité, malgré la contrainte technique liée à l’absence de bruit. Ce duo réunit par les événements, bien que composé de personnalités aussi dissemblables que possible (Sam est courageuse, Eric beaucoup moins) va traverser les épreuves et réaliser le destin qu’il s’est finalement choisi. Au détour de quelques jolis épisodes (lorsque Sam et Eddie partagent une pizza, avant que le premier surprenne la seconde avec des tours de cartes, au cœur d’un piano bar désert et épargné par les flammes), les deux survivants arrivent à se connaître et s’apprécier. Et feront un bout de chemin ensemble.

Successeur de John Krasinski, Michael Sarnoski adapte l’histoire imaginée par son confrère sous un angle peut-être un peu moins frappant, moins effrayant. Sans un bruit : jour 1 n’en est pas moins un film émouvant, spectaculaire quand il le faut, basé autant sur la menace extra terrestre, saisissante, que sur le lien unissant les rescapés. Pour ceux qui découvrent aujourd’hui l’histoire, Sans un bruit : jour 1 est l’occasion de se plonger dans le concept en regardant Sans un bruit (2018), et sa suite, Sans un bruit 2 (2020).

Avant d’y revenir prochainement, un jour 2 étant prévu en 2025…

Jérôme Magne

Roqya

Un film de Saïd Belktibia

Basé autour de souvenirs d’enfance de son metteur en scène, Roqya est un film qui mêle plusieurs genres. Le thriller y côtoie le fantastique, au cœur d’une chasse à la sorcière éprouvante.


Présenté il y a quatre mois hors compétition au 31ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, le film y a reçu un accueil plutôt chaleureux. Dans cette histoire de persécution que subit une jeune maman élevant seule son fils, Saïd Belktibia a mis des souvenirs de son enfance agitée. A l’époque, sa mère le pensait habité par un esprit maléfique (un djinn), et avait justement eu recours à la roqya, cette médecine prophétique se rapprochant de la sorcellerie dans sa manière d’aborder les maladies occultes telles la possession.

L’élément surnaturel justifiait donc la présence du long-métrage dans la prestigieuse manifestation vosgienne, même si les autres facettes (thriller, drame social) étaient tout autant présentes.
Invité sur la grande scène de l’Espace Lac avec deux de ses comédiens, Saïd Belktibia s’était exécuté de bonnes grâces, promettant au public son lot d’émotions fortes. La suite allait lui donner raison, le film ne donnant pas une seconde de répit au spectateur sur sa durée (90 minutes). Après une courte introduction à base d’extraits de films et documentaires tirés de l’Histoire nous expliquant l’évolution de la sorcellerie et sa perception à travers les âges, nous rencontrons l’héroïne, Nour, interprétée par la toujours très juste Golshifteh Farahani.

Nour vit de contrebande d’animaux exotiques. Elle parcourt le monde à leur recherche et les revend autour de chez elle, dans les banlieues de Paris, à des rebouteux pratiquant la roqya. Très populaires, ces guérisseurs supposés ont en effet besoin d’ingrédients, plantes et animaux en tout genre afin de fabriquer leur remèdes miracle. Et ceux-ci ne peuvent pas être achetés au coin de la rue. C’est donc là que Nour intervient. Au moment où nous faisons sa connaissance, sa petite affaire prend de l’envergure.

Embringuée dans une séparation douloureuse, Nour jongle entre son activité prenante, en plein essor (elle est d’ailleurs sur le point de mettre en ligne son site internet, suite au succès de son petit commerce) et la garde de son fils, au cœur d’un conflit avec un père de plus en plus pressant (interprété par Jérémy Ferrari). Le début du film nous présente Nour comme une femme pleine de ressources, très énergique, dont on ne sait si elle est juste une banale arnaqueuse, ou si elle possède réellement un don de guérisseuse.

La démarche du réalisateur est directe et efficace : en quelques scènes il a fait le portrait de cette mère courageuse et de sa vie compliquée. Habitant une barre de banlieue parisienne, Nour n’a pas beaucoup de moyens, bricole beaucoup, se débrouille et est à l’orée de l’expansion de son business. Attachante, elle espère que ce site internet lui permettra de prendre une autre dimension. Nour a du cœur, elle aura l’occasion de le prouver.

Mais suite au décès d’un gamin perturbé qu’elle suivait, elle va se voir pourchassée par toute une meute de la cité où elle habite. Pire, les réseaux sociaux qui jusque là la portaient aux nues et avaient contribué à l’essor de son commerce, font subitement marche arrière, devenant le vecteur de l’ire populaire, en participant en temps réel à une véritable chasse aux sorcières. Après avoir bien pris le temps de caractériser ses personnages (l’héroïne, son ex mari, ses voisins, tous ont droit à une attention particulière), le metteur en scène enchaîne sur une cavale très réaliste. Que ce soit à travers les couloirs ou les caves de ces grands immeubles de banlieue ou dans les rues à la nuit tombée, Saïd Belktibia nous fait partager la fuite de son héroïne, qui a enfin compris le côté dangereux de son petit commerce. Mais peut-être une peu tard…

Dans sa dernière partie, Roqya embrasse pleinement l’aspecte fantastique de son histoire. Nour décide de mettre en pratique ce qu’elle a étudié de la roqya pour se défaire de ses poursuivants en quête d’un bon lynchage. Elle utilisera au passage des méthodes radicales que les amateurs d’hémoglobine apprécieront (cf. son utilisation de la pompe à vide). Roqya est un film intéressant à bien des égards. Abordant la religion, la situation des banlieues et le surnaturel, il nous bringuebale aux côtés de son attachante héroïne dans une frénésie d’action qui ne se calme qu’aux toutes dernières images, nous montrant Nour et Amin sur un bateau, prêts à démarrer une nouvelle vie…

Jérôme Magne

Petites mains

un film de Nessim Chikhaoui

Nessim Chikhaoui avait réalisé Placés, sorti en 2022, nourri par son expérience d’éducateur. Il s’intéresse ici au monde des hôtels de luxe où une clientèle richissime côtoie sans les voir les hommes et les femmes qui y travaillent. Des mouvements sociaux avaient fait parler avec les « Kellys » en 2017, en Espagne, et en 2021, le groupe Accor avait cédé face à une grève de près de deux ans de l’hôtel Ibis Batignolles. Petites mains a été inspiré par ces luttes.


Les petites mains, ce sont les femmes de chambre de l’Aston Palace, Violette, Safiatou, Aïssata et toutes les autres qui font le ménage de ces chambres à 9000 euros la nuit pour un salaire de misère. Elles sont externes, c’est-à-dire qu’elles ne sont pas employées par l’hôtel et sont envoyées par des sociétés de sous-traitance. De ce fait, elles n’ont pas les avantages des rares internes – prime, plateau repas, croissant du matin … surtout, elles sont sous-payées et exploitées dans des conditions de travail qui frisent la maltraitance : un aspirateur pour tout un étage et des produits d’entretien qu’elles doivent parfois elles-mêmes fournir à leurs frais. Les cancers liés à ces produits toxiques ne sont pas rares dans cette profession. Ces femmes se dévouent corps et âme avec la nécessité de nourrir leurs enfants et l’envie de les voir réussir leur vie. Aussi, les Cégétistes manifestent sous les fenêtres du Palace rejoints tous les jours par d’autres femmes de chambre qui n’en peuvent plus d’être invisibles, ni écoutées.

Eva, toute jeune venue, remplace l’une des grévistes. Elle est encadrée et formée par une interne, Simone, jouée par Corine Masiero qui, décidément, mérite bien d’autres rôles que celui du Capitaine Marleau. Elle est ce que ces femmes vont devenir le temps passant – corps malmené, perclus de douleurs à force de gestes épuisants et de charges à porter. Eva, c’est Lucie Charles-Alfred, révélée dans Placés et qui confirme ici un jeu pétillant et habité, prometteur pour les autres rôles que le cinéma ne manquera pas de lui offrir.

Petites mains traite un sujet sérieux sur un ton positif et joyeux. Les actrices qui jouent Violette, Safiatou et Aïssata : Salimata Kamate, Marie-Sohna Condé et Maïmouna Gueye, ont une énergie qui porte le film et elles offrent des moments de pure comédie. Ce sont pourtant des situations dont le réalisateur a entendu parler. Violette vient travailler avec les cheveux teints d’une couleur trop olé-olé et elle est obligée de se rendre chez le coiffeur pour en changer, perdant ainsi sa journée de travail et son salaire. Ou encore, une séquence désopilante dont il serait dommage de révéler le contenu, très charmante et incongrue, dénonce toutefois le caprice d’un client, de ces clients richissimes qui se croient tout permis. Scénario subtil co-écrit avec Hélène Fillières qui nous préserve des scènes plombées et posées au profit de la fantaisie dans un milieu aux codes rigides. Le contraste crée la surprise. Belle idée aussi, au cœur de l’enjeu de la réalisation, que le mode d’action choisi par les femmes de chambre pour se faire entendre des « patrons » : un défilé festif et musical sous les fenêtres du Palace pendant la Fashion Week, sous la houlette de Kool Shen, étonnante incarnation du syndicaliste à barbe en collier et lunettes carrées, porte-voix de ces femmes.

Face à ces mères résignées qui enfin se révoltent, Simone, femme au corps cassé est mise à la retraite prématurément, jugée inapte à travailler. Mais encore, c’est la tendresse et l’espoir qui prévalent avec des liens affectifs qui se nouent entre elle et un professeur de claquettes et avec Eva. Eva incarne la jeune génération pour qui rien n’est joué et qui peut, elle, décider de son destin. Eva mais aussi Ali, formidable Abdallah Charki, 1er rôle dans Ma part de Gaulois et bientôt dans la Saison 3 d’Hippocrate. Pour Les Petites Mains qui sort le 1er mai, tous les astres sont alignés pour que le film rencontre un joli succès.

Elsa Nagel

Borgo

Un film de Stéphane Demoustier

Après La Fille au bracelet (2019), le réalisateur interroge de nouveau un beau personnage féminin qui se dérobe à toute vérité. Magnifique enquête inspirée d’un fait divers, Borgo est l’occasion pour Hafsia Herzi de jouer une partition toute de nuances face à des acteurs pour la plupart non professionnels, dans un film qui prend ses distances par rapport aux clichés sur « l’île de Beauté ».


Derrière ce titre aux consonances mystérieuses, une prison en Corse qui défraya la chronique quand l’une de ses matonnes fut impliquée dans l’assassinat de deux caïds. Si le mode opératoire du meurtre est le même dans le film, le réalisateur tient à préciser qu’il s’agit d’abord d’une fiction, s’étant intéressé à cette femme et à ses motivations mais sans enquêter sur l’affaire elle-même hormis sur l’univers carcéral. Hafsia Herzi campe ce personnage en lui prêtant sa capacité à être à la fois mystérieuse et d’une grande force terrienne. Elle est crédible en uniforme de gardienne de prison à la fois autoritaire face aux hommes dont elle a la garde dans cette prison pas comme les autres et compréhensive, généreuse avec eux. Borgo est une prison ouverte où il est permis de circuler d’une cellule à une autre et quand dans d’autres prisons, la crainte d’un règlement de compte pèse, ici le pacte de non-agression est tenu. Cette prison appelée le Club Med ou l’Hôpital, n’accueille que des Corses.

Aussi, lorsque Mélissa et Djibril, son mari, avec leurs deux enfants, débarquent du continent, Mélissa trouve en prison une structure bienveillante et amicale quand dans le quartier où la petite famille s’est installée, elle subit le racisme et les invectives. Il est dit que ce sont « les prisonniers qui surveillent les gardiens ». Tout se sait dans cette petite ville, et les murs sont poreux entre l’extérieur et l’intérieur. Mélissa, que les prisonniers surnomment Ibiza à cause de la chanson de Julien Clerc, trouve un protecteur inattendu en Saveriu qui dira même à qui veut l’entendre qu’elle est sa « sœur ». Petit à petit, elle va se retrouver dans un engrenage jusqu’à ce double homicide dans un aéroport où elle se trouve impliquée. Manipulable ? Manipulée ? Manipulatrice ? Le film n’apporte pas de réponse mais joue sur le double point de vue objectif/subjectif des enquêteurs et de Mélissa que l’on suit dans son quotidien. Le choix de Hafsia Herzi s’est fait sur sa capacité à être dans le vrai. Elle a préparé son rôle en amont comme à son habitude (voir critique du Ravissement sur Hebdoscope) et son interprétation est remarquable.

Comment trouver sa place ? Comment se faire respecter dans ce monde d’hommes biberonnés à la violence ? Comment franchir ou ne pas franchir la ligne quand elle-même les comprend, subit les injonctions, les règles hiérarchiques ? Séquences mémorables où Mélissa remonte pièce par pièce une arme et plus tard prouve ses talents au tir sur une petite plage corse. Les enquêteurs (Pablo Pauly et l’inénarrable Michel Fau, tellement inattendu dans son rôle de flic dans la retenue) analysent les images de la caméra surveillance de l’aéroport où a eu lieu la tuerie. Tous les angles de vue sont passés au crible, chaque individu est observé, identifié, et pourtant la vérité se dérobe et s’éloigne à mesure d’une enquête sans indices.

Le film joue sur l’enquête en cours d’un évènement qui a eu lieu et qui se joue au temps présent. Le spectateur a toutes les cartes en main mais qui dira savoir pourquoi et comment Mélissa a agi ? Sur une partition somptueuse du grand Philippe Sarde, notre mémoire cinéphilique est éveillée, notamment sur les routes de campagne la nuit, no man’s land qui défile à la lumière des phares, et l’on pense à ces héroïnes tragiques du patrimoine cinématographique qui courent à leur perte mais restent toujours des héroïnes.

Elsa Nagel

Vampire humaniste cherche suicidaire consentant

Un film d’Ariane Louis-Seize

Présenté hors compétition lors de la 31 édition du Festival International du Film Fantastique de Gérardmer il y a deux mois, la comédie horrifique québecoise sort en fin sur nos écrans.


Une famille aimante (presque) comme les autres…

C’est là une excellente surprise, tant les sorties cinéma des films de genre projetés lors de la manifestation sont parfois aléatoires. Présente pour parler de son film, la réalisatrice québecoise Ariane Louis-Seize avait fait le déplacement en terre vosgienne, où la figure éminente du vampire était bien évidemment la bienvenue. Mais sa manière de l’aborder allait en étonner plus d’un…

Avant la projection, Ariane Louis-Seize allait parler de son film pendant cinq bonnes minutes sur la grande scène de la salle de l’Espace Lac, charmant accent québecois à l’appui. Son langage imagé était rafraîchissant, et son enthousiasme traduisait sa sincérité. À l’issue de son intervention, le public était impatient de voir le rideau se lever.

Surprise, les canines sont de sortie !!!

Tout commence avec l’anniversaire de Sasha, petite fille choyée au cœur d’une famille pas comme les autres. Sa famille lui offre pour l’occasion un cadeau lui aussi pas comme les autres, mais elle le dédaigne. Car Sasha est une jeune vampire dont les canines refusent de sortir, et qui refuse de tuer pour se sustenter. Elle éprouve une réelle empathie pour le genre humain, empathie qui l’empêche de pourvoir à ses besoins par elle-même. La famille est donc obligée de s’organiser pour la nourrir, ce que la mère ne supporte plus. Le père s’inquiète également beaucoup quant à l’absence d’autonomie de sa fille (les vampires vivent certes bien plus longtemps que les humains, mais ne sont pas immortels, que deviendra-t-elle lorsque ses parent auront disparu ?), mais il ne peut se résoudre à la forcer à tuer.

Finalement, la famille décide alors que c’en est fini, plus de pochettes de sang qui l’attendront au frigo au gré de ses fringales. Sasha devra s’installer avec sa cousine, Denise, qui aura la lourde tâche de lui apprendre enfin à chasser et tuer. Il lui faudra de la patience, et une bonne dose de chance. Le destin mettra Paul sur le chemin de Sasha. Rencontré un soir de vadrouille à la sortie d’un bowling, Paul est un lycéen dépressif qui vient de rater sa tentative de suicide. Il va partager son mal-être avec Sasha, et les deux « adolescents » vont peu à peu se rapprocher, en participant tous deux à des groupes de soutien pour les personnes en détresse psychologique. Très vite, Paul partage avec Sasha son envie d’en finir avec l’existence. L’occasion rêvée pour Sasha de prendre enfin son envol, sans se départir de sa compassion pour le genre humain. Mais si Sasha est prête à exaucer le souhait, elle veut néanmoins qu’il réalise ses dernières volontés auparavant.

La réalisatrice dresse le portrait touchant de deux êtres qui s’interrogent sur leur avenir, le sens de l’existence et qui vont, au fil du temps, tisser un lien fort entre eux. Sasha et Paul sont faits l’un pour l’autre. La caméra de la réalisatrice parvient à créer des scènes hors du temps, poétiques, tout en satisfaisant à la quête d’hémoglobine de tout vampire qui se respecte. Comédie dramatique, Vampire humaniste cherche suicidaire consentant se permet des moments de franche rigolade (certaines scènes et dialogues sont hilarants, du fait du décalage entre le genre et la réalité), au cœur d’un récit empreint de poésie.

Une adolescente comme les autres…

Avec ses deux personnages principaux très attachants, sa rêverie et son respect du genre, le film se présente comme une Famille Adams bienveillante, finalement confrontée à des dilemmes proches du genre humain. N’appartenant pas au genre vampire, Paul devra être prêt à faire un sacrifice pour pouvoir partager le quotidien de Sasha. Avant d’en arriver là, il sera confronté aux brutes qui le martyrisent au lycée, et bien aidé par Sasha pour l’occasion. Dans le rôle de cette dernière, Sara Montpetit exprime à la perfection les doutes et la mélancolie qui l’habitent, tandis que dans celui de Paul, le comédien Félix-Antoine Bénard fait des merveilles avec son grand regard candide et apeuré. Toujours hésitant, semblant perpétuellement s’excuser d’être là, il donne au personnage de Paul la fragile humanité qui va émouvoir Sasha au plus profond de son être. Sa ressemblance avec le comédien américain Evan Peters est d’ailleurs troublante, pour ceux qui l’ont vu dans le rôle de Vif-Argent dans les films X-Men (et un moins concernant son apparence dans la série Netflix consacrée au sinistre Jeffrey Dahmer).

Ariane Louis-Seize était restée dans la salle toute la durée de la projection. Bien lui en a pris, lorsque le rideau s’est levée elle a pu savourer le tonnerre d’applaudissements qui a suivi.

Jérôme Magne

Sleep

Un film de Jason Yu

Le premier film du Coréen Jason Yu arrive sur nos écrans trois semaines et demi après s’être aventuré en terres vosgiennes. Lors de la 31ème édition du Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, Sleep a en effet décroché le Grand Prix.


Bernard Werber remet le Grand Prix à Jason Yu

Retour sur ce qui a été une des bonnes surprises de la manifestation, qui d’ailleurs cette année n’en manquait pas. Après être passé par la filière du court-métrage, le réalisateur a fait un grand pas en avant avec son premier long. Le film est un modèle d’équilibre, dans lequel comédie et Fantastique se mélangent avec une évidence plutôt rare.
Sleep nous fait partager la petite vie tranquille de Hyeon-soo (le regretté Lee Sun-kyun) et Soo-jin (Yung Yu-mi), un gentil petit couple comme le cinéma asiatique sait si bien les représenter. Habitant un appartement douillet, le couple se prépare à la naissance de son premier enfant. Hyeon-soo est comédien professionnel, mais des problèmes de somnambulisme viennent progressivement perturber sa vie conjugale ainsi que sa vie professionnelle. Au début, son épouse ne s’en inquiète pas. Mais la naissance de leur enfant approche, et les crises de somnambulisme prennent des proportions de plus en plus inquiétantes. Hyeon-soo se défigure en se grattant compulsivement le visage, il vide le frigo et va jusqu’à tenter de sauter par la fenêtre.

Ce ne sont là que les manifestations les plus « normales » de son somnambulisme, nous n’éventerons pas les autres. Jason Yu a écrit le scénario de son film (seul moyen de devenir metteur en scène en Corée du Sud quand on est novice, selon lui), ce qui l’a aidé à savoir quoi filmer et comment le filmer. Sa caméra est intimiste, elle est au plus près du quotidien du couple. La force de son récit réside précisément dans sa capacité à illustrer la vie d’un couple aimant et harmonieux, et sa réaction à une situation inhabituelle. Le Fantastique s’immisce peu à peu dans l’histoire, mais de manière tellement furtive qu’on ne sait comment comprendre les événements. Ce qui est assez plaisant il faut le reconnaître.
Son calvaire prenant des proportions inquiétantes, Hyeon-soo va donc naturellement se tourner vers une clinique spécialisée dans les troubles du sommeil, qui va lui proposer toutes sortes de conseils et de médicaments. Et des petits trucs sur l’aménagement de leur appartement afin d’éviter toute forme d’accident. Au début tout semble aller dans la bonne direction. Mais finalement l’amélioration s’arrête aussi vite qu’elle a commencé. Appelée en renfort, la belle-mère va faire intervenir une médium, et c’est là que le film évolue vers autre chose. La médium sentira une présence malfaisante, très puissante, sans parvenir à en dire plus et à mettre le doigt sur le « fantôme » qui serait la cause des troubles grandissants de Hyeon-soo. Le couple va alors chercher une explication surnaturelle, et se mettre en quête d’événements violents ayant pu toucher leur cercle proche. Commence une recherche fastidieuse auprès des ex petits-amis éconduits. Elle ne donnera pas de résultats tangibles.
Sleep est un film captivant, à l’atmosphère envoûtante. Maîtrisé de la première à la dernière image, le spectateur y partage un moment clef de la vie d’un couple ordinaire. Selon sa propre sensibilité, pour expliquer ce qu’il voit à l’écran, le spectateur empruntera deux directions qui n’ont rien en commun. L’amateur de fantastique choisira naturellement le surnaturel, la poésie, tandis que le rationnel se raccrochera à des éléments plus cartésiens.

Quoi qu’il en soit, chacun trouvera dans Sleep matière à satisfaction. Questionné sur le sujet, Jason Yu s’en est d’ailleurs amusé, se gardant bien de dire de quel côté il se rangeait. Avec sa maîtrise du cadre et de l’espace, le metteur en scène se place déjà comme l’un des grands espoirs du cinéma coréen. L’empathie dont il fait preuve pour ses personnages est le petit plus qui a convaincu les membres du Jury Longs-Métrages du dernier Festival de Gérardmer. Son « feel good horror movie » comme il le décrit lui-même a pleinement mérité son Grand Prix.

Jérôme Magne

31ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer

31ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer.

C’était iy a trente ans, au début du mois de février 1994. Fantastic’Arts naissait au coeur des Vosges à Gérardmer. Le festival prenait la suite du Festival International du Film Fantastique d’Avoriaz, qui s’était tenu dans la station de sports d’hiver de 1973 à 1993. Aujourd’hui la ville de Gérardmer est indissociable du festival, qui rayonne au-delà de nos frontières avec toute sa ribambelle de films primés. La manifestation s’est étoffée progressivement, offrant de nombreux événements en ville, des rencontres littéraires au Grimoire, des masterclass avec d’éminentes figures du Septième Art et de la littérature, des ateliers destinés au jeune public et, il n’y a pas si longtemps, des zombies walks qui grouillaient dans les rues de la ville. La horde bravait des conditions météo parfois rudes.
Pour sa 31ème édition, le festival avait convié deux grands noms de la littérature française pour chapeauter les deux jurys de films en compétition. Bernard Werber (il fait partie du décors, étant quasiment présent à chaque édition) pour le Jury Longs-Métrages, et Bernard Minier pour le Jury Courts-Métrages. Pour départager les 10 films en compétition, Bernard Werber était accompagné de Clovis Cornillac, Jean-Paul Salomé, Caroline Anglade, Sébastien Vaniceck, Mathieu Turi, Mélanie Bernier et Charlotte Gabris. De son côté, l’auteur de polars Bernard Minier était entouré d’Adrien Ménielle, Alice Moitié, Monsieur Poulpe, et Mara Taquin. Sur les 5 jours que durait le festival, le Jury Courts devrait lui départager 5 œuvres. Tout au long de cette (trop?) courte manifestation les écrivains, comédiens, scénaristes, réalisateurs et photographes composant les jurys se sont rendus disponibles, en participant à des tables rondes, des interviews et de longues séances de dédicaces ouvertes au plus grand nombre à l’Espace Tilleul.
Cette année, les films visionnés ont abordé le Fantastique et son bestiaire sous toutes ses coutures. Vampires, sorcières, fantômes, mutants, loups garous, zombies, possessions et sectes en tout genre ont envahi les quatre (bientôt cinq ?) écrans de la ville pour le plus grand plaisir de tous, ces amateurs de sensations fortes venus des quatre coins de France.

Revrgis

Resvrgis, du réalisateur italien Francesco Carnesecchi, s’intéresse à l’émouvante figure du loup-garou, cette créature incomprise soumise aux caprices de la lune. Venu présenter son film à Gérardmer sur la scène de l’Espace Lac, le metteur en scène a tenu à rendre hommage à ses illustres aînés, les Dario Argento et Lucio Fulci de l’époque, qui avaient donné à la terreur à l’italienne ses lettres de noblesse, il y a une éternité. Si son respect pour le genre et son illustration du mythe sont sincères, ils ne permettent pourtant pas à son film de rivaliser avec les grands classiques. Reste quelques belles images (la scène finale) et une créature au look plutôt réussi. Resvrgis était en compétition, mais n’a pas remporté de prix .

Vampire humaniste cherche suicidaire consentant

Présenté Hors Compétition, le film québecois Vampire humaniste cherche suicidaire consentant a été notre petit coup de cœur. Présenté par sa réalisatrice Anne Louis-Seize sur la grande scène de l’Espace Lac, pendant cinq bonnes minutes, son film a été celui qui a recueilli le plus d’applaudissements. Nous l’aborderons plus en détail lors de sa sortie le 20 mars prochain. Sachez seulement qu’il s’agit de suivre la crise d’adolescence (68 ans tout de même !) de Sasha, une vampire qui ne peut se résoudre à mordre et tuer ses proies afin de se sustenter. Ce qui pose problème à ses parents, qui voudraient la voir prendre son envol. Sa rencontre avec Paul, un adolescent lunaire aux tendances suicidaires, va peut-être lui offrir la solution : il est d’accord pour lui offrir sa vie. Anne Louis-Seize a fait l’effort de rester pendant la projection ; elle a ainsi pu assister au tonnerre d’applaudissements qui a parcouru la salle quand les lumières se rallumèrent.

Kaidan, Histoires étranges de fantômes japonais

Kaidan, histoires étranges de fantômes japonais d’Yves Montmayeur, est un documentaire hors compétition sur la J-Horror (Japan Horror), et plus particulièrement sur le sous genre du film de fantômes. Bien que ne pouvant être exhaustif en 1H30, le film illustre la figure du fantôme à travers ses différentes expressions : les contes, le cinéma, le théâtre, la danse, la télévision, le manga. Un voyage peut-être un peu rapide, qui nous a toutefois permis de croiser de grands noms ayant touché au genre : Hideo Nakata, Kiyoshi Kurosawa, Takashi Shimizu, Junji Ito et bien d’autres.

La Morsure

Premier long-métrage de Romain de Saint-Jean Blanquat, La Morsure était présenté hors compétition. Le spectateur y faisait la connaissance de Françoise et Delphine, deux jeunes filles pensionnaires d’un lycée catholique. Supportant mal le carcan religieux, Françoise est persuadée qu’il ne lui reste plus qu’une seule nuit avant sa mort. Elle décide de faire le mur avec son amie, pour se rendre à une fête costumée non loin de là, et vivre pleinement cette dernière soirée. La ballade un peu brouillonne nous fait rencontrer une belle brochette de personnages, certains énigmatiques (mention spéciale à Frédéric Blin, bien loin de son rôle d’Estèves, le neveu des Raymond et Huguette de la série Scènes de Ménages), tous confrontés à des situations improbables. Les amateurs de canines acérées devront s’armer de patience, La Morsure ne partageant qu’un rapport ténu avec le Fantastique (nous n’en dirons pas plus, de peur d’éventer la surprise…). Reste quelques jolies scènes, et des dialogues parfois très justes.

Roqya

Roqya de Saïd Belktibia aborde le thème de la sorcellerie. On y suit le quotidien de Nour, qui vit en faisant de la contrebande d’animaux exotiques qu’elle vend à des guérisseurs pratiquant la Roqya, cette médecine prophétique basée sur des méthodes de guérison occulte. Dans la banlieue de Paris, le trafic de Nour se développe, jusqu’au jour où une consultation vire au drame. Nour deviendra alors la proie d’une chasse aux sorcières, et aura fort à faire pour protéger la vie de son fils ainsi que la sienne.
Roqya s’appuie sur des comédiens qui ont fait leurs preuves : Golshifteh Farahani et Denis Lavant sont de la partie, entourés de comédiens moins connus, mais tout aussi convaincants.

When Evil Lurks

Le film argentin When Evil Lurks de Demian Rugna était très attendu à Gérardmer. Avec son histoire de possession, son style épuré, sa mise en scène efficace, ses effets gore et son imaginaire sur le démon bien développé, le film s’appuyait sur des décors et une musique aux petits oignons. Pas un moment de répit pour le spectateur qui, ravi, n’en demandait pas tant, et imaginait dès le début le pire. Très bien accueilli, When Evil Lurks repartit de Gérardmer avec deux Prix, celui de la Critique, et celui du Public. Bien à sa place au cœur de cette 31ème compétition, le film mérite ses récompenses, et illustre parfaitement ce que l’on cherche à Gérardmer : un mal pernicieux, sournois, et surtout qui a la vie dure…

The Funeral

The Funeral du réalisateur turque Orçun Behran suivait l’étrange ballade de Celam, un conducteur de corbillard solitaire, chargé d’une étrange mission : ramener le cadavre d’un jeune fille à sa famille, dans un coin reculé du pays. Problème, la jeune fille n’est peut-être pas aussi morte qu’elle en a l’air. Roadtrip atypique, The Funeral alterne moments contemplatifs, scènes gores et visions poétiques, en nous faisant parcourir une Turquie aux paysages variés, aux côtés d’un comédien qui n’est pas sans rappeler un certain Nicolas Cage, les fans de l’acteur apprécieront…

Perpetrator

Sélectionné dans le cadre de la compétition, Perpetrator de Jennifer Reeder affichait une certaine esthétique. Dans cette histoire en apparence très simple (un psychopathe enlève des lycéennes issues d’un même quartier) Jennifer Reeder fait quelque chose d’un peu plus original. On y suit la croisade de Jonny, une jeune fille qui subit une métamorphose à l’occasion de ses 18 ans. Elle décide de traquer le criminel. Dommage que le film n’exploite pas plus son imaginaire. Face à la caméra, on retrouve Alicia Silverstone et Chris Lowell, aux côtés de Kiah McKirnan, vue dans la série Vers les étoiles.

It’s a Wonderful Knife

Présenté hors compétition, It’s a Wonderful Knife marquait le retour de Tyler MacIntyre à Gérardmer, 6 ans après son précédent film, Tragedy Girls. Venu présenter son œuvre sur la scène du Lac, le réalisateur américain s’est exprimé avec son débit mitraillette pendant cinq minutes, qui ont paru bien longues au maître de cérémonie David Rault, chargé pour l’occasion de la traduction. Le film est un slasher de Noël, moins cynique que Tragedy Girls, qui remplit honorablement son cahier des charges. Comme souvent, quand c’est bien conçu, comédie et coups de couteaux cohabitent bien.

The Forbidden Play

The Forbidden Play marquait le retour d’Hideo Nakata en terres vosgiennes. Célèbre pour avoir contribué à la vague de films d’horreur asiatiques qui a déferlé sur le monde à la fin des années 90, avec Ring et plus tard Dark Water, le réalisateur nippon n’a rien perdu de son mordant. Il parvient toujours à susciter l’angoisse avec peu de choses. Son film est reparti bredouille, ce qui ne lui retire pas ses qualités.

The Seeding

Premier film du britannique Barnaby Clay, The Seeding récolta le Prix du Jury Jeunes de la Région Grand-Est. Dès l’ouverture le réalisateur pose une chape de plomb sur son histoire. Perte de repères, étouffement, claustrophobie et isolement sont au menu du récit, qui nous fait suivre le calvaire d’un randonneur égaré dans le désert. Venu photographier une éclipse solaire, il va venir en aide à un enfant égaré, et ne sera pas vraiment remercié pour son geste…

Sleep

Récompensé par le Gand Prix du festival, le film coréen Sleep était le premier long-métrage de Jason Yu. En suivant l’existence d’un jeune couple confronté aux crises de somnambulisme du mari, le réalisateur nous plonge progressivement dans le Fantastique. Il est méthodique, prend le temps de poser les jalons de son récit, et la magie opère :le Fantastique est partout et nulle part à la fois. Derrière chaque manifestation du somnambulisme de l’époux se cache quelque chose, ou quelqu’un. Ancien assistant de Bong Joon-Ho, Jason Yu partage avec lui sa maîtrise des décors et de l’espace. Il fait de l’appartement qu’habite le couple un personnage à part entière (et pas des plus bienveillants). En récompensant Sleep, le Jury a salué un feel-good horror movie (dixit Jason Yu lui-même), qui confronte des personnages on ne peut plus normaux à des phénomènes qui ne le sont pas. Le fantastique et la comédie se partagent ici les rôles de la manière la plus naturelle possible. Le film est dédié au comédien Lee Sun-kyun, adulé en Corée,et disparu il y un mois et demi (on se rappelle de lui notamment dans la Palme d’Or du festival de Cannes 2019, le film Parasite de Bong Joon-ho.)

La Damnée

Premier long-métrage du jeune réalisateur Abel Danan (25 ans), La Damnée était sélectionné en compétition. On y suit le quotidien de Yara, une jeune marocaine venue étudier à Paris. Souffrant de troubles psychologiques, Yara va devoir lutter contre la folie alors que le confinement s’abat sur la ville. Dans son appartement les choses vont se compliquer, la jeune fille n’ayant plus aucun contact avec l’extérieur. Au cœur de cet étouffant huis clos le spectateur découvre, avec Yara, ses vraies origines. Partant de là, elle peut désormais grandir…

Comme chaque année, les films se sont enchaînés, nous entraînant dans un tourbillon incessant, nous faisant perdre nos repères. Il était en effet parfois difficile de savoir à quel moment de la journée on se situait, les jours se suivant, truffés de péloches qui -heureusement- ne se ressemblaient pas. Les films en compétition étaient homogènes, d’un bon niveau, et les bénévoles, sans lesquels la manifestation ne pourrait exister, toujours aussi sympathiques. On ne les changera pas, et c’est tant mieux. La météo, clémente, a permis aux festivaliers de se balader dans la ville et aux abords du lac, lieu incontournable de la ville s’’il en est (avec l’Espace Tilleul et son célèbre Grimoire). A l’heure du bilan, Pierre Sachot, Président de l’Association du Festival, a dévoilé les dates de la prochaine édition. Ce sera du 29 janvier au 2 février 2025. A vos agendas et surtout, ne manquez pas l’ouverture de la billetterie, afin d’acheter le précieux sésame. Cette année la mise en vente des PASS a battu des records de fugacité, les festivaliers espèrent que l’année prochaine l’organisation s’y prendra autrement. A voir…..

Jérôme Magne

Vivants

Un film d’Alix Delaporte

À ses débuts, la réalisatrice a fait un stage à l’agence CAPA, découvrant le monde des journalistes-reporters, une « famille » de passionnés, solidaires, en quête de la vérité. Puisant dans cette expérience, son film rend hommage, avec des personnages attachants, à cette profession aujourd’hui en péril.


Copyright Pyramide Films : Pascale Arbillot , Vincent Elbaz , Pierre Lottin , Alice Isaaz , Jean-Charles Clichet

On se dit que Vivants ferait une super série ! Tous les ingrédients sont là, les drames personnels, les grands événements, l’urgence pour les journalistes à être présents au bon moment. Vivants, oui, ils le sont ces reporters à courir aux quatre coins du monde ! Cependant, le métier a changé. Il y a dix-vingt ans, il était possible de prendre un avion dans l’instant avec la nécessité d’informer et d’être là au moment où l’histoire s’écrit. C’était à la fois important et exaltant. Aujourd’hui, la lourdeur des procédures et contraintes administratives freine les élans et la liberté. Il faut demander les autorisations, les accréditations sans compter que les rédactions sont comme d’autres institutions dirigées par la nécessité du profit, comme l’a constaté Alix Delaporte en enquêtant pour son film : « Au final, cette passion pour la recherche de la vérité est toujours là. Le métier n’est pas menacé par les journalistes, mais par les financiers qui prennent le pouvoir dans les rédactions et pour qui les reporters de terrain deviennent un luxe inutile. » Le téléphone portable également a contribué à ce que la profession disparaisse mais heureusement qu’à Gaza le téléphone portable peut témoigner de l’actualité le reconnaît Alix Delaporte. Pour Sama tourné en 2019 en Syrie, au cœur d’un hôpital, est une référence pour elle.

Copyright Pyramide Films : Vincent Elbaz , Roschdy Zem, Pierre Lottin

Vivants réunit la nouvelle génération avec des reporters qui « ont quelque chose de héros ». Il y a celui qui a été à Sarajevo et ceux qui n’ont qu’un défilé de mode à filmer pour faire l’actu ! Cependant, les aînés sont bienveillants avec les plus jeunes et lorsque Gabrielle débarque pour faire un stage au sein d’une émission de reportages, elle va être prise sous les ailes des anciens. Il est vrai qu’elle les bluffe, cette toute jeune femme qui a été guide de montagne et monte une caméra comme on monte une arme ! Alice Isaaz campe Gabrielle de façon tout à fait convaincante, cette femme terrienne et réactive. Vincent, Roschdy Zem, rédacteur en chef aguerri pourtant à côtoyer des stagiaires est sous le charme, Damien également, Vincent Elbaz, ces deux dinosaures du journalisme. Il y a Kosta aussi, Jean-Charles Clichet, bourru, bougon, largué par sa copine (surtout ne pas quitter la salle tout de suite à la fin du film !)

L’admiration entre les générations transpire et notamment entre Gabrielle et Vincent pour qui elle est réciproque, Vincent qui rajeunit à son contact, stimulé par son énergie communicative. Une séquence vaudrait à elle seule le détour et il semblerait que Roschdy Zem y ait puisé une raison supplémentaire pour jouer dans le film, comme un défi à relever, le sortant de sa zone de confort dans une danse où la virilité la dispute à la sensualité : une chorégraphie sur le Boléro de Ravel où le comédien est à la fois gracieux, sa part de féminité révélée, combattif et comme en transe. Si Gabrielle (et nous) sommes subjugués, cette séquence témoigne d’une réalité : la nécessité pour des journalistes d’exorciser leur traumatisme : « Certains reporters de guerre souffrent de stress post-traumatique. Ce trouble est traité depuis longtemps chez les soldats, mais moins chez les journalistes. Ce n’est pas facile à représenter dans un film. Un journaliste qui parle de lui et de ses « faits d’armes » n’est pas très crédible. Et le stress post-traumatique est d’autant plus difficile à verbaliser qu’il n’est pas conscient. Le moment d’extériorisation de Vincent lorsqu’il danse sur le Boléro est une façon de faire ressentir ce trouble au spectateur. »

À Alice Delaporte à qui l’on a demandé si elle envisageait de faire une série qui se passerait dans ce milieu passionnant des journalistes-reporters qu’elle décrit ici, elle répond : « Plus ça va, plus j’envisage une suite – reste à savoir sous quelle forme. » On se réjouit d’avance !

Elsa Nagel

Histoire d’un messie littéraire

Chef d’œuvre absolu qui transcende les générations. Inadaptable.
Avec
Fondation d’Isaac Asimov et Hypérion de Dan Simmons, Dune
demeure l’une des plus importantes sagas littéraires de science-
fiction. A l’occasion de la sortie du film de Denis Villeneuve qui
prouve que rien ne résiste à l’industrie cinématographique et qu’il
existe toujours un œil, pourvu que celui-ci soit talentueux, pour
matérialiser la vision d’un créateur,
Dune effectue un nouveau
retour. Une fois de plus. Depuis maintenant près d’un demi-siècle, le cycle de Frank Herbert continue à occuper le devant de la scène
éditoriale. Les sables du temps n’ont donc pas recouvert cette œuvre quand tant d’autres disparaissent ou vieillissent terriblement mal. Pourtant, l’œuvre a mis du temps à s’imposer en France, car le genre était peu estimé et il s’agissait d’
« un gros livre, d’un auteur inconnu, dont l’action ne démarrait vraiment qu’au-delà de cent pages au moins, qui était assez obscur, tortueux et demandait de l’attention » comme le rappelle Gérard Klein, le découvreur français de Dune, auteur et créateur de la collection Ailleurs et Demain chez Robert Laffont dans le magnifique ouvrage Tout sur Dune, sorte de Bible définitive sur l’œuvre de Frank Herbert où le passionné comme le néophyte retrouvera l’auteur, l’univers, les personnages, les adaptations et une série de réflexions sur la saga. Pour autant, comment expliquer cette permanence qui passe à travers les générations ? Comme expliquer cet engouement qui n’a jamais faibli ?


La première des raisons tient d’abord à sa qualité littéraire. Dune est
avant tout une œuvre majeure de la littérature que l’on aime la
science-fiction ou pas, et comme peuvent l’être les grands
classiques. « C’est un immense roman, bien sûr ! Pourquoi pensez-vous
que nous lisons toujours Anna Karénine ou Guerre et Paix ? Je suis surtout
surpris que le succès n’ait pas été aussi étendu et rapide chez nous »
poursuit Gérard Klein. Pour peu que l’on gratte le vernis de la
science-fiction, considéré longtemps comme un genre mineur de la
littérature, Dune comporte tous les ingrédients des grandes
histoires. A l’instar d’un Howard Philipps Lovecraft ou plus
récemment d’un Stephen King qui ont mis du temps à trouver leur
juste place dans la littérature américaine d’abord puis mondiale
ensuite, Frank Herbert (1920-1986) reste encore assez méconnu. Et
le travail qu’il réalisa fut digne des Zola ou des Balzac comme se plaît
à le rappeler Fabien Le Roy (interview ci-après). De plus, la mode
actuelle des récits littéraires dystopiques offre également une
nouvelle jeunesse à l’œuvre d’Herbert.

Outre sa qualité littéraire intrinsèque, le cycle de Dune porte en lui
une profonde réflexion écologique qui a trouvé durant ces cinquante
dernières années des échos réguliers et plus particulièrement
aujourd’hui avec les rapports alarmistes sur la planète. La quête et
l’exploitation de l’épice, métaphore des énergies fossiles, l’absence
d’eau comme élément nécessaire à toute vie ne peuvent
qu’interpeller le lecteur à une époque de raréfaction des ressources
naturelles et de montée de tensions géopolitiques autour de l’eau.
Avec cet élément que la nature reprendra toujours ses droits. C’est
ce qui a marqué Denis Villeneuve, le réalisateur du film qui signe
l’une des préfaces de la nouvelle réédition du livre chez Robert
Laffont: « C’est pour moi l’image la plus forte du roman : l’humain devant
imiter la nature le plus humblement possible afin d’y survivre »

L’exploitation de la planète Arakis par des puissances étrangères
successives (les Harkonnen puis les Atreïdes) et la résistance de
leurs habitants, les Fremen, inspirés des Bédouins, interpellent
fatalement sur le droit des peuples à disposer de leur terre et sur
cette liberté confisquée au nom d’intérêts économiques. Ces formes
d’asservissement et le destin de Paul Atreïdes, décidé à briser ces
dernières, ont fait de Dune, un manifeste célébrant résistance et
quête de liberté tout au long d’époques marquées successivement
par le colonialisme, la décolonisation, la guerre froide et l’imposition
de la démocratie par des puissances extérieures. En plus de sa
dimension littéraire et écologique, Dune dispense un message
politique renforcé par les derniers tomes de la saga.

Enfin, lorsqu’on parle de quête, il est impossible d’ignorer celle qui,
spirituellement, se dégage de Dune. Cet élément théologique que
l’on rattache à un syncrétisme avec des tendances islamiques, juives
avec le Talmud et la Kabbale ou chrétiens évangéliques a contribué
au succès de l’œuvre. Cependant, « dans Dune, les religions n’ont pas de
réalité transcendantale ; les expériences auxquelles elles offrent accès
relèvent d’expériences psychologiques plus que véritablement mystiques »
estime cependant Sarah Teinturier, chargée de cours et spécialiste
des religions à l’université de Sherbrooke dans Tout sur Dune. En ces
temps d’exacerbation des identités religieuses, cette dimension,
mêlée à d’autres, a ainsi continué à entretenir une fascination qui n’a
jamais faibli.

Par Laurent Pfaadt

A lire :

Frank Herbert, Le cycle de Dune, 6 tomes, traduction revue et corrigée,
collection « Ailleurs & Demain », Robert Laffont.

Tout sur Dune dirigé par Lloyd Chéry,
Editions de l’Atalante & Leha, 304 p.

Pour tous ceux qui veulent s’immerger dans l’univers de Dune, nous leur conseillons les jeux de société Dune et Dune Betrayal
chez Gale Force Nine et Legendary.

Little Girl Blue

un film de Mona Achache

Avec entre autres réalisations Les Gazelles et 6 épisodes de la série HPI, on n’attendait pas de Mona Achache un film comme Little Girl Blue avec sa noirceur et sa réflexion qui plonge au cœur de l’intime. Il nous renvoie à notre propre questionnement sur nos origines, les non-dits et leur répercussion sur les générations suivantes. Avec Marion Cotillard, elles composent un film hommage à Carole Achache, la mère de Mona, disparue en mars 2016, en s’étant donnée la mort.


Copyright Tandem

Janis Joplin chante sur le générique sa chanson éponyme. Qui est la petite fille triste dont il est question ? La réalisatrice devenue orpheline ou bien Carole, éternelle spleeneuse que sa fille essaye de mieux comprendre ? Le film interroge le pourquoi du suicide de cette femme qui laissa des milliers de photos, des carnets, des lettres et des enregistrements. « Le désir 1er de ce film était de donner un corps à ma mère pour une conversation avec elle. » La réalisatrice fut très inspirée de choisir Marion Cotillard pour incarner au sens propre du terme Carole Achache. Sous nos yeux, elle endosse son costume pour son rôle, met une perruque, des lentilles de contact pour cacher ses yeux bleus. Le film va ainsi procéder en nous montrant l’actrice à l’œuvre. Pour Mona Achache, plus qu’une incarnation, c’est une résurrection de sa mère qui s’est opérée par le jeu et la présence de sa comédienne. Pas de répétitions ! « Le tournage, chronologique, a été une expérience de vie insensée, d’une extrême intimité. Chaque jour, son corps, son visage et sa voix se métamorphosaient. Au fur et à mesure, la confusion devenait totale. Carole et Marion fusionnaient. Cela a été bouleversant pour moi, mais pour toute l’équipe sur le plateau aussi. Une résurrection, le temps d’un tournage. »

Outre le travail sur le physique, la voix a été l’enjeu d’une troublante confusion, Carole ayant laissé de nombreux enregistrements. Elle était une intellectuelle des années 70. Une femme de son temps, la fille d’une femme de lettres qui fréquentait l’intelligentsia parisienne dont Jean Genet à qui elle vouait une grande admiration au point de fermer les yeux sur l’emprise perverse qu’il exerçait sur la petite Carole. Mona Achache propose un film passionnant à la démarche formelle et esthétique admirable, mêlant images d’archives de cette époque si riche et si neuve, rebelle, avec des extraits de films des années 20, films muets très expressifs. C’est toute cette période qui est questionnée, libre et sexuellement libérée au risque de perdre son âme, avec l’évocation de Carole à New York qui vit la prostitution mais aussi avec les libertés que s’autorisaient les hommes … C’était l’époque ! Comment également vivre l’injonction de sa mère brillante écrivain à devenir une personne exceptionnelle ? Être une personne banale c’est être voué à la mort, accepter le conformisme, selon Yourcenar, est une misérable maladie. Mona Achache interroge les archives et écoute sa mère pour comprendre son geste désespéré avec le souci de rompre une malédiction familiale féminine qui se perpétue. Mona Achache a signé une œuvre cinématographique atypique, un film où l’intime touche au collectif, en transcendant son sujet par des moments de pure poésie. « Je voyais de la lumière dans tout ce noir. Il y a cette citation de Marguerite Yourcenar dans le film, dont la découverte a été une révélation pendant mon chemin d’écriture. « Qu’est-ce que vous emporteriez si la maison brûlait ? J’emporterais le feu. » Voilà. Notre maison a brulé et ma mère a été emportée avec. Mais c’est ce feu que je voudrais transmettre à mes enfants. »

Elsa Nagel