Le célèbre groupe de heavy metal britannique débute une tournée qui le conduira aux quatre coins de l’hexagone

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Que les Francs et les Wisigoths tremblent, les Saxons s’apprêtent à déferler sur la France et à balayer, de leur furie musicale, toute résistance. Leurs batailles musicales, à Maxéville, St Herblain et Toulouse s’annoncent homériques. On leur prête même la volonté d’entrer dans la cathédrale Notre-Dame, tout juste rénovée.

Il faut dire le groupe britannique originaire de Barnsley emmené par leur roi Biff Ier qui fêtera en 2026 son demi-siècle d’existence comme un règne qui a certes connu des tourments mais a toujours été constant a fait un retour fracassant au Hellfest 2024 dont il a tiré un album live attendu avec impatience par leurs fans comme un cor résonnant dans la brume et prêt à envelopper, comme le nom de sa tournée, ces derniers de leurs sortilèges musicaux.

Princess of the Night, Crusaders ou Wheels of steel seront ainsi entonnés dès ce week-end sur la terre des Francs au Heavy Weekend de Nancy avant de revenir pour trois dates au mois de septembre 2025. Que les fans et les curieux se préparent donc à des concerts d’anthologie…

Par Laurent Pfaadt

Saxon, Hell, Fire and Steel European Tour 2025 :
Heavy Weekend Nancy (6 juin), Zénith Paris (11 septembre), Zénith Nantes (12 septembre), Zénith Toulouse (13 septembre)

A écouter, Saxon, Hell, Fire and Damnation, Eagles over Hellfest, Silver Lining, 13 juin 2024

La saison de l’OPS s’est achevée les 22 et 23 mai par une exécution de haute volée de la seconde symphonie de Mahler. Un duo vocal de qualité, un double chœur et une masse orchestrale des plus imposantes, tous sous la direction d’Aziz Shokhakimov, auront, lors des deux soirées, suscité une écoute à la hauteur de l’évènement et une ovation interminable.

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Alain Lombard l’avait introduite dans le répertoire de l’orchestre en 1972 à l’occasion d’un concert mémorable à la cathédrale ; trente ans plus tard, Marc Albrecht la défendit avec le talent qui est le sien de même que Michael Gielen venu la jouer dans la salle Erasme avec son orchestre du Südwestfunk. Il n’empêche : la prestation du jeune directeur de l’OPS dans cette seconde symphonie de Gustav Mahler aura atteint un niveau soutenant les plus flatteuses comparaisons.

S’il est un compositeur que l’industrie du disque, dans sa grande époque des années 1960, aura entrepris de documenter bien avant qu’il ne devienne une tête d’affiche des grandes salles de concert, c’est bien Gustav Mahler. En une soixantaine d’années, il s’est ainsi accumulé une pléthore d’enregistrements, d’intérêt nécessairement inégal. Des grandes publications de cette symphonie dite ‘’Résurrection’’, il se dégage trois types d’approche dont la première vaut par son atmosphère hyper-romantique, ses contrastes exacerbés et une certaine exhibition sonore : les meilleurs dans le genre sont sûrement Zubin Mehta et Léonard Bernstein. A l’opposé, d’autres chefs ont surtout mis en avant le modernisme, sinon de l’écriture, au moins de l’orchestration et recherché une grande rigueur d’atmosphère : Otto Klemperer d’abord, Pierre Boulez ensuite ont talentueusement défendu cette optique. Mais une troisième approche s’est également fait entendre, autant capable de restituer le modernisme sonore que de faire entendre l’univers romantique dans lequel baigne l’oeuvre : l’initiateur en ce sens ne fut rien moins que Bruno Walter, le disciple du compositeur, son jeune assistant d’abord à Hambourg (1894) puis durant  huit ans à Vienne quand Mahler dirigea le Staatsoper ; avant de devenir le grand défenseur de sa musique, il fut aussi, en 1911, son exécuteur testamentaire, héritant de la création post mortem de chefs d’oeuvre comme le Chant de la Terre et la neuvième symphonie. Deux autres chefs se sont inscrits dans le sillage de Bruno Walter, le tchèque Vaclav Neumann et le hongrois Georg Solti.

C’est dans ce sillage des plus idiomatiques que se situe la prestation de Shokhakimov et de ses musiciens. Dès l’immense marche funèbre qui constitue tout le premier mouvement, le jeune chef excelle à unir la constante lourdeur du climat psychologique avec l’indispensable allant du discours musical. La détente heureuse du second mouvement est magnifiquement restituée par des cordes au lyrisme parfait, avant l’ambiance sarcastique d’un scherzo aux plans sonores d’une lisibilité qui ne nuit en rien à l’atmosphère. La voix dense de la mezzo Anna Kissjudit nous vaut un Urlicht dramatique et puissant avant l’impressionnante explosion ouvrant le très long final. Cette alternance de dialogues instrumentaux en coulisses, de dorures sonores boisées et cuivrées et de tutti orchestraux démesurés est magistralement restituée par des musiciens au meilleur d’eux-mêmes. Excellemment préparé par Hendrik Haas, le chœur (ceux du Philharmonique et de l’Opéra) fait enfin son entrée, intégrant les interventions de la délicate soprano Valentina Farcas et de la profonde mezzo Anna Kissjudit, avant la résurrection finale. Le seul regret sera que cette magnifique soirée ne se soit vue pérennisée par aucune caméra ni aucun micro.

Cette seconde symphonie marque quasiment le terme du projet Mahler entrepris en 2018 et suspendu pendant la crise sanitaire. Ne manque plus que la huitième symphonie, qui pose des problèmes logistiques considérables. Une version sonorisée dans une acoustique déplorable entreprise par Jan Latham-Koenig il y a vingt ans aura surtout montré ce qu’il ne faut pas faire. La cathédrale reste sans doute le moins mauvais des pis-aller. On peut par ailleurs se demander si le projet ne gagnerait pas à être enrichi d’une exécution de la dixième symphonie, notamment dans l’édition achevée du musicologue Clinton A. Carpenter qui semble de grande valeur. Compte tenu des grands talents mahlériens du directeur de l’orchestre (déjà très remarqués dans les troisième et cinquième symphonies) et compte tenu de la médiocrité, au cours de cette intégrale, des interprétations des première, septième et surtout sixième symphonies, on peut aussi se demander si ces dernières ne mériteraient pas d’être redonnées au cours des saisons prochaines.

                                                                                                            Michel Le Gris

La nouvelle édition du célèbre festival réunira une nouvelle fois quelques grands noms de la musique

Comme chaque année, alors que s’avance l’été, la presqu’île de Malsaucy se transformera en paradis musical. Un paradis musical qui abrita, selon la légende, des sabbats de sorcières et où régnera une nouvelle fois anges et démons. Et parmi ces derniers, ceux d’Iron Maiden, le célèbre groupe de heavy metal, assurément l’une des têtes d’affiche de cette édition, qui inaugurera ici sa tournée française avant de rejoindre la scène de la Paris Defense Arena, les 19 et 20 juillet et célébrera son demi-siècle d’existence avec un public français qui ne lui a jamais fait défaut et entonnera à n’en point douter ses Run to the hills et Evil that men do pour appeler les autres démons de la musique à répandre leurs énergies sur les différentes scènes. Parmi ces derniers les suédois d’Avatar, Alta Rossa ou de The Raven Age du fils de Steve Harris, le fondateur d’Iron Maiden. Car il est bien connu qu’on a le démon dans le sang, surtout quand on viendra présenter son dernier album baptisé justement Blood Omen…

Dans ce paradis non moins perdu, quelques anges viendront répandre leurs lumières musicales, à commencer par Clara Luciani, l’une des figures de proue de la chanson française qui conduira une magnifique légion avec Damso, Kalash, le G.O.A.T du dancehall, SDM, Philippe Katerine et Theodora, nouveau phénomène qui chantera son hymne à la féminité noire. D’autres anges maudits ou non, vous proposeront un voyage dans le temps, Silmarils pour les nostalgiques du rock, Yodelice qui convoquera les mânes de Depeche Mode ou Uncle Waffels, une sud-africaine qui ressuscitera avec bonheur la house…

Un paradis qui sera traversé par un serpent, celui de la tentation électro. Et pas n’importe lequel : DJ Snake, le plus grand DJ du monde qui sera l’une des têtes d’affiche de ces Eurockéennes 2025. Et nul doute qu’il fera croquer sa pomme aux milliers de spectateurs et à la Femme qui, avec ses tubes rétrofuturistes pleins d’énergie, nous proposera un voyage inoubliable à la rencontre des petits anges de notre jeunesse. Et si la nuit vient à tomber, il vous faudra de la crème solaire pour éviter le coup de soleil électro mais pas sûre que celle, punk, du groupe du même nom ne vous protège. D’autant plus qu’une éclipse est attendue lors de ce sabbat, une éclipse préparant l’arrivée des maîtres de la nuit, Ofenbach, le groupe français aux 350 millions de vues sur youtube et aux succès planétaires (Katchi, Overdrive, etc) qui distillera cette fois-cisa French Touch sur un ton plus funky qui rappellera à coup sûr ses illustres aînés. Les deux empereurs de l’électro seront accompagnés de disciples tels qu’I hate models ou Chroma pour un sabbat électro absolument unique.

Pris entre ces anges et démons, vous aurez la possibilité d’un dernier dîner. Mais celui-ci aura l’aspect d’une fête avec The Last Dinner Party qui évoquera l’âme d’une autre artiste de légende venue aux Eurockéennes en 2012, mi-ange, mi-démon, Lana Del Rey, une âme dans laquelle se glissera également la magnifique Sylvie Kreusch, une artiste à ne pas rater. Alors vous demanderez justice. Cela tombe bien puisqu’elle sera là mais préparez-vous à une version électro de cette dernière qui, l’image de sa prestation en clôture des JO 2024, vous emportera au firmament de ces étoiles pour un jugement céleste. Ne restera plus que les bardes et autres poètes et poétesses pour chanter cette énième épopée musicale sur les bords de la Véronne, à commencer par la suissesse Mary Middlefield et ceux de Dead Poets Society et Royel Otis, les nouvelles stars de la scène australienne, les petites pépites rocks à ne pas rater.

Comme chaque année, les Eurockéennes de Belfort en convoquant différents styles musicaux, mêleront avec bonheur divers publics, entre « metalleux », fans de rave parties ou amateurs de rap et de chanson française. Bref, préparez-vous à des rencontres inoubliables qui hanteront longtemps vos nuits…

Par Laurent Pfaadt

Retrouvez toute la programmation des Eurockéennes de Belfort 2025
(3-4-5-6 juillet) sur : www.eurockeennes.fr

Au cours de chaque saison musicale, la direction de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg ouvre sa porte, pour le temps d’une soirée, à une autre formation symphonique. Ainsi, au fil des ans, a-t-on pu entendre et apprécier l’Orchestre National de Lorraine, puis ceux de Lyon et de Lille et l’an passé, l’Orchestre National de France. Cette année, c’était le tour de l’Orchestre philharmonique du Luxembourg.

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C’est toujours un plaisir que de découvrir un orchestre que l’on ne connaît pas dans une salle qu’en revanche l’on connaît bien. Les spécificités de chaque formation n’en ressortent que mieux. On n’est toutefois pas à l’abri d’une déception tant il arrive parfois que le jeu de musiciens fraîchement débarqués dans une salle autre que la leur peine parfois à s’approprier ses caractéristiques acoustiques. Sous la conduite du chef et violoniste Renaud Capuçon, les musiciens luxembourgeois auront brillamment surmonté cette difficulté en décidant de venir sur scène plus d’une heure avant le début du concert, afin de se familiariser avec la salle Erasme et de chauffer leurs instruments. Dès la petite ouverture de Prométhée de Beethoven, « historiquement informée » par ses attaques vives et nerveuses mais jouée sur une soixantaine d’instruments modernes, on est on ne peut plus agréablement surpris par l’extrême précision et la beauté sonore émanant de la formation, sans la moindre des approximations qui entachent souvent les débuts de concert.

C’est depuis son violon que Renaud Capuçon dirige ensuite, avec une aisance sidérante, la formation resserrée à une quarantaine de musiciens, dans le troisième concerto de Mozart dont il assure la partie soliste. Au violon comme à l’orchestre, on aura beaucoup apprécié le jeu vif-argent, la finesse de texture et la justesse de style. On le dit avec d’autant plus de plaisir qu’on n’a pas toujours aimé dans le passé le violon parfois sirupeux et compassé de ce musicien qui, l’âge venant, semble trouver une vitalité nouvelle.

Cela fait déjà quelque temps qu’il se disait que l’orchestre du Luxembourg avait accompli d’importants progrès mais on n’imaginait quand même pas qu’il avait atteint un tel niveau d’ensemble. La virtuosité des cordes, le son étincelant des bois, la beauté des cuivres sans oublier la musicalité du merveilleux timbalier nous ont valu, sous la direction autant assurée qu’inspirée de Renaud Capuçon, une symphonie Ecossaise d’une richesse d’atmosphères que l’on n’entend pas toujours. Cette soirée du mercredi 9 avril nous aura non seulement fait découvrir une formation de haut niveau, mais aussi un chef dont la carrière, encore débutante, le montre particulièrement à l’aise dans un répertoire classique et romantique qui aujourd’hui échappe à un nombre croissant de chefs d’orchestre.

La semaine d’avant, le vendredi 4 avril, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg offrait un programme d’une hauteur de vue peu banale, associant la Nuit transfigurée d’Arnold Schoenberg au Chant de la terre de Gustav Mahler dont on garde le souvenir d’une prodigieuse interprétation de Marko Letonja, au temps où il était directeur de l’OPS. Cette fois-ci, c’est le chef américain Robert Trevino qui se trouvait invité lors de cet unique concert. De la version pour orchestre à cordes du chef d’œuvre de Schoenberg, il nous aura proposé une interprétation assez prenante et particulièrement puissante. La soixantaine d’archets strasbourgeois a fait preuve d’une belle cohésion.

Donné en seconde partie, Le Chant de la terre s’est avéré plus problématique. L’approche du chef se montre d’emblée par trop immédiate et peu soucieuse des complexités et des ambiguïtés de la musique de Mahler. Composé, à l’instar des suivants, sur des poèmes chinois du 8è siècle ultérieurement traduits en allemand, le premier chant de cette symphonie pour ténor et contralto avec grand orchestre s’intitule « Chant à boire de la douleur de la terre » (Das Trinklied vom Jammer der Erde). L’atmosphère s’y trouve dramatiquement contrastée, on y chante à la fois la gloire du vin, la beauté du monde et la vanité de l’existence : « sombre est la vie, sombre est la mort ». La sonorité y est d’une âpreté particulière, tant du côté des vents que des cordes. Le chef Robert Trevino entame ce lied dans une absence de retenue et avec un éclat sonore évoquant plus un début d’opéra wagnérien précoce que celui du chef d’oeuvre tardif de Mahler. Prise dans cette tempête sonore, la voix de l’excellent Simon O’Neil, qui n’a toutefois plus vingt ans, se bat comme elle peut pour se faire entendre. Le deuxième lied Der Einsame im Herbst, rapprochant solitude automnale et automne de la vie, ne s’avère pas meilleur, mais pour d’autres raisons : si l’orchestre s’est certes calmé, son jeu s’avère bien en-deçà de la grande poésie du morceau ; quant à la voix de la mezzo Justina Gringyté, richement dotée dans le registre grave, elle se montre en grande difficulté dès que sa partie passe dans l’aigu. Forcé de cette manière, ce chant mélancolique vire en exercice de Sprechgesang (chant parlé), parfaitement idoine dans le Pierrot lunaire de Schoenberg, mais hors sujet dans Le Chant de la terre de Mahler.

Aussi étonnant que cela paraisse dans une affaire aussi mal engagée, tout est allé de mieux en mieux dans les quatre chants suivants : la voix de Simon O’Neil et le jeu de l’orchestre ont fini par trouver un équilibre dès le troisième chant ; à partir du quatrième, les difficultés de Madame Gringyté dans l’aigu se sont bien atténuées ; certaines parties d’orchestre comme l’arrivée des jeunes et beaux cavaliers dans le lied Von der Schönheit ont été particulièrement bien rendues. Quant à l’Abschied final, l’un des plus sublimes morceaux pour voix et orchestre jamais composé, si on n’en a entendu de plus poétique, convenons que le dramatisme de la direction d’orchestre et le registre grave de la mezzo en ont fait un moment très prenant.

                                                                                              Michel Le Gris  

En à peine plus d’une semaine, les concerts de l’OPS ont affiché deux beaux programmes, associant grandes œuvres du répertoire et solistes de renom : le pianiste Alexandre Kantorow et la violoniste Simone Lamsma. Invitée pour la première fois à Strasbourg, Oksana Lyniv dirigeait l’un des deux concerts.

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A moins de trente ans, Alexandre Kantorow est un jeune pianiste bardé de premiers prix de concours, de diapasons d’or et d’autres récompenses discographiques, notamment pour ses poignantes interprétations de l’oeuvre pianistique du jeune Brahms. Jouant dans les grandes salles du monde entier, tant comme soliste que comme concertiste, il a aussi fondé le festival des Rencontres musicales de Nîmes avec le violoncelliste Aurélien Pascal et la violoniste Liya Petrova, particulièrement appréciée lors de son récent passage à Strasbourg. On était donc très curieux d’entendre Kantorow dans un répertoire différant quelque peu de celui dans lequel il s’est, jusqu’à maintenant, fait connaître.

Datant de 1806, le quatrième concerto pour piano et orchestre de Beethoven fait partie, avec la quatrième symphonie, de ses œuvres les plus solaires et les plus enjouées, avec un premier mouvement d’une très grande fluidité mélodique. Dès l’entrée du thème principal au piano, on est quelque peu surpris de l’ambiance statique et sombre que notre soliste suscite d’emblée, quand on y entend habituellement celle d’un éveil lumineux. L’orchestre lui répond immédiatement sur un rythme un peu martial, avec des timbres à la verdeur accentuée par un recul assez audible du registre grave. Histoire de se rassurer, on se dit que le retour du piano va corriger cette impression première, mais il n’en sera rien. Contre toute attente, l’ensemble de ce premier allegro, jusque dans la cadence du soliste, demeurera dans une atmosphère d’introversion intimiste et pour le moins rigide. L’étonnant second mouvement, où piano et orchestre évoluent chacun de leur côté avant de finir par se rejoindre, sera joué sans mystère ni engagement, avec des coups d’archets peu expressifs et un jeu pianistique assez indifférent. Quant à l’exubérance du rondo final, elle a surtout fait entendre des accents guerriers quelque peu agressifs.

Deux bis, l’un consacré à Brahms, l’autre à Stravinski nous ont fait retrouver le Kantorow que l’on aime. Dans le magnifique intermezzo de l’opus 117, on admire la beauté du toucher et le naturel de l’inspiration. Avec le mélange de poésie et de virtuosité déployées dans le finale de l’Oiseau de feu (dans sa réduction au piano), il semble insurpassable. Kantorow au meilleur de lui-même !

En deuxième partie de ce concert ayant débuté par Shadows of Stillness, une courte pièce, picturale et assez joliment colorée, de la jeune compositrice slovène Nina Senk, figurait la quatrième symphonie de Johannes Brahms, son avant-dernière grande oeuvre pour orchestre créée en 1885, avant le double concerto pour violon et violoncelle deux ans plus tard, les dernières années n’étant plus consacrées qu’à la musique de chambre et à quelques pièces vocales. Là encore, on était curieux d’entendre Aziz Shokhakimov dans un répertoire où, à l’exception d’un Requiem allemand la saison dernière, on ne l’a guère entendu depuis sa prise de fonction à Strasbourg. Bien mieux que lors du requiem, on eût une interprétation assez originale et une bien belle exécution orchestrale (supérieure, semble-il, ce soir du 27 février à celle du concert de la veille). Certes, les mélomanes accoutumés aux voluptés sonores de l’orchestre philharmonique de Berlin, que ce soit avec Karajan, Abbado ou Rattle auront pu être surpris de cette approche fondée sur des attaques assez vives, des notes assez courtes, des phrasés anguleux et une certaine verdeur de timbres. L’aspect élégiaque et automnale de cette symphonie recule quelque peu au profit d’une dimension plus conflictuelle et tourmentée, particulièrement audible dans le mouvement lent et la passacaille finale. Cette grande œuvre tolère, à vrai dire, bon nombre d’approche et d’autres grands chefs, comme Carlos Kleiber ou David Zinmann, ont eux aussi déployé dans Brahms cette esthétique sonore que l’on peut appeler toscaninienne. On est par ailleurs reconnaissant à Shokhakimov d’avoir opté pour le grand orchestre car, à la différence de Beethoven, Schubert, Schumann ou Mendelssohn, tous les essais ‘’historiquement informés’’ d’effectifs orchestraux resserrés ne se sont pas montrés très concluants dans la musique de Brahms.

Il a bien fallu quelques minutes, environ le temps de l’exposition, pour que le jeu un peu ‘’brut de décoffrage’’ de l’orchestre cède la place à une cohérente énergie, formant un solide rempart contre le penchant mélancolique de l’oeuvre. Après le second mouvement andante, plus tourmenté que contemplatif, l’allegro giocoso emporte tout sur son passage, enchaînant sur une prodigieuse passacaille, mise en valeur par tous les vents solistes et soulevée par un orchestre chauffé à blanc, d’une cohésion hors du commun. Cette manière tempétueuse sied particulièrement à cette extraordinaire succession de trente cinq variations où Brahms, dans la lignée de Bach et de Beethoven, confirme ses qualités de grand maître du genre.

S’il est donc des œuvres, comme cette quatrième de Brahms, qui acceptent parfaitement une grande pluralité d’approches, il s’en trouve en revanche dont le sens demeure plus univoque et doit être fixé par l’interprétation. C’est le cas de cette seconde symphonie de Schumann qui figurait en seconde partie de concert le soir du vendredi 7 mars, sous la conduite d’Oksana Lyniv. A rebours des quelques grands interprètes de cette symphonie que sont Georges Szell, Léonard Bernstein, Herbert von Karajan, Wolfgang Sawallisch, Nikolaus Harnoncourt, Yannick Nézzet-Seguin, il s’en trouve beaucoup d’autres n’ayant apparemment pas saisi son irréductible fébrilité intérieure, sa combativité, sa puissante atmosphère maniaco-dépressive. La jouer dans l’optique d’un juste milieu aimable et nourri de bonnes dispositions lui enlève à peu près tout ce qu’elle a d’essentiel. Artisan d’une belle intégrale Schumann sur instruments d’époque, un chef comme John Eliott Gardiner ne nous propose pas moins une seconde symphonie, certes d’une grande beauté sonore mais dépourvue de tout engagement vital. C’est une approche similaire qui se faisait entendre sous la baguette, au demeurant méticuleuse et attentionnée, d’Oksana Lyniv.

Dans ce violent combat entre mélancolie plombante et effort vital pour la surmonter qui traverse tout le premier mouvement, jamais la mayonnaise ne prend du fait d’une douceur générale, celle des attaques, des accents, des forte. Les quelques beaux cantabile qui, ci ou là, se font entendre sont, dans pareil contexte, tout à fait anecdotiques. Le très regretté Giuseppe Sinopoli, médecin-psychiatre en même temps que compositeur et chef d’orchestre, savait quant à lui faire entendre le coeur battant de cette musique ! En dépit d’un tempo soutenu, le scherzo, moment maniaque s’il en est, se contente de phrasés confortables, proches d’un menuet et prévient tout espèce d’incendie dans la coda. Faire du splendide mouvement lent le motif d’une simple déploration revient à colmater les abîmes de cette musique ! Quand au dernier mouvement allegro vivace, joué avec rondeur, souplesse et une puissance des plus retenues, il ne restitue pas le caractère artificiel de cette joie excessive, retrouvée mais fragile, suscitée par aucun mobile extérieur, n’étant que le retour inopiné d’une santé intérieure momentanément recouvrée.

Ce concert, donné en unique soirée, avait commencé par une fort belle exécution du Prélude de l’acte 1 de Parsifal, témoignant des talents wagnériens d’Oksana Lyniv, première femme invitée à diriger à Bayreuth. Le quatuor à cordes de l’orchestre et la trompette solo de Jean-Christophe Mentzer campent un début splendide, d’une atmosphère très prenante, qui se maintient jusqu’à la dernière mesure. Le mitan de cette ouverture donne, encore une fois, l’occasion de se réjouir de la très haute qualité des pupitres de cuivre dont nous disposons à Strasbourg. Venue il y deux ans pour le premier concerto de Shostakovitch, la violoniste Simone Lamsma, encore jeune mais reconnue sur la scène internationale, est ce soir-là soliste d’une autre grande œuvre du 20e siècle, le concerto du finlandais Jean Sibelius, composé en 1903-1904 et dont la version définitive date de 1905. Avec les moyens violonistiques qui sont les siens, notre soliste invitée soulève l’enthousiasme d’une salle qui, du coup, l’applaudit entre chaque mouvement. Reste toutefois à savoir si un jeu aussi démonstratif et extraverti exprime vraiment l’austérité sombre et minérale de ce concerto. Conduit par Oksana Lyniv, l’orchestre ne se contente pas d’accompagner et joue sa partition dans un esprit bien plus proche de l’oeuvre.

Michel Le Gris

Il est des concerts où, dès les premières notes, on se dit qu’une grande soirée musicale commence. Cette impression première s’est trouvée plus que confirmée lors du dernier concert de l’OPS avec la jeune violoniste Liya Petrova et le chef invité Michael Sanderling.

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Quelle beauté de jeu, quel lyrisme à la fois retenu et fervent, quelle pureté d’inspiration dans le concerto pour violon de Mendelssohn, rarement bien joué ! Dès l’entrée du violon exposant le thème principal, Liya Petrova trouve le ton juste là où tant d’autres s’égarent dans une sentimentalité un peu niaise, ou bien s’en préservent en campant sur une rigueur hors de propos. Avec la première réplique de l’orchestre, on se réjouit aussi de l’élégance de jeu qu’en obtient Michael Sanderling, avec notamment des cordes douces et sensuelles dans un équilibre instrumental d’une clarté exemplaire. Tant du côté de la soliste que de l’orchestre, cette qualité du dialogue ne faiblira à aucun moment. L’andante central fut un sommet de poésie, rapprochant le violon de Mendelssohn du piano de Schumann, celui de la rêverie des Scènes d’enfants. Virtuose comme il se doit, l’allegro molto vivace final ne se départit à aucun moment de cette grande ligne poétique et musicale. Et quel soutien orchestral !

Liya Petrova joue souvent avec d’autres amis musiciens, comme les talentueux pianistes Adam Laloum, Alexandre Kantorow ou Eric Le Sage. C’est avec deux des musiciens de l’orchestre – le violoncelle solo Alexander Somov et Charlotte Juillard, le violon super-soliste – qu’elle a donné, en bis, deux petites pièces virtuoses de Bela Bartok.

Michael Sanderling est le cadet des fils de Kurt Sanderling, grand chef d’orchestre allemand du 20è siècle qui fut, entre autres, associé au légendaire Philharmonique de Leningrad et à son directeur Evgeny Mravinski. Ses frères aînés, Thomas et Stefan Sanderling, sont eux-mêmes chefs d’orchestre. Michael aura d’abord fait une carrière de violoncelliste, notamment comme violoncelle solo au Gewandhaus de Leipzig, avant d’opter pour la direction d’orchestre. Il a été, dix ans durant, chef de la Philharmonie de Dresde. Depuis quelques années, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de Lucerne, le plus vieil orchestre suisse fort d’une bonne centaine de musiciens et doté d’une des meilleures salles qui soient, où se déroule chaque année le Festival international de musique. Des enregistrements, semble-t-il peu distribués en France – intégrales Beethoven, Brahms et Shostakovitch – ont été effectués à Dresde et à Lucerne.

Se souvient-il que cette quatrième symphonie de Bruckner qu’il dirige ce soir du 6 février 2025 — dans l’édition Novak, la plus austère –, son père aussi l’avait donnée dans cette même salle, il y a une bonne trentaine d’années ? Quoi qu’il en soit, s’il était encore là, celui-ci n’aurait pas à rougir de la performance de son fils car elle se situe au plus haut niveau de ce que l’on a entendu à Strasbourg. Conduit de cette manière, avec tant de précision et d’ardeur, l’OPS soutient toutes les comparaisons et peut tourner avec ce concert dans les plus grandes salles d’Europe. Abordant cette musique de Bruckner de façon très architecturale, Michael Sanderling retient tout ce qu’elle peut receler d’anecdotique et de figuratif. Moyennant un équilibre sonore des plus expressionnistes, il y installe une ambiance à la fois dramatique et abstraite, à la manière de certains grands chefs du passé comme Otto Klemperer et Evgeny Mravinski, qu’il a sûrement du connaître dans sa jeunesse auprès de son père. La concentration qui règne alors sur scène diffuse dans la salle, d’un silence et d’une attention remarqués, en dépit de tous les maux de gorge saisonniers. Michael Sanderling, un chef que l’on espère retrouver lors de prochaines saisons.

Non loin de Strasbourg, le village viticole de Wolxheim a été ces dernières semaines le lieu de deux belles soirées musicales données au Domaine Lissner tenu par Bruno et Théo Schloegel, vignerons hors normes élaborant des vins à l’avenant. Début décembre, un premier concert était donné par le Trio Zénon formé de Charlotte Juillard et de ses amis, la violoncelliste Lydia Shelley et le pianiste Emmanuel Christien, jouant avec ferveur et justesse de style les premiers trios de Beethoven et de Mendelssohn. Quelque temps plus tard, le 26 janvier, ce fut le tour du pianiste Adam Laloum venu de Paris « roder » un concert prévu prochainement au Théâtre des Champs-Elysées. Nous eûmes ainsi le plaisir d’entendre les « petites » sonates de Schubert D566 et D557, son interprétation à la fois vigoureuse et éloquente de la troisième sonate de Brahms (qu’il a enregistré il y a quelques années) et des Kreisleriana de Schumann excellant à concilier énergie rythmique et fluidité du chant, notamment dans un début des plus beaux qu’il m’ait été donné d’entendre. Des soirées musicales et vineuses de cet acabit, on en redemande.

Michel Le Gris

Rarement joué, l’Oratorio de Noël du compositeur français Camille Saint-Saëns fut plutôt à l’honneur en cette fin d’année 2024. Il se trouva à l’affiche du Philharmonique pour son concert de la mi-décembre à la salle Erasme après avoir été, quelques semaines plus tôt, donné par la Chorale strasbourgeoise au Palais des Fêtes.

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Pianiste et organiste virtuose, figure musicale du romantisme français, Camille Saint-Saëns, né à Paris dans les premiers temps de la Monarchie de Juillet (1835), aura vu sa longue carrière se dérouler d’abord durant le Second Empire, puis sous la Troisième République avant de s’éteindre à Alger en 1921. De son œuvre importante, on ne joue le plus souvent que ses concertos pianos n°2 et 4, son premier concerto pour violon et son troisième concerto pour violoncelle, sa symphonie n°3 « pour orgue », son Carnaval des animaux, sa Danse macabre et son opéra Samson et Dalila (parmi les treize qu’il a composés!). Avec son contemporain d’outre-Rhin Johannes Brahms, il a en commun, sinon le génie créateur, une connaissance encyclopédique de la musique et une très grande habileté d’écriture.

Créé à Paris en 1857, dans l’église de la Madeleine dont Saint-Saëns était devenu l’organiste titulaire, son Oratorio de Noël est donc l’oeuvre d’un compositeur de 23 ans. Ecrite pour un quintette de chanteurs solistes, un choeur mixte, un orgue et un orchestre à cordes, la partition comporte dix morceaux sur des textes de l’Ancien et du Nouveau Testament, dans un style musical assez composite, mêlant références baroques et mélodies d’époque. Elle s’achève dans un Alléluia triomphal, selon une posture caractéristique de la plupart des œuvres ultérieures du compositeur : à la différence de celles du romantisme allemand, les conclusions victorieuses ne sont jamais chez Saint-Saëns l’issue de quelque combat intérieur ou déchirure subjective, mais plutôt l’emblème d’un optimisme d’époque, dont témoignent les Expositions universelles, les réalisations architecturales comme la Tour Eiffel ou l’église du Sacré Coeur, les conquêtes d’une France coloniale. Sous cet angle, et quelles que soient les grandes qualités d’écriture de ses trois premiers mouvements, la conclusion de la symphonie avec orgue, donnée l’an passée à Strasbourg, va vraiment très loin dans cette esthétique triomphaliste.

Pour cet Oratorio de Noël, Aziz Shokhakimov, le directeur de l’OPS, disposait de l’excellent choeur de l’Opéra du Rhin et d’un quintette de bons solistes. Il a choisi de le jouer avec un vaste tapis de cordes, quasiment tout le quatuor à cordes du philharmonique (plus de soixante musiciens). L’oeuvre évolua ainsi dans un climat de grande volupté sonore, la puissance instrumentale et vocale déployée mettant particulièrement en avant sa dimension opératique.

Ce concert, dédoublé en deux soirées – celles du 18 et
19 décembre –, s’achevait avec la Shéhérazade de Rimski-Korsakov, suite symphonique en quatre mouvements pour violon solo et grand orchestre dont le motif littéraire est l’évocation d’histoires contées par une jeune odalisque à un sultan misogyne et paranoïaque, afin de retarder la mise à mort à laquelle finalement elle échappera. L’OPS a toujours été très à l’aise dans cette œuvre techniquement exigeante, que ce soit sous la direction de Marko Letonja ou de celle, plus ancienne, de Kiril Karabitz ; mais, avec son jeune directeur Shokhakimov, il s’est cette fois littéralement surpassé. D’emblée, dans La mer et le vaisseau de Sinbad, le contraste entre la sévérité des accords cuivrés – évoquant la figure du terrible sultan – et la douceur mélodieuse du violon solo de Charlotte Juillard – incarnant la jeune Shéhérazade — s’avère magnifique, avant que l’atmosphère marine et le tumulte des flots ne prennent le dessus. Dans le second épisode, Le récit du prince Kalender, le violon solo et les solistes de l’orchestre rivalisent de phrasés poétiques et de beautés sonores. Le mouvement suivant — noté andantino quasi allegretto et intitulé Le jeune prince et la jeune princesse – m’a toujours paru le plus beau. Peut-être l’est-il aussi pour Shokhakimov qui y déploya des trésors d’éloquence amoureuse.L’ultime tableau, Fête à Bagdad et naufrage du bateau, grand moment de virtuosité orchestrale, requiert à la fois un très bon orchestre et beaucoup de rigueur et de doigté afin de ne pas sombrer dans les effets sonores gratuits. Du début à la fin, chef et orchestre y déployèrent une musicalité de haut-vol, avec notamment une bonne intégration des trombones dans l’épisode final du naufrage.

Ce très beau concert est entièrement disponible sur la boutique d’Arte. Il faut d’autant plus s’en réjouir que, si les enregistrements de Shéhérazade sont innombrables, assez peu rendent vraiment justice à l’oeuvre et même de grands musiciens s’y sont littéralement cassés les dents : Herbert von Karajan y a, si l’on peut dire, réussi son plus beau ratage entraînant ses Berliner dans le naufrage ; Jos van Immerseel, ambitionnant de « restaurer » l’oeuvre sur instruments d’époque, n’aura lui aussi fait qu’échouer, aux deux sens du mot. Pour les autres, si tout le monde s’accorde sur l’excellence du disque de Kiril Kondrachine avec le Concertgebouw d’Amsterdam, on peut aussi recommander les prestations d’Eugène Ormandy, de Léonard Bernstein, d’Igor Markevitch, de Ferenc Fricsay voire de Sergiu Celibidache si on aime les liqueurs particulièrement toxiques et envoûtantes.

Le dimanche 24 novembre 2024, la Chorale Strasbourgeoise donnait son concert bi-annuel dans la salle du Palais des fêtes. Elle se trouvait, pour l’occasion, associée au Collegium Cantorum de Strasbourg constituant ainsi une masse vocale d’une centaine de chanteurs. Avant l’Oratorio de Noël de Saint-Saëns qui figurait en seconde partie de programme, on eût le plaisir d’entendre la sixième et dernière des odes que le grand compositeur anglais Henry Purcell composa en 1694 pour l’anniversaire de la Reine Marie. Les petites approximations de la trompette au début du premier épisode, purement instrumental, n’ont rien enlevé au caractère particulièrement jovial et festif de l’exécution au cours des huit mouvements vocaux et chorals suivants. C’est Gaspard Gaget, le jeune chef de la Chorale Strasbourgeoise qui, ce dimanche-là, dirigeait l’ensemble ; son collègue, Nicolas Jean, chef du Collegium Cantorum, officiant pour sa part la veille au soir à l’Église protestante de Brumath. Pour la partie Purcell, Gaspard Gaget avait disposé l’ensemble du choeur non sur la scène mais de chaque côté du parterre de la salle du Palais des fêtes, favorisant ainsi une ambiance sonore particulièrement enveloppante.

L’Oratorio de Saint-Saëns, donné en seconde partie, fut restitué dans des conditions sonores assez particulières, une quinzaine d’instrumentistes à cordes (assurant, au demeurant, très bien leur partie) et une centaine de choristes, faisant preuve, compte tenu de leur masse vocale et des exigences de l’oeuvre, d’une cohésion et d’une musicalité admirables. En regard de la prestation du Philharmonique et du choeur de l’opéra, la dimension oratorio l’emporta ici sur le côté flamboyant et opératique. Un passage témoigne à lui tout seul du niveau de ce concert, c’est le choeur n°6 Quare fremuerunt gentes ? de loin le plus beau de cet oratorio : l’intensité et la précision obtenues dans ce mouvement si bien écrit ne passèrent pas inaperçues.

L’ensemble de ce concert bénéficia du concours d’un quatuor vocal (augmenté d’une alto dans Saint-Saëns), d’une puissance certes modérée, mais d’une très belle musicalité.

Michel Le Gris

Pour sa troisième édition, le festival de musique de Bischwiller offrait sept concerts avec des artistes de renom, dont le Trio Wanderer ou le pianiste Laurent Cabasso. Le jeudi 17 octobre, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg était placé sous la direction de son premier violon solo, Charlotte Juillard, dans un programme associant Bach, Haydn et Mendelssohn.

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Le concert débute avec une grande œuvre de Jean-Sébastien Bach, le concerto pour violon et hautbois en ut mineur BWV1060. L’orchestre accueille, pour l’occasion, l’enfant du pays Marc Lachat, aujourd’hui hautbois solo au Los Angeles Philharmonic, et qui tient ici la partie soliste du concerto en compagnie de Charlotte Juillard au violon. L’orchestre aborde l’oeuvre de façon assez retenue, dans un tempo prudent car l’acoustique très mate de la salle ne pardonne rien. Le dialogue entre violon et hautbois témoigne d’une bonne entente entre les deux solistes pendant que le jeu de l’orchestre, différent des exécutions philologiques sur instruments d’époque telles qu’on les connaît aujourd’hui, penche du côté des interprétations classiques du siècle dernier, défendues alors par des chefs comme Karl Richter ou Karl Münchinger.

Grand changement d’atmosphère avec l’oeuvre suivante, le second concerto pour piano de Felix Mendelssohn écrit dans la tonalité assez sombre de ré mineur. L’orchestre s’étoffe d’une cinquantaine de musiciens avec un parterre de cordes approchant la quarantaine, ce qui épaissit peut-être un peu trop le son dans une acoustique assez rapidement saturée. L’oeuvre n’est surement pas la plus grande que Mendelssohn ait composée, mais elle n’en est pas moins parcourue d’une belle fièvre romantique, très audible sous les doigts de la pianiste Inga Kazantzeva, bien connue à Strasbourg depuis son intégrale des sonates de Beethoven en 2012. En bis avant l’entracte, la pianiste est rejointe par le hautboïste Marc Lachat et le violon de Charlotte Juillard, pour jouer en trio une transcription du lied de Mendelssohn, Im Herbst. Très beau moment de musique de chambre, sonnant particulièrement bien dans la salle.

Mendelssohn a écrit treize symphonies pour cordes entre 1821 et 1823, alors même qu’il n’avait qu’entre douze et quatorze ans ! Jolies petites œuvres de jeunesse, ce sont des exercices de style contrapuntique, dans le sillage de Carl Philipp Emmanuel Bach et même de Jean-Sébastien. Ne prétendant en rien à l’invention formelle et ignorant complètement l’extension beethovénienne de la forme symphonique, elles n’en sont pas moins fort plaisantes à l’écoute, à l’instar de la quatrième en do mineur, jouée avec une grande pureté de style lors de cette soirée du 17 octobre. Les cordes du philharmonique, réunies en petite formation, sont particulièrement belles.

La symphonie n°94 de Haydn en sol majeur est la deuxième de la série de ses douze londoniennes. Son sous-titre de ‘’Surprise’’ vient du soudain coup de timbales qui interrompt brusquement le deuxième exposé du thème principal, dans le mouvement lent andante. Avec entretempsl’évolution de l’écriture musicale et l’effet de surprise s’en trouvant quelque peu émoussé, certains interprètes parfois le revigorent, en faisant par exemple émettre un cri par tous les musiciens de l’orchestre. Charlotte Juillard a, pour sa part, ponctué la fin de ce mouvement lent d’une amusante petite improvisation au violon. On se souvient encore de l’inoubliable interprétation de la 101ème symphonie qu’elle avait obtenue de ses collègues musiciens, il y a deux ans, lors d’un concert au Palais Universitaire de Strasbourg. Cette fois encore, tout est admirable dans son approche de la 94ème : outre la pertinence des tempi, on est saisi par l’éloquence et l’évidence des phrasés, en même temps qu’emporté par une irrésistible vitalité. Les auditeurs qui ne connaissent pas l’oeuvre l’ont donc découverte dans des conditions idéales ; les mélomanes à qui elle est familière auront, comme moi-même, mesuré en quoi l’interprétation de ce soir soutient la comparaison avec les meilleures de la discographie. On espère que le premier violon du philharmonique aura l’occasion de continuer à explorer l’univers symphonique de Joseph Haydn auquel, de toute évidence, elle est si sensible.

Michel Le Gris

Le second concert de la saison de l’OPS associait les noms de Maurice Ravel et de Sergueï Prokofiev dans de grandes œuvres de la première moitié du 20ème siècle. Placé sous la direction de son chef Aziz Shokhakimov, l’orchestre accueillait le pianiste français très réputé, Bertrand Chamayou.

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A l’écoute de ce concert, et après celle d’un bon Daphnis et Chloé de Ravel et d’une prodigieuse Fantastique de Berlioz durant la saison dernière, on finit par se demander si Shokhakimov, le jeune directeur de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, n’est pas plus à l’aise dans la musique française qu’avec les compositions russes dans lesquelles il a pourtant du baigner très tôt durant sa formation. Toujours est-il que, si la seconde partie du concert dévolue à Ravel s’est révélée fort bonne, la première consacrée à cette grande partition qu’est la cinquième symphonie de Prokofiev s’avéra plutôt décevante. Dans le magnifique andante initial, s’ouvrant de façon poétique telle une promesse de l’aube conduisant vers une conclusion glorieuse et prométhéenne, l’orchestre peine à décoller, la texture sonore systématiquement épaisse et les phrasés d’une raideur constante empêchent la grande ligne de se faire entendre. Le souffle épique qui soulève la fin de ce premier mouvement passe presque inaperçu, enseveli sous des percussions d’une lourdeur inappropriée. Dans le prodigieux allegro marcato qui lui succède, on eût aimé que le côté à la fois vif, cinglant, rauque et moderne de l’écriture soit bien mieux souligné ; et que la nostalgie grave et lyrique qui traverse ensuite le troisième mouvement adagio soit davantage présente. Seul l’allegro giocoso conclusif semblait enfin approcher la vitalité de cette œuvre.

Pour le concerto en sol de Ravel, chef d’oeuvre pianistique de la musique française, on avait donc invité Bertrand Chamayou, pianiste particulièrement renommé dans ce répertoire. C’est l’occasion de rappeler que l’une des plus grandes versions discographiques de ce concerto fut enregistrée ici même à Strasbourg dans les années 1970 par la pianiste Anne Queffelec, dans un style très poétique et expressionniste, magnifiquement soutenu par l’orchestre d’Alain Lombard. C’est une toute autre approche que nous a fait entendre, le soir du 4 octobre, Bertrand Chamayou. Dès les premiers accords et jusqu’aux notes conclusives, il aura fait valoir une conception rapide et concentrée, toute en dentelles, assez minimaliste au plan sonore et fort retenue sentimentalement parlant. Elle n’en fit pas moins entendre de très grandes beautés musicales, tout à fait présentes pour les auditeurs du bas mais dont il n’est pas sûr qu’elles se soient propagées jusqu’aux rangées les plus hautes de la salle. Quoi qu’il en soit, on fut également heureux d’entendre l’orchestre de Shokhakimov déployer une palette sonore subtile et raffinée, en accord parfait avec le jeu pianistique. En guise de bis, Chamayou nous offrit une Pavane pour une infante défunte dans une approche sobre et dépouillée, similaire à celle du concerto.

Depuis bientôt un siècle qu’on le joue, l’archi-célèbre boléro aura suscité toutes les approches possibles imaginables, des plus effervescents et entraînants jusqu’aux dramatiques et quasi-tragiques en passant par les séducteurs, captieux et envoutants mais aussi d’autres se cantonnant dans une expression sobre et mystérieuse, à l’instar du témoignage laissé par Ravel lui-même dans son enregistrement. C’est à ce modèle-là qu’il faut rattacher la très bonne et très belle exécution proposée, le soir du vendredi 4, par Shokhakimov et l’orchestre, témoignant du niveau de ses instrumentistes. Des premiers jusqu’aux ultimes accords, on aura particulièrement apprécié un phrasé des plus subtils et un alliage de timbres d’une qualité exceptionnelle.

Michel Le Gris

Repères discographiques :
Prokofiev, 5ème symphonie
– Orchestre philharmonique de Berlin, Herbert von Karajan (DG)
– Orchestre de la Suisse Romande, Ernest Ansermet (Decca)
– Orchestre National de France, Jean Martinon (Testament)

Ravel, Concerto piano en sol
– Anne Queffelec,
– Orchestre philharmonique de Strasbourg, Alain Lombard (Erato)
– Samson François, Société des Concerts, André Cluytens (Warner)
– Orchestre National de France, Léonard Bernstein direction et piano (Warner)

Boléro
– Orchestre symphonique de Boston, Charles Münch (RCA)
– Orchestre philharmonique de New York, Pierre Boulez (Sony)
– Orchestre philharmonique de Berlin, Herbert von Karajan (DG)
– Orchestre philharmonique de Munich, Sergiu Celibidache (Warner)
– Société des Concerts, Constantin Silvestri (Warner)
– Orchestre National de France, André Cluytens (Warner)