D’après le roman « Le bâtisseur de ruines » de la brésilienne Claire Lispector traduit par Violante Do Canto

Lui, Martin, il arrive de la ville pour se reconstruire. Il a un crime sur la conscience.

Elles sont deux femmes sur cet immense domaine, la propriétaire, Victoria, et la jeune fille, Ermelinda.

L’une, autoritaire, l’autre un peu paumée, désarmée, semble-t-il, devant la vie. Et puis il y a un homme de tâche, le jardinier.

L’arrivée de Martin va bousculer leur vie, apparemment paisible bien qu’en chacune un monde de désirs bouillonne mais se tait.

Des images nous viennent en tête, celle du volcan  ou bien celle du film « Théorème » quand l’inconnu surgit  comme élément déclencheur d’une prise de conscience.

Il est toujours difficile de mettre en scène un roman. Marie-Christine Soma n’a pas eu peur de s’y attaquer, galvanisée par le très grand intérêt qu’elle a porté à ce texte dès qu’elle en a eu connaissance et qui lui a donné envie de l’adapter pour le théâtre.

Le décor est très simple mais pertinent, rien d’étonnant puisque la metteure en scène fut d’abord éclairagiste, d’où son sens de l’espace et des configurations nécessaires à rendre  les actions et les déambulations des personnages de façon juste. Il s’agit donc d’une grande cloison de bois occupant le fond de scène dans laquelle sont aménagées quelques ouvertures et des claires-voies qui permettent d’épier les allées et venues des uns et des autres, accentuant le mystère que chacun représente pour l’autre. Côté jardin, un coin table, plutôt convivial, côté cour c’est la remise à bois, le domaine du jardinier qui y range ses outils, l’endroit qui a été attribué à Martin. Sur le devant du plateau une longue plate bande est en construction. Martin y apporte des brouettées de terre, lui, l’ingénieur, devient un manoeuvre, une façon de racheter ses fautes, de se reconstruire.

La distribution est d’une grande justesse. Dominique Raymond  sait passer d’un registre de femme autoritaire et méfiante dont la carapace semble solide à celui d’une femme fragile, désemparée qui « lâche prise » comme on dit et se met à déballer sa vie privée, avouant ses manques et ses désirs secrets à ce garçon qu’elle a jusqu’ici maltraité et auquel elle sent bien qu’elle s’attache alors qu’il est trop tard et qu’il ne veut rien d’elle. Elle sait être  dans cette scène vraiment bouleversante.

Mélodie Richard est cette jeune fille toute en retenue dont la vie intérieure intense surgit parfois malgré elle et vient à se dévoiler de façon intempestive, la rendant,  tour à tour, capricieuse et émouvante.

Dans cette mise en scène c’est le jeu des acteurs qui avant tout emporte notre adhésion car il laisse transparaître avec justesse  le mystère qui habite chacun et qui constitue l’intrigue. C’est ainsi que, Pierre-François Garel qui est Martin et Carlo Brandt qui  incarne plusieurs personnages font montre d’une grande intériorité dans leur prestation.

Si nous avons quelques réserves à propos de ce spectacle, elles concernent la durée de la pièce. Les longs récitatifs qui la composent peuvent paraître pesants d’autant qu’ils sont souvent dits de façon relativement confidentielle donc pas toujours  clairement audibles.

Cette mise en scène a obtenu un vrai succès auprès du public du TNS.

Marie-Françoise Grislin

TNS octobre 2018

L’après-midi des taupes

Nous voilà donc aux prises avec ces drôles de bestioles que sont les taupes, celles qui creusent, vivent dans le noir sont quasi aveugles et font monter de petits monticules dans nos jardins.

Philippe Quesne a décidé d’en faire les principales protagonistes de deux spectacles, l’un pour adultes, intitulé  » La nuit des taupes « , l’autre pour le jeune public et c’est  » L’après-midi des taupes « .

L’installation, qui représente le monde souterrain, avec grottes, stalactites en papier et grandes stalagmites en carton, nécessitait un grand plateau. C’est donc au Maillon-Wacken que les représentations ont eu lieu, le spectacle étant invité par le TJP et le Maillon.

A quoi fallait-il s’attendre après le défilé des Taupes dans les rues de la ville ?

A quelque chose de bizarre, d’original, de déjanté et c’est bien ce qui nous a été proposé et montré tout particulièrement dans  » La nuit des taupes « .

D’entrée de jeu on est face à une sorte de grosse boîte en carton bien éclairée. Au-dessus, à  côté, tout est plongé dans le noir. On devine, toutefois, placés côté cour les instruments d’un petit orchestre.

Un coup, puis deux, puis trois dans la cloison de la boîte! Apparaît la pointe d’une pioche et un trou qui s’agrandit, s’ouvre sur un tunnel par lequel se glisse péniblement la première taupe poussant une énorme boule. Son arrivée intempestive est bientôt suivie par celles de ses comparses qui se bousculent entremêlent leurs fourrures, poussent des grognements et finissent par faire tomber toutes les parois, donnant au monde souterrain toute l’ampleur qu’elles se promettent d’ investir.

C’est leur apparence qui nous frappe, ces épais costumes bruns ou gris signés Corine Petitpierre qui dissimulent complètement leurs visages et leurs corps, ces grosses pattes griffues, ces groins un peu porcins et leur manière pataude de se déplacer, d’aler et venir sans but réel entraînant chutes, glissades et roulades.

Dans ce monde souterrain, si leurs attitudes paraissent souvent déjantées, il n’en demeure pas moins  que ces personnages évoquent par certains de leur comportements  ceux des hommes préhistoriques. Ne se livrent-ils pas à des rituels autour de la nourriture, à des rassemblements, des jeux, des danses ?  Ne les voit-on pas s’endormir, pratiquer le coït, accoucher, s’occuper des morts, dessiner sur les parois ? Tout cela sans un mot mais accompagnés de grognements fort bien modulés.

C’est burlesque, insolite, mais aussi musical car les taupes jouent de la musique et très bien d’ailleurs et l’on s’étonne, qu’enserrées dans de tels costumes, elle y parviennent si parfaitement. D’autant qu’on finit par oublier que sous leurs apparences de grosses bêtes poilues il ya des acteurs en chair et en os, des humains qui transpirent comme  on le constatera quand, au salut, ils découvriront leurs visages ruisselant de sueur.

L’Après-midi des taupes sera un spectacle plus soft.
Ayant réussi à pénétrer dans la salle où s’est tenu un goûter d’anniversaire elles démolissent un peu tout, se jettent les restes et les boissons à la figure et dansent comme des folles avec les gros nounours trouvés dans la chambre des enfants, au son des musiques que quelques-unes d’entre elles produisent avec talent et énergie.

On est bien dans le farfelu mais après avoir vu  » La nuit..  » Cet
 » Après-midi. . » nous a paru un peu trop léger.

Par Marie-Françoise Grislin

C’est peut-être une façon d’aller plus loin ou plus au fond de la
provocation que de faire du théâtre à partir d’un film dont
l’existence n’est que parlée.

C’est le pari réussi d’une jeune metteure en scène Marine de
Missolz qui présente au TNS cette pièce « Le camion » une
adaptation en quelque sorte du film éponyme de Marguerite
Duras sorti en 1977 et qui fit plus ou moins scandale car il
bouleversait les codes de la mise en scène cinématographique.
Etait-ce bien un film ? se demandait-on alors. Est-il devenu
théâtre ? Le questionnement reste largement ouvert.

Sur le plateau il y a bien trois comédiens dont deux représentent
les protagonistes du film, rappelons-les, Marguerite Duras, elle-
même et Gérard Depardieu qui, assis autour d’une table lisent le
scénario d’un film possible intitulé « Le camion ». Elle lit, décrit ce
qui pourrait exister : un camion, une femme qui monte dans la
cabine, se met à parler, à chanter parfois.

Lui essaie de suivre, pose quelques questions : « qui est-elle cette
dame ? comment ça va finir ?

Elle lui demande de  » voir  » ce qu’elle imagine. Il affirme que  » oui  »
il voit. Parfois il pose des questions pertinentes, ajoute des
remarques. Avec circonspection il entre dans son propos.
L’imaginaire prend forme et se déroule comme ce camion qui
longe des paysages de terres et de banlieues.

Ce film qui évoquait la possibilité d’un film nous avait fascinés car,
avant-gardiste, poétique, drôle. Ce film on le reçoit comme un
conte, fascinés que nous sommes par le pouvoir suggestif de la
parole.

La mise en scène de Marine de Missolz ne déroge pas à cela. Sur le
plateau le pouvoir des mots, les images qu’ils engendrent sont
portés par Laurent Sauvage dont la voix, la qualité d’élocution, le
rythme, le ton qu’il sait donner à ses paroles sont d’une étonnante
sensibilité, d’une grande sensualité, tout en retenue et
délicatesse. Il tient le rôle de Marguerite Duras. Il se tient face à
nous. Il évoque, suggère, réfléchit, hésite. A ses côtés, celui qui
écoute, c’est Hervé Guilloteau dans un rôle de composition qui en
fait ce personnage intrigué par ce qu’on lui raconte et qui,
manifestement, se concentre pour suivre le déroulé de cette
histoire d’une rencontre insolite entre le chauffeur du camion et
la  » dame « . Il montre un certain embarras, hoche la tête, se gratte
le crâne, s’éponge le front mais acquiesce et dit qu’il  » voit « .

Face à nous, ils nous font entrer dans le jeu de l’imaginaire.

En effet l’interprétation est fidèle à la magie du conditionnel, ce
temps de la langue qui permet le jeu de tous les possibles, celui
qui permet aux enfants de mettre en place des scénarii où ils sont
créateurs réalisateurs et acteurs

Comme dans le film, un écran placé à gauche du plateau laisse
défiler des paysages gris et sans âme.

Pour ne pas rester figés face au public les comédiens se rendent
parfois près d’une petite table qui évoque, bien sûr celle autour de
laquelle se tenaient Marguerite Duras et Gérard Depardieu
Parfois ils entament une chorégraphie à laquelle participe le
troisième comédien, Olivier Dupuy, inventé par la metteure en
scène et censé représenter le deuxième chauffeur, celui qui dort
dans le film. Il devient, ici un témoin muet qui va et vient auprès
des deux autres. Il est comme  » l’oreille « ,  » la pensée « …

Reviennent en boucle les remarques sur l’enfermement dans la
cabine et le regard que tous deux portent sur la route. Le discours
parfois décousu de la femme aborde les questions politiques par
le truchement de ses souvenirs de militante qui a cru à la
révolution par le prolétariat mais qui dit-elle à déchanter en
constatant la collusion entre le capitalisme et le socialisme.

Elle parle aussi d’un enfant nommé Abraham, celui de sa fille.

Est enfin évoquée la probabilité que cette femme se soit
échappée de l’asile situé non loin de là, une personne étrange que
la pièce de théâtre comme le film nous rend paradoxalement
proche et mystérieuse, pour le moins fascinante.

Marie-Françoise Grislin

Ce spectacle  a été présenté dans le cadre du Festival EXTRADANSE de Pôle Sud Strasbourg

De la danse, peut-être pas, mais une performance remarquable
d’Alexander Vantournhout, un artiste polyvalent, danseur,
circassien, acteur qui a travaillé avec la dramaturge Bauke Lievens
pour monter ce solo qui montre comment le corps peut être mis
dans tous ses états.

C’est à la fois étonnant, drôle, poignant et beau.

Ce grand jeune homme, au visage impassible, au regard
intensément bleu se dénude devant avant d’entreprendre un solo
au cours duquel il met  son corps à l’épreuve. Se succèdent
pirouettes, roulades, plongeons exécutés avec une détermination
sans faille, mais , semble-t-il, mentalement réfléchies, des
exercices comme improvisés, repris avec exactitude d’abord,
avant  qu’il n’y introduise quelques variantes. C’est ainsi  que pour
rendre la performance plus compliquée, plus violente il chaussera
d’énormes chaussures Buffalo et enfilera des gants de boxe. Entre
chaque réalisation, il traverse lentement le plateau pour
déclencher sur le clavier quelques notes d’une composition
d’Arvo PÄRT.

Il nous surprend encore en étirant son cou très long qui le fait
ressembler à un échassier. D’ailleurs le titre du spectacle vient du
mot anglais « neck » qui veut dire « cou »  et du surnom qui lui avait
été donné en raison  de cette particularité de son anatomie.

Les postures qu’il réussit à prendre et à tenir bras et jambes
croisés, tordus, muscles saillants, évoquent les statues des grands
maîtres de la sculpture. Quand il les abandonne soudainement ses
déséquilibres nous font trembler. Il se dégage de cette prestation
l’idée d’une recherche pour explorer le corps, d’une forte
intériorité, d’une grande solitude qu’il semble vouloir rompre en
tendant ses bras vers nous. De toute évidence, il a réussi à
captiver notre regard, à nous troubler et à nous émouvoir.

Marie-Françoise Grislin

D’abord nous sommes invités à lire le texte projeté sur un écran
dans la traduction de Jean Jourdheuil et Heinz Schwarzinger.
Commence un spectacle qui pour beaucoup va se révéler à la
limite du supportable. Mais comment pourrait-il en être
autrement quand on va vers cet absolu de souffrance que, Médée,
ce personnage hors norme symbolise et représente.

Le metteur en scène Anatoli Vassiliev a choisi pour prendre en
charge le rôle ce cette barbare une comédienne exceptionnelle,
Valérie Dréville .Elle a travaillé  auprès de lui et ils ont, il y a onze
ans déjà monté ce texte d’Heiner MÜller qu’ils reprennent
aujourd’hui, une pièce d’une densité telle qu’elle nous étouffe par
sa noirceur.

C’est une interprétation sans concession qui nous advient avec
Valérie Dréville.

Assise comme La Pythie sur un trône en bois, simplement vêtue
d’une robe colorée, jambes écartées, l’actrice au centre du
plateau apparaît comme une maîtresse des lieux.

Soudain une voix rauque sort de sa gorge, de ses entrailles pour
interpeller Jason et la nourrice. Les mots sont hachés, éructés,
stoppés net parfois avant des reprises où la voix s’égare dans les
replis de l’être, rendant le texte presque incompréhensible.
Comme il nous a été présenté au début de la représentation, nous
en retrouvons les mots même s’ils ont été déformés par cette
diction inhabituelle.

Nous sommes déroutés mais Médée ne l’est-elle pas, elle qui s’est détournée de son destin, a trahi son peuple, tué son frère pour
l’amour de Jason qui maintenant l’abandonne?

Devant ce fait ,Médée est sans merci, implacable. Pour exister
encore elle se défait de sa relation à Jason, fait mourir la fiancée
et les enfants.

C’est un rituel de mort qui nous fascine mais que le jeu de la
comédienne met à distance de l’horreur et de l’apitoiement.

Elle propose un jeu très physique qui engage tout son corps dans,
paradoxalement une grande économie de gestes .Il lui suffit de
couvrir son visage de traînées blanches pour devenir une
farouche guerrière, de mettre en évidence un phallus entre ses
jambes pour  marquer  l’inscription  de Jason sur son propre
corps, de dégrafer sa robe et l’enlever pour en faire la torche qui
brûlera Créuse, la future épouse de Jason, enfin d’amener vers
elle les deux petites marionnettes qui représentent ses enfants et
ceux de Jason pour, après les avoir serrés contre elle ,les
déchiqueter et les jeter dans la vasque où  se consument dans les
flammes son passé, son amour et sa haine.

Tout au long de  représentation seront projetés sur un écran en fond de scène l’immensité du ciel et les mouvements de la mer agitée comme les reflets de l’âme tourmentée de Médée.

Un spectacle puissant et déconcertant à l’instar de ce personnage  tragique.

Marie-Françoise Grislin