Après La Fille au bracelet (2019), le réalisateur
interroge de nouveau un beau personnage féminin qui se dérobe à toute vérité.
Magnifique enquête inspirée d’un fait divers, Borgo est l’occasion pour Hafsia Herzi de jouer une partition toute
de nuances face à des acteurs pour la plupart non professionnels, dans un film
qui prend ses distances par rapport aux clichés sur « l’île de
Beauté ».
Derrière
ce titre aux consonances mystérieuses, une prison en Corse qui défraya la
chronique quand l’une de ses matonnes fut impliquée dans l’assassinat de deux
caïds. Si le mode opératoire du meurtre est le même dans le film, le
réalisateur tient à préciser qu’il s’agit d’abord d’une fiction, s’étant
intéressé à cette femme et à ses motivations mais sans enquêter sur l’affaire
elle-même hormis sur l’univers carcéral. Hafsia Herzi campe ce personnage en
lui prêtant sa capacité à être à la fois mystérieuse et d’une grande force
terrienne. Elle est crédible en uniforme de gardienne de prison à la fois autoritaire
face aux hommes dont elle a la garde dans cette prison pas comme les autres et
compréhensive, généreuse avec eux. Borgo est une prison ouverte où il est
permis de circuler d’une cellule à une autre et quand dans d’autres prisons, la
crainte d’un règlement de compte pèse, ici le pacte de non-agression est tenu.
Cette prison appelée le Club Med ou l’Hôpital, n’accueille que des Corses.
Aussi,
lorsque Mélissa et Djibril, son mari, avec leurs deux enfants, débarquent du
continent, Mélissa trouve en prison une structure bienveillante et amicale
quand dans le quartier où la petite famille s’est installée, elle subit le
racisme et les invectives. Il est dit que ce sont « les prisonniers qui
surveillent les gardiens ». Tout se sait dans cette petite ville, et les
murs sont poreux entre l’extérieur et l’intérieur. Mélissa, que les prisonniers
surnomment Ibiza à cause de la chanson de Julien Clerc, trouve un protecteur
inattendu en Saveriu qui dira même à qui veut l’entendre qu’elle est sa
« sœur ». Petit à petit, elle va se retrouver dans un engrenage
jusqu’à ce double homicide dans un aéroport où elle se trouve impliquée.
Manipulable ? Manipulée ? Manipulatrice ? Le film n’apporte pas
de réponse mais joue sur le double point de vue objectif/subjectif des
enquêteurs et de Mélissa que l’on suit dans son quotidien. Le choix de Hafsia
Herzi s’est fait sur sa capacité à être dans le vrai. Elle a préparé son rôle
en amont comme à son habitude (voir critique du Ravissement sur Hebdoscope) et son interprétation est remarquable.
Comment
trouver sa place ? Comment se faire respecter dans ce monde d’hommes
biberonnés à la violence ? Comment franchir ou ne pas franchir la ligne
quand elle-même les comprend, subit les injonctions, les règles
hiérarchiques ? Séquences mémorables où Mélissa remonte pièce par pièce
une arme et plus tard prouve ses talents au tir sur une petite plage corse. Les
enquêteurs (Pablo Pauly et l’inénarrable Michel Fau, tellement inattendu dans
son rôle de flic dans la retenue) analysent les images de la caméra surveillance
de l’aéroport où a eu lieu la tuerie. Tous les angles de vue sont passés au
crible, chaque individu est observé, identifié, et pourtant la vérité se dérobe
et s’éloigne à mesure d’une enquête sans indices.
Le
film joue sur l’enquête en cours d’un évènement qui a eu lieu et qui se joue au
temps présent. Le spectateur a toutes les cartes en main mais qui dira savoir pourquoi
et comment Mélissa a agi ? Sur une partition somptueuse du grand Philippe Sarde,
notre mémoire cinéphilique est éveillée, notamment sur les routes de campagne
la nuit, no man’s land qui défile à la lumière des phares, et l’on pense à ces
héroïnes tragiques du patrimoine cinématographique qui courent à leur perte mais
restent toujours des héroïnes.
Présenté hors compétition lors de la 31 édition du Festival International du Film Fantastique de Gérardmer il y a deux mois, la comédie horrifique québecoise sort en fin sur nos écrans.
Une famille aimante (presque) comme les autres…
C’est
là une excellente surprise, tant les sorties cinéma des films de
genre projetés lors de la manifestation sont parfois aléatoires.
Présente pour parler de son film, la réalisatrice québecoise
Ariane Louis-Seize avait fait le déplacement en terre vosgienne, où
la figure éminente du vampire était bien évidemment la bienvenue.
Mais sa manière de l’aborder allait en étonner plus d’un…
Avant
la projection, Ariane Louis-Seize allait parler de son film pendant
cinq bonnes minutes sur la grande scène de la salle de l’Espace
Lac, charmant accent québecois à l’appui. Son langage imagé
était rafraîchissant, et son enthousiasme traduisait sa sincérité.
À l’issue de son intervention, le public était impatient de voir
le rideau se lever.
Surprise, les canines sont de sortie !!!
Tout
commence avec l’anniversaire de Sasha, petite fille choyée au cœur
d’une famille pas comme les autres. Sa famille lui offre pour
l’occasion un cadeau lui aussi pas comme les autres, mais elle le
dédaigne. Car Sasha est une jeune vampire dont les canines refusent
de sortir, et qui refuse de tuer pour se sustenter. Elle éprouve une
réelle empathie pour le genre humain, empathie qui l’empêche de
pourvoir à ses besoins par elle-même. La famille est donc obligée
de s’organiser pour la nourrir, ce que la mère ne supporte plus.
Le père s’inquiète également beaucoup quant à l’absence
d’autonomie de sa fille (les vampires vivent certes bien plus
longtemps que les humains, mais ne sont pas immortels, que
deviendra-t-elle lorsque ses parent auront disparu ?), mais il
ne peut se résoudre à la forcer à tuer.
Finalement,
la famille décide alors que c’en est fini, plus de pochettes de
sang qui l’attendront au frigo au gré de ses fringales. Sasha
devra s’installer avec sa cousine, Denise, qui aura la lourde tâche
de lui apprendre enfin à chasser et tuer. Il lui faudra de la
patience, et une bonne dose de chance. Le destin mettra Paul sur le
chemin de Sasha. Rencontré un soir de vadrouille à la sortie d’un
bowling, Paul est un lycéen dépressif qui vient de rater sa
tentative de suicide. Il va partager son mal-être avec Sasha, et les
deux « adolescents » vont peu à peu se rapprocher, en
participant tous deux à des groupes de soutien pour les personnes en
détresse psychologique. Très vite, Paul partage avec Sasha son
envie d’en finir avec l’existence. L’occasion rêvée pour
Sasha de prendre enfin son envol, sans se départir de sa compassion
pour le genre humain. Mais si Sasha est prête à exaucer le souhait,
elle veut néanmoins qu’il réalise ses dernières volontés
auparavant.
La
réalisatrice dresse le portrait touchant de deux êtres qui
s’interrogent sur leur avenir, le sens de l’existence et qui
vont, au fil du temps, tisser un lien fort entre eux. Sasha et Paul
sont faits l’un pour l’autre. La caméra de la réalisatrice
parvient à créer des scènes hors du temps, poétiques, tout en
satisfaisant à la quête d’hémoglobine de tout vampire qui se
respecte. Comédie dramatique, Vampire humaniste cherche
suicidaire consentant se permet des moments de franche rigolade
(certaines scènes et dialogues sont hilarants, du fait du décalage
entre le genre et la réalité), au cœur d’un récit empreint de
poésie.
Une adolescente comme les autres…
Avec ses deux personnages principaux très attachants, sa rêverie et son respect du genre, le film se présente comme une Famille Adams bienveillante, finalement confrontée à des dilemmes proches du genre humain. N’appartenant pas au genre vampire, Paul devra être prêt à faire un sacrifice pour pouvoir partager le quotidien de Sasha. Avant d’en arriver là, il sera confronté aux brutes qui le martyrisent au lycée, et bien aidé par Sasha pour l’occasion. Dans le rôle de cette dernière, Sara Montpetit exprime à la perfection les doutes et la mélancolie qui l’habitent, tandis que dans celui de Paul, le comédien Félix-Antoine Bénard fait des merveilles avec son grand regard candide et apeuré. Toujours hésitant, semblant perpétuellement s’excuser d’être là, il donne au personnage de Paul la fragile humanité qui va émouvoir Sasha au plus profond de son être. Sa ressemblance avec le comédien américain Evan Peters est d’ailleurs troublante, pour ceux qui l’ont vu dans le rôle de Vif-Argent dans les films X-Men (et un moins concernant son apparence dans la série Netflix consacrée au sinistre Jeffrey Dahmer).
Ariane
Louis-Seize était restée dans la salle toute la durée de la
projection. Bien lui en a pris, lorsque le rideau s’est levée elle
a pu savourer le tonnerre d’applaudissements qui a suivi.
Le premier film du Coréen Jason Yu arrive sur nos écrans trois semaines et demi après s’être aventuré en terres vosgiennes. Lors de la 31ème édition du Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, Sleep a en effet décroché le Grand Prix.
Bernard Werber remet le Grand Prix à Jason Yu
Retour sur ce qui a été une des bonnes surprises de la manifestation, qui d’ailleurs cette année n’en manquait pas. Après être passé par la filière du court-métrage, le réalisateur a fait un grand pas en avant avec son premier long. Le film est un modèle d’équilibre, dans lequel comédie et Fantastique se mélangent avec une évidence plutôt rare.
Sleep nous fait partager la petite vie tranquille de Hyeon-soo (le regretté Lee Sun-kyun) et Soo-jin (Yung Yu-mi), un gentil petit couple comme le cinéma asiatique sait si bien les représenter. Habitant un appartement douillet, le couple se prépare à la naissance de son premier enfant. Hyeon-soo est comédien professionnel, mais des problèmes de somnambulisme viennent progressivement perturber sa vie conjugale ainsi que sa vie professionnelle. Au début, son épouse ne s’en inquiète pas. Mais la naissance de leur enfant approche, et les crises de somnambulisme prennent des proportions de plus en plus inquiétantes. Hyeon-soo se défigure en se grattant compulsivement le visage, il vide le frigo et va jusqu’à tenter de sauter par la fenêtre.
Ce ne sont là que les manifestations les plus « normales » de son somnambulisme, nous n’éventerons pas les autres. Jason Yu a écrit le scénario de son film (seul moyen de devenir metteur en scène en Corée du Sud quand on est novice, selon lui), ce qui l’a aidé à savoir quoi filmer et comment le filmer. Sa caméra est intimiste, elle est au plus près du quotidien du couple. La force de son récit réside précisément dans sa capacité à illustrer la vie d’un couple aimant et harmonieux, et sa réaction à une situation inhabituelle. Le Fantastique s’immisce peu à peu dans l’histoire, mais de manière tellement furtive qu’on ne sait comment comprendre les événements. Ce qui est assez plaisant il faut le reconnaître.
Son calvaire prenant des proportions inquiétantes, Hyeon-soo va donc naturellement se tourner vers une clinique spécialisée dans les troubles du sommeil, qui va lui proposer toutes sortes de conseils et de médicaments. Et des petits trucs sur l’aménagement de leur appartement afin d’éviter toute forme d’accident. Au début tout semble aller dans la bonne direction. Mais finalement l’amélioration s’arrête aussi vite qu’elle a commencé. Appelée en renfort, la belle-mère va faire intervenir une médium, et c’est là que le film évolue vers autre chose. La médium sentira une présence malfaisante, très puissante, sans parvenir à en dire plus et à mettre le doigt sur le « fantôme » qui serait la cause des troubles grandissants de Hyeon-soo. Le couple va alors chercher une explication surnaturelle, et se mettre en quête d’événements violents ayant pu toucher leur cercle proche. Commence une recherche fastidieuse auprès des ex petits-amis éconduits. Elle ne donnera pas de résultats tangibles.
Sleep est un film captivant, à l’atmosphère envoûtante. Maîtrisé de la première à la dernière image, le spectateur y partage un moment clef de la vie d’un couple ordinaire. Selon sa propre sensibilité, pour expliquer ce qu’il voit à l’écran, le spectateur empruntera deux directions qui n’ont rien en commun. L’amateur de fantastique choisira naturellement le surnaturel, la poésie, tandis que le rationnel se raccrochera à des éléments plus cartésiens.
Quoi qu’il en soit, chacun trouvera dans Sleep matière à satisfaction. Questionné sur le sujet, Jason Yu s’en est d’ailleurs amusé, se gardant bien de dire de quel côté il se rangeait. Avec sa maîtrise du cadre et de l’espace, le metteur en scène se place déjà comme l’un des grands espoirs du cinéma coréen. L’empathie dont il fait preuve pour ses personnages est le petit plus qui a convaincu les membres du Jury Longs-Métrages du dernier Festival de Gérardmer. Son « feel good horror movie » comme il le décrit lui-même a pleinement mérité son Grand Prix.
31ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer.
C’était iy a trente ans, au début du mois de février 1994. Fantastic’Arts naissait au coeur des Vosges à Gérardmer. Le festival prenait la suite du Festival International du Film Fantastique d’Avoriaz, qui s’était tenu dans la station de sports d’hiver de 1973 à 1993. Aujourd’hui la ville de Gérardmer est indissociable du festival, qui rayonne au-delà de nos frontières avec toute sa ribambelle de films primés. La manifestation s’est étoffée progressivement, offrant de nombreux événements en ville, des rencontres littéraires au Grimoire, des masterclass avec d’éminentes figures du Septième Art et de la littérature, des ateliers destinés au jeune public et, il n’y a pas si longtemps, des zombies walks qui grouillaient dans les rues de la ville. La horde bravait des conditions météo parfois rudes.
Pour sa 31ème édition, le festival avait convié deux grands noms de la littérature française pour chapeauter les deux jurys de films en compétition. Bernard Werber (il fait partie du décors, étant quasiment présent à chaque édition) pour le Jury Longs-Métrages, et Bernard Minier pour le Jury Courts-Métrages. Pour départager les 10 films en compétition, Bernard Werber était accompagné de Clovis Cornillac, Jean-Paul Salomé, Caroline Anglade, Sébastien Vaniceck, Mathieu Turi, Mélanie Bernier et Charlotte Gabris. De son côté, l’auteur de polars Bernard Minier était entouré d’Adrien Ménielle, Alice Moitié, Monsieur Poulpe, et Mara Taquin. Sur les 5 jours que durait le festival, le Jury Courts devrait lui départager 5 œuvres. Tout au long de cette (trop?) courte manifestation les écrivains, comédiens, scénaristes, réalisateurs et photographes composant les jurys se sont rendus disponibles, en participant à des tables rondes, des interviews et de longues séances de dédicaces ouvertes au plus grand nombre à l’Espace Tilleul.
Cette année, les films visionnés ont abordé le Fantastique et son bestiaire sous toutes ses coutures. Vampires, sorcières, fantômes, mutants, loups garous, zombies, possessions et sectes en tout genre ont envahi les quatre (bientôt cinq ?) écrans de la ville pour le plus grand plaisir de tous, ces amateurs de sensations fortes venus des quatre coins de France.
Revrgis
Resvrgis, du réalisateur italien Francesco Carnesecchi, s’intéresse à l’émouvante figure du loup-garou, cette créature incomprise soumise aux caprices de la lune. Venu présenter son film à Gérardmer sur la scène de l’Espace Lac, le metteur en scène a tenu à rendre hommage à ses illustres aînés, les Dario Argento et Lucio Fulci de l’époque, qui avaient donné à la terreur à l’italienne ses lettres de noblesse, il y a une éternité. Si son respect pour le genre et son illustration du mythe sont sincères, ils ne permettent pourtant pas à son film de rivaliser avec les grands classiques. Reste quelques belles images (la scène finale) et une créature au look plutôt réussi. Resvrgis était en compétition, mais n’a pas remporté de prix .
Vampire humaniste cherche suicidaire consentant
Présenté Hors Compétition, le film québecois Vampire humaniste cherche suicidaire consentant a été notre petit coup de cœur. Présenté par sa réalisatrice Anne Louis-Seize sur la grande scène de l’Espace Lac, pendant cinq bonnes minutes, son film a été celui qui a recueilli le plus d’applaudissements. Nous l’aborderons plus en détail lors de sa sortie le 20 mars prochain. Sachez seulement qu’il s’agit de suivre la crise d’adolescence (68 ans tout de même !) de Sasha, une vampire qui ne peut se résoudre à mordre et tuer ses proies afin de se sustenter. Ce qui pose problème à ses parents, qui voudraient la voir prendre son envol. Sa rencontre avec Paul, un adolescent lunaire aux tendances suicidaires, va peut-être lui offrir la solution : il est d’accord pour lui offrir sa vie. Anne Louis-Seize a fait l’effort de rester pendant la projection ; elle a ainsi pu assister au tonnerre d’applaudissements qui a parcouru la salle quand les lumières se rallumèrent.
Kaidan, Histoires étranges de fantômes japonais
Kaidan, histoires étranges de fantômes japonais d’Yves Montmayeur, est un documentaire hors compétition sur la J-Horror (Japan Horror), et plus particulièrement sur le sous genre du film de fantômes. Bien que ne pouvant être exhaustif en 1H30, le film illustre la figure du fantôme à travers ses différentes expressions : les contes, le cinéma, le théâtre, la danse, la télévision, le manga. Un voyage peut-être un peu rapide, qui nous a toutefois permis de croiser de grands noms ayant touché au genre : Hideo Nakata, Kiyoshi Kurosawa, Takashi Shimizu, Junji Ito et bien d’autres.
La Morsure
Premier long-métrage de Romain de Saint-Jean Blanquat, La Morsure était présenté hors compétition. Le spectateur y faisait la connaissance de Françoise et Delphine, deux jeunes filles pensionnaires d’un lycée catholique. Supportant mal le carcan religieux, Françoise est persuadée qu’il ne lui reste plus qu’une seule nuit avant sa mort. Elle décide de faire le mur avec son amie, pour se rendre à une fête costumée non loin de là, et vivre pleinement cette dernière soirée. La ballade un peu brouillonne nous fait rencontrer une belle brochette de personnages, certains énigmatiques (mention spéciale à Frédéric Blin, bien loin de son rôle d’Estèves, le neveu des Raymond et Huguette de la série Scènes de Ménages), tous confrontés à des situations improbables. Les amateurs de canines acérées devront s’armer de patience, La Morsure ne partageant qu’un rapport ténu avec le Fantastique (nous n’en dirons pas plus, de peur d’éventer la surprise…). Reste quelques jolies scènes, et des dialogues parfois très justes.
Roqya
Roqya de Saïd Belktibia aborde le thème de la sorcellerie. On y suit le quotidien de Nour, qui vit en faisant de la contrebande d’animaux exotiques qu’elle vend à des guérisseurs pratiquant la Roqya, cette médecine prophétique basée sur des méthodes de guérison occulte. Dans la banlieue de Paris, le trafic de Nour se développe, jusqu’au jour où une consultation vire au drame. Nour deviendra alors la proie d’une chasse aux sorcières, et aura fort à faire pour protéger la vie de son fils ainsi que la sienne. Roqya s’appuie sur des comédiens qui ont fait leurs preuves : Golshifteh Farahani et Denis Lavant sont de la partie, entourés de comédiens moins connus, mais tout aussi convaincants.
When Evil Lurks
Le film argentin When Evil Lurks de Demian Rugna était très attendu à Gérardmer. Avec son histoire de possession, son style épuré, sa mise en scène efficace, ses effets gore et son imaginaire sur le démon bien développé, le film s’appuyait sur des décors et une musique aux petits oignons. Pas un moment de répit pour le spectateur qui, ravi, n’en demandait pas tant, et imaginait dès le début le pire. Très bien accueilli, When Evil Lurks repartit de Gérardmer avec deux Prix, celui de la Critique, et celui du Public. Bien à sa place au cœur de cette 31ème compétition, le film mérite ses récompenses, et illustre parfaitement ce que l’on cherche à Gérardmer : un mal pernicieux, sournois, et surtout qui a la vie dure…
The Funeral
The Funeral du réalisateur turque Orçun Behran suivait l’étrange ballade de Celam, un conducteur de corbillard solitaire, chargé d’une étrange mission : ramener le cadavre d’un jeune fille à sa famille, dans un coin reculé du pays. Problème, la jeune fille n’est peut-être pas aussi morte qu’elle en a l’air. Roadtrip atypique, The Funeral alterne moments contemplatifs, scènes gores et visions poétiques, en nous faisant parcourir une Turquie aux paysages variés, aux côtés d’un comédien qui n’est pas sans rappeler un certain Nicolas Cage, les fans de l’acteur apprécieront…
Perpetrator
Sélectionné dans le cadre de la compétition, Perpetrator de Jennifer Reeder affichait une certaine esthétique. Dans cette histoire en apparence très simple (un psychopathe enlève des lycéennes issues d’un même quartier) Jennifer Reeder fait quelque chose d’un peu plus original. On y suit la croisade de Jonny, une jeune fille qui subit une métamorphose à l’occasion de ses 18 ans. Elle décide de traquer le criminel. Dommage que le film n’exploite pas plus son imaginaire. Face à la caméra, on retrouve Alicia Silverstone et Chris Lowell, aux côtés de Kiah McKirnan, vue dans la série Vers les étoiles.
It’s a Wonderful Knife
Présenté hors compétition, It’s a Wonderful Knife marquait le retour de Tyler MacIntyre à Gérardmer, 6 ans après son précédent film, Tragedy Girls. Venu présenter son œuvre sur la scène du Lac, le réalisateur américain s’est exprimé avec son débit mitraillette pendant cinq minutes, qui ont paru bien longues au maître de cérémonie David Rault, chargé pour l’occasion de la traduction. Le film est un slasher de Noël, moins cynique que Tragedy Girls, qui remplit honorablement son cahier des charges. Comme souvent, quand c’est bien conçu, comédie et coups de couteaux cohabitent bien.
The Forbidden Play
The Forbidden Play marquait le retour d’Hideo Nakata en terres vosgiennes. Célèbre pour avoir contribué à la vague de films d’horreur asiatiques qui a déferlé sur le monde à la fin des années 90, avec Ring et plus tard Dark Water, le réalisateur nippon n’a rien perdu de son mordant. Il parvient toujours à susciter l’angoisse avec peu de choses. Son film est reparti bredouille, ce qui ne lui retire pas ses qualités.
The Seeding
Premier film du britannique Barnaby Clay, The Seeding récolta le Prix du Jury Jeunes de la Région Grand-Est. Dès l’ouverture le réalisateur pose une chape de plomb sur son histoire. Perte de repères, étouffement, claustrophobie et isolement sont au menu du récit, qui nous fait suivre le calvaire d’un randonneur égaré dans le désert. Venu photographier une éclipse solaire, il va venir en aide à un enfant égaré, et ne sera pas vraiment remercié pour son geste…
Sleep
Récompensé par le Gand Prix du festival, le film coréen Sleep était le premier long-métrage de Jason Yu. En suivant l’existence d’un jeune couple confronté aux crises de somnambulisme du mari, le réalisateur nous plonge progressivement dans le Fantastique. Il est méthodique, prend le temps de poser les jalons de son récit, et la magie opère :le Fantastique est partout et nulle part à la fois. Derrière chaque manifestation du somnambulisme de l’époux se cache quelque chose, ou quelqu’un. Ancien assistant de Bong Joon-Ho, Jason Yu partage avec lui sa maîtrise des décors et de l’espace. Il fait de l’appartement qu’habite le couple un personnage à part entière (et pas des plus bienveillants). En récompensant Sleep, le Jury a salué un feel-good horror movie (dixit Jason Yu lui-même), qui confronte des personnages on ne peut plus normaux à des phénomènes qui ne le sont pas. Le fantastique et la comédie se partagent ici les rôles de la manière la plus naturelle possible. Le film est dédié au comédien Lee Sun-kyun, adulé en Corée,et disparu il y un mois et demi (on se rappelle de lui notamment dans la Palme d’Or du festival de Cannes 2019, le film Parasite de Bong Joon-ho.)
La Damnée
Premier long-métrage du jeune réalisateur Abel Danan (25 ans), La Damnée était sélectionné en compétition. On y suit le quotidien de Yara, une jeune marocaine venue étudier à Paris. Souffrant de troubles psychologiques, Yara va devoir lutter contre la folie alors que le confinement s’abat sur la ville. Dans son appartement les choses vont se compliquer, la jeune fille n’ayant plus aucun contact avec l’extérieur. Au cœur de cet étouffant huis clos le spectateur découvre, avec Yara, ses vraies origines. Partant de là, elle peut désormais grandir…
Comme chaque année, les films se sont enchaînés, nous entraînant dans un tourbillon incessant, nous faisant perdre nos repères. Il était en effet parfois difficile de savoir à quel moment de la journée on se situait, les jours se suivant, truffés de péloches qui -heureusement- ne se ressemblaient pas. Les films en compétition étaient homogènes, d’un bon niveau, et les bénévoles, sans lesquels la manifestation ne pourrait exister, toujours aussi sympathiques. On ne les changera pas, et c’est tant mieux. La météo, clémente, a permis aux festivaliers de se balader dans la ville et aux abords du lac, lieu incontournable de la ville s’’il en est (avec l’Espace Tilleul et son célèbre Grimoire). A l’heure du bilan, Pierre Sachot, Président de l’Association du Festival, a dévoilé les dates de la prochaine édition. Ce sera du 29 janvier au 2 février 2025. A vos agendas et surtout, ne manquez pas l’ouverture de la billetterie, afin d’acheter le précieux sésame. Cette année la mise en vente des PASS a battu des records de fugacité, les festivaliers espèrent que l’année prochaine l’organisation s’y prendra autrement. A voir…..
À ses débuts, la
réalisatrice a fait un stage à l’agence CAPA, découvrant le monde des
journalistes-reporters, une « famille » de passionnés, solidaires, en
quête de la vérité. Puisant dans cette expérience, son film rend hommage, avec
des personnages attachants, à cette profession aujourd’hui en péril.
Copyright Pyramide Films : Pascale Arbillot , Vincent Elbaz , Pierre Lottin , Alice Isaaz , Jean-Charles Clichet
On
se dit que Vivants ferait une super
série ! Tous les ingrédients sont là, les drames personnels, les grands
événements, l’urgence pour les journalistes à être présents au bon moment.
Vivants, oui, ils le sont ces reporters à courir aux quatre coins du monde !
Cependant, le métier a changé. Il y a dix-vingt ans, il était possible de
prendre un avion dans l’instant avec la nécessité d’informer et d’être là au
moment où l’histoire s’écrit. C’était à la fois important et exaltant.
Aujourd’hui, la lourdeur des procédures et contraintes administratives freine
les élans et la liberté. Il faut demander les autorisations, les accréditations
sans compter que les rédactions sont comme d’autres institutions dirigées par la
nécessité du profit, comme l’a constaté Alix Delaporte en enquêtant pour son
film : « Au final, cette passion pour la recherche de la vérité est
toujours là. Le métier n’est pas menacé par les journalistes, mais par les
financiers qui prennent le pouvoir dans les rédactions et pour qui les
reporters de terrain deviennent un luxe inutile. » Le téléphone portable
également a contribué à ce que la profession disparaisse mais heureusement qu’à
Gaza le téléphone portable peut témoigner de l’actualité le reconnaît Alix
Delaporte. Pour Sama tourné en 2019
en Syrie, au cœur d’un hôpital, est une référence pour elle.
Copyright Pyramide Films : Vincent Elbaz , Roschdy Zem, Pierre Lottin
Vivants réunit la nouvelle génération avec des
reporters qui « ont quelque chose de héros ». Il y a celui qui a été à
Sarajevo et ceux qui n’ont qu’un défilé de mode à filmer pour faire
l’actu ! Cependant, les aînés sont bienveillants avec les plus jeunes et
lorsque Gabrielle débarque pour faire un stage au sein d’une émission de
reportages, elle va être prise sous les ailes des anciens. Il est vrai qu’elle
les bluffe, cette toute jeune femme qui a été guide de montagne et monte une
caméra comme on monte une arme ! Alice Isaaz campe Gabrielle de façon tout
à fait convaincante, cette femme terrienne et réactive. Vincent, Roschdy Zem,
rédacteur en chef aguerri pourtant à côtoyer des stagiaires est sous le charme,
Damien également, Vincent Elbaz, ces deux dinosaures du journalisme. Il y a
Kosta aussi, Jean-Charles Clichet, bourru, bougon, largué par sa copine
(surtout ne pas quitter la salle tout de suite à la fin du film !)
L’admiration
entre les générations transpire et notamment entre Gabrielle et Vincent pour
qui elle est réciproque, Vincent qui rajeunit à son contact, stimulé par son
énergie communicative. Une séquence vaudrait à elle seule le détour et il
semblerait que Roschdy Zem y ait puisé une raison supplémentaire pour jouer
dans le film, comme un défi à relever, le sortant de sa zone de confort dans
une danse où la virilité la dispute à la sensualité : une chorégraphie sur le
Boléro de Ravel où le comédien est à la fois gracieux, sa part de féminité
révélée, combattif et comme en transe. Si Gabrielle (et nous) sommes subjugués,
cette séquence témoigne d’une réalité : la nécessité pour des journalistes
d’exorciser leur traumatisme : « Certains reporters de guerre
souffrent de stress post-traumatique. Ce trouble est traité depuis longtemps
chez les soldats, mais moins chez les journalistes. Ce n’est pas facile à
représenter dans un film. Un journaliste qui parle de lui et de ses « faits
d’armes » n’est pas très crédible. Et le stress post-traumatique est d’autant
plus difficile à verbaliser qu’il n’est pas conscient. Le moment
d’extériorisation de Vincent lorsqu’il danse sur le Boléro est une façon de
faire ressentir ce trouble au spectateur. »
À
Alice Delaporte à qui l’on a demandé si elle envisageait de faire une série qui
se passerait dans ce milieu passionnant des journalistes-reporters qu’elle décrit
ici, elle répond : « Plus ça va, plus j’envisage une suite – reste à
savoir sous quelle forme. » On se réjouit d’avance !
Chef d’œuvre absolu qui transcende les générations. Inadaptable. Avec Fondation d’Isaac Asimov et Hypérion de Dan Simmons, Dune demeure l’une des plus importantes sagas littéraires de science- fiction. A l’occasion de la sortie du film de Denis Villeneuve qui prouve que rien ne résiste à l’industrie cinématographique et qu’il existe toujours un œil, pourvu que celui-ci soit talentueux, pour matérialiser la vision d’un créateur, Dune effectue un nouveau retour. Une fois de plus. Depuis maintenant près d’un demi-siècle, le cycle de Frank Herbert continue à occuper le devant de la scène éditoriale. Les sables du temps n’ont donc pas recouvert cette œuvre quand tant d’autres disparaissent ou vieillissent terriblement mal. Pourtant, l’œuvre a mis du temps à s’imposer en France, car le genre était peu estimé et il s’agissait d’« un gros livre, d’un auteur inconnu, dont l’action ne démarrait vraiment qu’au-delà de cent pages au moins, qui était assez obscur, tortueux et demandait de l’attention » comme le rappelle Gérard Klein, le découvreur français de Dune, auteur et créateur de la collection Ailleurs et Demain chez Robert Laffont dans le magnifique ouvrage Tout sur Dune, sorte de Bible définitive sur l’œuvre de Frank Herbert où le passionné comme le néophyte retrouvera l’auteur, l’univers, les personnages, les adaptations et une série de réflexions sur la saga. Pour autant, comment expliquer cette permanence qui passe à travers les générations ? Comme expliquer cet engouement qui n’a jamais faibli ?
La première des raisons tient d’abord à sa qualité littéraire. Dune est avant tout une œuvre majeure de la littérature que l’on aime la science-fiction ou pas, et comme peuvent l’être les grands classiques. « C’est un immense roman, bien sûr ! Pourquoi pensez-vous que nous lisons toujours Anna Karénine ou Guerre et Paix ? Je suis surtout surpris que le succès n’ait pas été aussi étendu et rapide chez nous » poursuit Gérard Klein. Pour peu que l’on gratte le vernis de la science-fiction, considéré longtemps comme un genre mineur de la littérature, Dune comporte tous les ingrédients des grandes histoires. A l’instar d’un Howard Philipps Lovecraft ou plus récemment d’un Stephen King qui ont mis du temps à trouver leur juste place dans la littérature américaine d’abord puis mondiale ensuite, Frank Herbert (1920-1986) reste encore assez méconnu. Et le travail qu’il réalisa fut digne des Zola ou des Balzac comme se plaît à le rappeler Fabien Le Roy (interview ci-après). De plus, la mode actuelle des récits littéraires dystopiques offre également une nouvelle jeunesse à l’œuvre d’Herbert.
Outre sa qualité littéraire intrinsèque, le cycle de Dune porte en lui une profonde réflexion écologique qui a trouvé durant ces cinquante dernières années des échos réguliers et plus particulièrement aujourd’hui avec les rapports alarmistes sur la planète. La quête et l’exploitation de l’épice, métaphore des énergies fossiles, l’absence d’eau comme élément nécessaire à toute vie ne peuvent qu’interpeller le lecteur à une époque de raréfaction des ressources naturelles et de montée de tensions géopolitiques autour de l’eau. Avec cet élément que la nature reprendra toujours ses droits. C’est ce qui a marqué Denis Villeneuve, le réalisateur du film qui signe l’une des préfaces de la nouvelle réédition du livre chez Robert Laffont: « C’est pour moi l’image la plus forte du roman : l’humain devant imiter la nature le plus humblement possible afin d’y survivre »
L’exploitation de la planète Arakis par des puissances étrangères successives (les Harkonnen puis les Atreïdes) et la résistance de leurs habitants, les Fremen, inspirés des Bédouins, interpellent fatalement sur le droit des peuples à disposer de leur terre et sur cette liberté confisquée au nom d’intérêts économiques. Ces formes d’asservissement et le destin de Paul Atreïdes, décidé à briser ces dernières, ont fait de Dune, un manifeste célébrant résistance et quête de liberté tout au long d’époques marquées successivement par le colonialisme, la décolonisation, la guerre froide et l’imposition de la démocratie par des puissances extérieures. En plus de sa dimension littéraire et écologique, Dune dispense un message politique renforcé par les derniers tomes de la saga.
Enfin, lorsqu’on parle de quête, il est impossible d’ignorer celle qui, spirituellement, se dégage de Dune. Cet élément théologique que l’on rattache à un syncrétisme avec des tendances islamiques, juives avec le Talmud et la Kabbale ou chrétiens évangéliques a contribué au succès de l’œuvre. Cependant, « dans Dune, les religions n’ont pas de réalité transcendantale ; les expériences auxquelles elles offrent accès relèvent d’expériences psychologiques plus que véritablement mystiques » estime cependant Sarah Teinturier, chargée de cours et spécialiste des religions à l’université de Sherbrooke dans Tout sur Dune. En ces temps d’exacerbation des identités religieuses, cette dimension, mêlée à d’autres, a ainsi continué à entretenir une fascination qui n’a jamais faibli.
Par Laurent Pfaadt
A lire :
Frank Herbert, Le cycle de Dune, 6 tomes, traduction revue et corrigée, collection « Ailleurs & Demain », Robert Laffont.
Tout sur Dune dirigé par Lloyd Chéry, Editions de l’Atalante & Leha, 304 p.
Pour tous ceux qui veulent s’immerger dans l’univers de Dune, nous leur conseillons les jeux de société Dune et Dune Betrayal chez Gale Force Nine et Legendary.
Avec
entre autres réalisations Les Gazelles
et 6 épisodes de la série HPI, on
n’attendait pas de Mona Achache un film comme Little Girl Blue avec sa noirceur et sa réflexion qui plonge au
cœur de l’intime. Il nous renvoie à notre propre questionnement sur nos
origines, les non-dits et leur répercussion sur les générations suivantes. Avec
Marion Cotillard, elles composent un film hommage à Carole Achache, la mère de
Mona, disparue en mars 2016, en s’étant donnée la mort.
Copyright Tandem
Janis Joplin chante sur le générique
sa chanson éponyme. Qui est la petite fille triste dont il est question ?
La réalisatrice devenue orpheline ou bien Carole, éternelle spleeneuse que sa fille
essaye de mieux comprendre ? Le film interroge le pourquoi du suicide de
cette femme qui laissa des milliers de photos, des carnets, des lettres et des
enregistrements. « Le désir 1er de ce film était de donner un
corps à ma mère pour une conversation avec elle. » La réalisatrice fut
très inspirée de choisir Marion Cotillard pour incarner au sens propre du terme
Carole Achache. Sous nos yeux, elle endosse son costume pour son rôle, met une
perruque, des lentilles de contact pour cacher ses yeux bleus. Le film va ainsi
procéder en nous montrant l’actrice à l’œuvre. Pour Mona Achache, plus qu’une
incarnation, c’est une résurrection de sa mère qui s’est opérée par le jeu et
la présence de sa comédienne. Pas de répétitions ! « Le tournage,
chronologique, a été une expérience de vie insensée, d’une extrême intimité.
Chaque jour, son corps, son visage et sa voix se métamorphosaient. Au fur et à
mesure, la confusion devenait totale. Carole et Marion fusionnaient. Cela a été
bouleversant pour moi, mais pour toute l’équipe sur le plateau aussi. Une résurrection,
le temps d’un tournage. »
Outre le travail sur le physique, la
voix a été l’enjeu d’une troublante confusion, Carole ayant laissé de nombreux
enregistrements. Elle était une intellectuelle des années 70. Une femme de son
temps, la fille d’une femme de lettres qui fréquentait l’intelligentsia
parisienne dont Jean Genet à qui elle vouait une grande admiration au point de
fermer les yeux sur l’emprise perverse qu’il exerçait sur la petite Carole.
Mona Achache propose un film passionnant à la démarche formelle et esthétique
admirable, mêlant images d’archives de cette époque si riche et si neuve,
rebelle, avec des extraits de films des années 20, films muets très expressifs.
C’est toute cette période qui est questionnée, libre et sexuellement libérée au
risque de perdre son âme, avec l’évocation de Carole à New York qui vit la
prostitution mais aussi avec les libertés que s’autorisaient les hommes …
C’était l’époque ! Comment également vivre l’injonction de sa mère
brillante écrivain à devenir une personne exceptionnelle ? Être une personne
banale c’est être voué à la mort, accepter le conformisme, selon Yourcenar, est
une misérable maladie. Mona Achache interroge les archives et écoute sa mère
pour comprendre son geste désespéré avec le souci de rompre une malédiction
familiale féminine qui se perpétue. Mona Achache a signé une œuvre
cinématographique atypique, un film où l’intime touche au collectif, en
transcendant son sujet par des moments de pure poésie. « Je voyais de la lumière dans tout ce
noir. Il y a cette citation de Marguerite Yourcenar dans le film, dont la découverte
a été une révélation pendant mon chemin d’écriture. « Qu’est-ce que vous emporteriez
si la maison brûlait ? J’emporterais le feu. » Voilà. Notre maison a brulé et
ma mère a été emportée avec. Mais c’est ce feu que je voudrais transmettre à
mes enfants. »
Second Tour est le huitième long-métrage mis en scène par Albert Dupontel. Comme toujours le cinéaste en a signé le scénario qui, comme toujours, ne ressemble à aucun autre, et positionne immédiatement le film dans la catégorie des œuvres inclassables.
Une fine équipe
Dans
cette histoire suivant le parcours d’un brillant candidat à la
présidentielle entre deux tours, il y a beaucoup de scènes de pure
comédie, mais pas que. Des réflexions sur des thèmes actuels
importants -coucou l’écologie,
coucou
l’immigration- font irruption ici ou là avec un sérieux d’autant
plus percutant que l’atmosphère générale du film tire vers la
loufoquerie.
Second
Tour nous montre le
quotidien de Pierre-Henri Mercier, interprété
par Albert Dupontel,
candidat sorti de nulle part et issu d’une riche famille
industrielle. Il est
financé par de puissants
groupes aux intérêts uniquement mercantiles, qui
attendent de lui une politique en leur faveur.
Passé quelques scènes, nous découvrons que Pierre-Henri Mercier
n’est pas la marionnette que ses sponsors espéraient, et qu’il a
l’intention d’œuvrer
à la défense de l’écologie, ce qui va totalement à l’encontre
des promesses faites aux magnats qui le financent. Son
secret était jusque là bien gardé…
Cécile de France et Nicolas Marié
Nathalie
Pove (Cécile de France)
est une journaliste TV
sportive dynamique.
Brillante, elle couvrait auparavant une actualité plus prestigieuse,
mais a été placardisée suite à un reportage peu
élogieux sur l’un des actionnaires de sa propre chaîne. Avec
son fidèle cameraman, Gustave Clément (Nicolas
Marié), elle se morfond
en couvrant des événements sportifs, jusqu’au jour où son patron
lui demande de suivre la campagne de Pierre-Henri Mercier suite à
l’indisponibilité
des principaux journalistes politiques de la chaîne. Son
patron lui fait promettre de museler son esprit critique, et lui
fournit l’ensemble des questions à poser, les
aseptisées, celles évitant toute polémique. Nathalie
acquiesce, bien entendu, mais va-t-elle réussir à réfréner son
instinct, rien n’est moins sûr…
Infiltrés…
Second Tour démarre sur les chapeaux de roue, Albert Dupontel n’aime pas perdre de temps à planter le décors. Le réalisateur est efficace dès les toutes premières images, ses films durant la plupart du temps moins d’une heure trente (exception faite d’Au revoir là haut il y a six ans). Il nous présente ce candidat atypique en quelques scènes, l’homme providentiel que la droite libérale a propulsé sur le devant de la scène faute d’autre candidat. Vient le tour de Nathalie Pove, dépeinte comme une experte dans l’art de dénicher les petits secrets, sorte de Columbo moderne du journalisme. Avec son acolyte, le cameraman, elle forme un duo percutant, les forces et faiblesses de l’un et l’autre se compensant. .
Ce
huitième long-métrage reflète partiellement
l’âme de son metteur en
scène, qui ne peut s’empêcher de (se) questionner sur la nature
humaine, ainsi que son rapport à son environnement. La fable
politique et écolo est bien évidemment teintée d’une certain
cynisme, sans quoi ce ne serait pas vraiment un film de Dupontel,
mais on remarque ici ou là des percées d’espoir,
mesurées.
Albert Dupontel
Les
dialogues sont très souvent hilarants et
les scènes ne s’embarrassent d’aucun superflu. Les
comédiens,
parfaits, font des
merveilles, chacun dans
son registre. Les fidèles de l’univers Dupontel sont bien là, à
commencer par Nicolas Marié, aux côtés de Philippe
Duquesne, Philippe Uchan,
et encore Bouli Lanners. Albert
Dupontel les connaît bien, il leur offre des rôles, petits ou
grands, aux petits oignons.
Face à ses habitués, la comédienne belge Cécile de France trouve
sa place sans difficulté, interprétant un personnage plus cérébral,
moins physique qu’à l’accoutumée. Elle excelle dans ce rôle de
femme forte, prête à
aller au bout de ses idées et qui, malgré ses revers professionnels
récents, arrive encore
à se laisser gagner par une indignation salvatrice. Elle
donne la réplique à un
Albert Dupontel plus
posé, qui ne se départ
pas de son côté sombre. Leurs
échanges, précautionneux au départ, leurs permettent de se révéler
l’un à l’autre, au
cours d’un jeu du chat
et de la souris imprévisible. La conclusion, teintée d’espoir,
est à l’image des films d’Albert Dupontel : traversée de
doutes, mais ouverte et positive.
En 2010, le réalisateur britannique Gareth Edwards se faisait connaître en réalisant un film de science-fiction indépendant intitulé Monsters. Le long-métrage allait récolter plusieurs récompenses et lui ouvrir les portes d’Hollywood.
La sinistre station NOMAD
Il
allait par la suite mettre en scène deux blockbusters, Godzilla
en 2014, et Rogue One : A Star Wars Story en 2016.
The Creator est son quatrième long-métrage, dans lequel il
confirme son attirance pour l’anticipation.
Le
film s’ouvre sur des images d’archives. Un rappel des grandes
découvertes de la robotique et de ses dates-clefs nous montre
l’évolution de l’intelligence artificielle, jusqu’au drame
survenu 10 ans plus tôt. L’intelligence artificielle (I.A.) aurait
fait exploser une bombe nucléaire sur la ville de Los Angeles,
faisant disparaître un million de personnes en un éclair.
Joshua et Alphie
Depuis,
les États-Unis sont en guère contre l’I.A., et cherchent à
l’éradiquer par tous le moyens. Une vision que les pays d’Asie
du Sud Est ne partagent pas, ceux-ci ayant continué à développer
des robots humanoïdes de plus en plus perfectionnés, au cœur d’une
société où les androïdes et les humains cohabitent pacifiquement.
Le États-Unis ne sont pas en guerre contre ces pays, mais
n’acceptent pas leur fonctionnement. Ils ont décidé d’éradiquer
l’I.A. partout sur Terre, et on développé une gigantesque station
orbitale qui survole la planète dans le but de supprimer tous les
foyers d’I.A. Pour cela, ils doivent trouver le mystérieux
Créateur, celui qui a tout conçu depuis le début, et qui a permis
de fabriquer des clones toujours plus perfectionnés et plus humains.
Joshua
est un ancien soldat infiltré chez les robots. La bombe nucléaire a
fait disparaître l’ensemble de sa famille, et lui a fait perdre
l’usage d’un bras et d’une jambe. Suite à ce drame, il a fait
ce que son pays voulait de lui, contribuer à débusquer le Créateur.
Mais un drame viendra bousculer ses certitudes…
Le
thème de l’interventionnisme américain est le premier qui
apparaît dans le film. Il semble une évidence, et se teinte d’une
grande sincérité, l’Amérique est condamné à défendre le monde
contre lui-même. Elle souffre d’un complexe de supériorité
tellement écrasant qu’elle l’empêche de comprendre les choses
comme elles sont. Persuadés d’avoir raison, les Américains
estiment avoir le droit d’imposer leur vision à tous, quitte à
engendrer des dommages collatéraux sur leur route. Le complexe du
Sauveur s’accompagne de manifestations belliqueuses : même en
pays étranger, les États-Unis s’autorisent à intervenir, sans
avoir consulté les dirigeants concernés. Ce « dialogue »
de sourd est au cœur de l’histoire. Le pays exerce une forme de
justice aveugle, que Joshua embrassera, du moins au début. Persuadé
d’agir pour le bien de l’humanité, Joshua suivra d’abord ses
ordres à la lettre, dans l’espoir de retrouver -ne
serait-ce que brièvement- un être cher.
Alphie, le Sauveur
Gareth
Edwards filme The
Creator comme une
fable d’anticipation. Cela lui permet d’aborder son genre de
prédilection, la science-fiction, tout en faisant la critique de la
civilisation occidentale opposée,
selon lui, à la notion de tolérance prônée par les pays
orientaux. Le thème de l’intelligence artificielle est finalement
plus un prétexte pour défendre le droit à la différence et
le respect de l’autre, quel qu’il soit. Les effets spéciaux
n’éloignent pas le spectateur du récit, ils créent un monde
futur plausible dans
lequel les robots sont parfois plus qu’humains. Isaac
Asimov aurait apprécié ! L’intelligence
artificielle telle qu’elle est ici représentée n’apparaît
jamais comme menaçante, son but est simplement de cohabiter avec les
hommes. Loin du Skynet que James Cameron imaginait en 1984 dans son
film culte Terminator,
et
qui allait donner de nombreuses suites.
Le
périple de Joshua est éreintant, il est poussé par une force
immense, et aidé par un petit «enfant» qui pourrait bien être la
clef de tout…
A la toute dernière image celui-ci nous gratifie d’un sourire annonciateur de jours meilleurs. Gareth Edwards nous confirme qu’il n’a pas perdu espoir en l’humanité…
1er long métrage
remarquable, Le Ravissement, prix
SACD au Festival de Cannes 2023, élève Hafsia Herzi (révélation 2007 de La Graine et le Mulet) au rang de grande
héroïne romanesque, une sœur d’Adèle H qui aurait trouvé comment attirer
l’attention de son amoureux et le garder, mais à quel prix !
Lydia est sage-femme. Elle sort d’une rupture amoureuse. Sa meilleure amie, Salomé, est enceinte. C’est Lydia qui l’accouche. Les jours suivants, Salomé vit très mal son post-partum. Le film explore ce que provoque l’arrivée d’un enfant dans un couple mais aussi son impact sur une relation d’amitié très forte. Lydia et Salomé (excellente Nina Meurisse) se retrouvent à la fois plus unies et dans l’élan de la rupture inéluctable de leur amitié. Lydia entretemps a rencontré Milos, un chauffeur de bus qui travaille essentiellement la nuit. Milos est arrivé quand il était enfant, avec sa famille qui fuyait la guerre en Serbie. Il ne veut pas être aimé, ne veut vivre que l’instant présent et ne penser ni au passé ni se projeter dans l’avenir. Alexis Manenti, César du meilleur espoir masculin dans Les Misérables en 2020 campe ici un homme taciturne loin de ses rôles d’homme fort et viril. Lydia, en revanche, a tant besoin d’être aimée, c’est d’ailleurs elle qui donne son nom à l’enfant que Salomé met au monde : Esmée, « celle qui est aimée ».
La réalisatrice a voulu emmener Hafsia
Herzi dans le romanesque, dans le silence et la solitude, l’ayant poussée à exprimer
beaucoup par peu de mots, à la recherche de l’émotion juste. Sage-femme est un
métier et il fallait qu’on y croie. Un travail en amont a été opéré par Hafsia
Herzi pour maîtriser les gestes de la parturiente. Le tournage de la séquence
d’accouchement de Salomé s’est fait dans
une vraie maternité avec un dispositif propre au documentaire. « J’ai voulu filmer le travail de la
sage-femme, qui travaille en étroite collaboration avec la mère pour mettre
l’enfant au monde, avec une précision documentaire, sans recourir au discours.
J’avais le sentiment que montrer ce métier par les gestes, c’était ce qu’il y
avait de plus cinématographique. Je voulais filmer les gestes de cette sage-femme,
qui grandissent jusqu’au passage à l’acte. »
L’idée
du scénario est partie d’un fait divers mais la réalisatrice n’a pas mené
d’enquête au-delà : « Je me
suis vite rendue compte que je voulais aborder les passions qui animent et
déchirent les gens par un autre biais que le droit. » Ce fait divers
raconté en deux phrases : une jeune femme
emprunte l’enfant de sa meilleure amie et fait croire à un homme qu’elle en est
la mère, a ouvert les vannes de l’imaginaire.
Il s’agissait de s’éloigner du naturalisme pour aller vers la fiction avec un
personnage romanesque et de s’amuser avec les codes de ce genre. On pense à
Truffaut par l’utilisation de la voix off, le procédé de l’ouverture et
fermeture à l’iris, l’annonce en préambule du destin tragique. On pense au Ravissement de Lol V. Stein, le roman de
Duras. À In the mood for love à l’écoute de la
musique qui accompagne les errements de la jeune femme dans Paris de nuit,
revisitée. Quant à Hafsia Herzi, elle semble une femme échappée des tableaux de
Jean-Jacques Henner dont elle visite une exposition avec Milos. L’affiche du
film est un hommage à sa beauté romantique.
Le
Ravissement joue sur
les registres du réalisme et du romanesque et ouvre sur le thriller. Lydia
entre dans une spirale du mensonge et le film ménage un suspens jubilatoire
pour le spectateur qui se demande comment elle va en sortir. Que celui qui voit
le film en préserve le mystère !
