C’est dans un Palais des Fêtes rénové que nous sommes conviés à suivre l’ouverture du Festival avec déjà un grand nom à l’affiche, Georges Aperghis, un compositeur venu maintes fois à Musica.

L’œuvre qu’il propose « Migrants » n’est, bien sûr, avec un tel titre, pas destinée à plaire ou à être un divertissement. Dès les premières mesures entendues, la puissance et la vitalité de la partition signent une œuvre engagée. Rien de surprenant de la part de ce compositeur grec qui a connu l’exil et veut en témoigner, bouleversé qu’il est par les situations de détresse dont son pays d’origine fut le théâtre et par celles de tous ces gens qui errent actuellement encore à travers l’Europe.

Il propose un oratorio en cinq mouvements dont les trois premiers ont été créés en 2017 à Hambourg et répondaient à une commande de l’Ensemble Resonanz.

C’est cet ensemble, dirigé avec ferveur par le chef italien Emilio Pomarico, composé de 18 cordes 3 percussionnistes et 2 pianistes qui interprète cette œuvre saisissante à bien des égards puisqu’elle nous plonge sans ménagement dans la détresse et dans l’horreur. Pour en saisir la portée la partition est confiée aux cordes qui, de tous leurs sons aigus, stridents, parfois saccadés amènent en nous un vrai bouleversement.

La musique n’est pas seule à nous interpeler des textes vont être déclamés, chantés, inspirés pour certains par des propos de migrants mais surtout par des citations du livre de Joseph Conrad « Au cœur des ténèbres » et des phrases comme celle-ci nous serrent le cœur :

« Ils mouraient à petit feu, c’était très clair ce n’étaient point des ennemis ce n’étaient point des criminels ce n’était plus rien de ce monde-ci désormais »

 Ces poèmes sont chantés avec conviction par deux chanteuses très engagées dans le répertoire contemporain, la soprano polonaise Agata Zubel et la mezzo-soprano ukrainienne Christina Daletska .

C’est dans le troisième mouvement qu’on entendra ce leitmotiv :
« Je suis allé un peu plus loin, puis un peu plus loin encore, jusqu’au jour où je me suis retrouvé si loin que je ne sais pas comment je pourrai jamais revenir »

Le quatrième mouvement est un concerto pour altiste, une grande pause musicale où l’on a pu savourer les talents, la virtuosité, la finesse et la puissance de jeu de cette grande artiste strasbourgeoise qu’est Geneviève Strosser. Un moment pour réfléchir à toutes ces réalités bien dures qui ont été évoquées.

Enfin, pour la première fois sera interprété le cinquième mouvement dans lequel alternent les bruissements et les éclats de la musique pendant que le texte parle de cris, de lamentation, de clameur et de disparition ; texte d’une infinie tristesse sur lequel s’achève cette œuvre à la fois poétique et réaliste destinée à marquer les esprits et qui, c’est sûr les marquera par l’implacable justesse de son propos  tel qu’il est mis en œuvre par la musique  et le chant.

Musica le 15 septembre 2022 au Palais des Fêtes

Marie-Françoise Grislin

Pièce musicale d’une grande beauté lyrique, le Requiem de Verdi est aussi une œuvre théâtrale aux allures de spectacle visuel séduisant généralement un large public. Donnée lors d’un unique concert le vendredi 9 septembre, l’œuvre fit plus que salle comble, bien de demandes n’ayant pu être satisfaites. Autour de l’orchestre et de son chef Aziz Shokhakimov, les parties vocales étaient assurées par le Chœur Philharmonique de Brno  associé à celui de l’Opéra du Rhin et par un quatuor de haut niveau composé de la soprano Serena Farnocchia, de la mezzo Jamie Barton, du ténor Benjamin Bernheim et de la basse Ain Anger.

Depuis sa création en 1874, la plupart des grands chefs d’orchestre ont aimé donner ce requiem. Deux tendances s’y sont fait entendre, celle des chefs lyriques privilégiant la beauté d’écriture du chant verdien et celle des symphonistes s’attachant davantage à la texture orchestrale. Parmi les grands chefs du passé, Herbert von Karajan excellait dans la synthèse de la dimension lyrique et de la puissance symphonique. Ici même à Strasbourg, on garde le souvenir des grandes prestations d’Alain Lombard dans les années 1970 et de celles de Jan Latham-Koenig au tournant du siècle.

Parfois, il se trouve aussi des chefs qui conduisent l’œuvre en sous-régime, installant un climat quelque peu anesthésié. On se souvient d’une interprétation de ce genre à l’Opéra de Paris en 2013, sous la houlette de Philippe Jordan. Ainsi qu’on peut l’imaginer, Aziz Shokhakimov se situe aux antipodes. Il ferait même partie de ceux qui, dans cette œuvre, pensent que mieux vaut une double dose de décibels et des tempos accélérés. Il n’y a rien là d’en-soi rédhibitoire, d’autant plus que les moments lyriques sont, quant à eux, joués avec une grande retenue sentimentale. Quelques-uns de ses collègues prestigieux l’ont d’ailleurs précédé dans cette voie. On pense notamment à d’autres grands chefs du passé comme Igor Markevitch ou Leonard Bernstein, ou plus anciens encore comme Arturo Toscanini, tous ayant enregistré de grandes versions à la fois décantées et dramatiques de l’œuvre, bénéficiant il est vrai d’un temps de préparation probablement supérieur à celui d’un concert. Celui du vendredi 9 septembre laissera, en tous cas, une impression contrastée avec une première partie certes très démonstrative mais quelque peu froide et désincarnée. On sent pourtant une indéniable volonté d’engagement mais aussi une certaine crispation d’ensemble. Chœurs et orchestre vont-ils jusqu’au bout des attentes du chef ? Quelques options surprennent : au tout début de l’œuvre, le bref Te decet hymnus, écrit a capella (sans accompagnement instrumental) gagne-t-il vraiment à être ainsi crié ? Si le début du Dies Irae ne manque pas de grandeur, le Tuba Mirum qui suit pâtit vraiment d’une fâcheuse précipitation, à la limite de la confusion. Toujours est-il que dès le début de la seconde moitié de l’œuvre, l’Offertorio fait entendre un changement bienvenu,avec une souplesse de jeu, une ferveur et une qualité de chant impressionnantes. Le Sanctus qui  suit estabsolument parfait dans la pureté de son style, l’Agnus Dei et le Lux Aeterna se révèlent  pleins de poésie et de magie. Quant au Libera me, c’est undes plus libérateurs qui soit. A ce sujet, la reprise de la musique du Dies Irae au milieu de ce dernier épisode donne la mesure de l’évolution du chœur comparée à sa même prestation, quelque peu crispée, au début de l’œuvre. La puissance sonore est toujours là, à la limite du cri, mais le chant rayonne bien davantage. Un concert prenant, mais inégal.

                                                                                   Michel Le Gris

Parcourir les 120 ans de l’Orchestre philharmonique de Varsovie, c’est entrer non seulement dans l’histoire de la musique polonaise mais également dans l’histoire de la musique classique des 20^e et 21^e siècles. Mais parcourir ces 120 années, c’est d’abord arpenter un bâtiment majestueux entre travées, coulisses et salons d’honneur où les souvenirs se racontent par centaines. Dans chaque recoin se lisent et s’entendent des notes tirées d’abord de la figure musicale tutélaire de la Pologne : Frédéric Chopin et en premier lieu du concours éponyme qui, tous les cinq ans, vient couronner une nouvelle étoile au firmament de l’instrument-roi. De Martha Argerich à Maurizio Pollini en passant par Yakov Zak ou Seong-Jin Cho, chaque vainqueur a fait résonner son exceptionnel talent en compagnie de l’orchestre. Citons deux exemples : Kristian Zimmermann, vainqueur en 1975 et dont l’interprétation des concertos de Chopin en compagnie de l’orchestre tient toujours lieu de référence ou Rafaël Blechaz, pianiste polonais surdoué qui rafla tous les prix trente plus tard, en 2005. Deux exemples qui se sont inscrits dans cet incroyable héritage musical polonais.

Parcourir les 120 ans de l’Orchestre philharmonique de Varsovie, c’est aussi voyager dans la création contemporaine en compagnie d’un quatuor incroyable : Karol Szymanowski, Henryk Gorecki, Witold Lutoslawski et Krzysztof Penderecki, disparu récemment. Leurs œuvres qui appartiennent aujourd’hui au répertoire et ont marqué de leurs empreintes indélébiles l’histoire de la musique classique résonnent encore ici de leurs échos, qu’il s’agisse de la deuxième symphonie de Gorecki créé par Andrzej Markowski le 22 juin 1973 ou quelques vingt ans plus tôt, le célèbre concerto pour orchestre de Witold Lutoslawski écrit en 1950-54 à l’initiative du directeur artistique de l’Orchestre philharmonique de Varsovie, Witold Rowicki.

Ce prestigieux quatuor de génies ne saurait cependant faire oublier d’autres brillants compositeurs polonais, Andrezj Panufnik ou Ignacy Jan Paderewski, le pianiste devenu président de la République polonaise et dont on joue encore aujourd’hui le concerto pour piano. Cette exceptionnelle tradition a ainsi inscrit dans l’ADN culturel de la Pologne, un rapport particulier à la musique qui se mesure chaque année lors du Festival Beethoven de Varsovie qui attire une foule toujours plus nombreuse et où se croisent solistes légendaires et nouveaux talents mais également habitués de longue date et jeunes mélomanes en herbe. 

Par Laurent Pfaadt

Retrouvez la programmation de la Philharmonie de Varsovie sur http://www.filharmonia.pl

Deux concerts de l’OPS durant le mois de mai nous ont fait découvrir un chef invité, particulièrement apprécié du public comme de l’orchestre et une jeune violoniste de talent, tous deux se produisant pour la première fois à Strasbourg.

Le jeudi 12 mai au soir, dès les premières mesures du Don Juan de Richard Strauss, on est saisi par la puissance, la clarté, la beauté du son de l’orchestre. D’origine finlandaise, Hannu Lintu déploie une battue de large envergure, assortie d’une main gauche donnant des indications très efficaces. Toutes les voix de l’orchestre sont magistralement travaillées, du quatuor à cordes souple et virtuose aux pupitres de cuivre rutilants, sans oublier une petite harmonie particulièrement soignée et volontairement mise en avant. L’interprétation du chef souligne le côté grandiose, mais sans exagération ni grandiloquence. On retrouve cette même musicalité éloquente et brillante dans Mort et transfiguration, le chef d’œuvre de jeunesse de Richard Straussjoué en fin de concert. Dans l’immense crescendo qui conclut ce poème symphonique, la noblesse de timbre et l’opulence du son émises ce soir-là par les musiciens du philar sont vraiment prodigieuses. Directeur de l’Orchestre de la radio finlandaise, invité de grands orchestres comme le London Philharmonic, le National de Russie ou le Symphonique de Chicago, Hannu Lintu, peu connu en France, va prochainement diriger Der fliegende Holländer à l’Opéra de Paris. On aimerait bien réentendre ce chef dans d’autres répertoires.

Encadrées par ces deux poèmes symphoniques de Strauss, deux œuvres de musique contemporaine figuraient à l’affiche du concert. Ciel d’hiver de la finlandaise Kaija Saariaho est un fort agréable morceau contemplatif, enveloppant l’auditeur dans un kaléidoscope de timbres très colorés. Créé à Londres en 1970 par Mstislav Rostropovitch, le commanditaire de l’œuvre, le concerto pour violoncelle de Witold Lutoslawski est une œuvre assez énigmatique mais plutôt prenante, où le  soliste semble vouloir faire souffler un vent de liberté cherchant à entraîner les autres instruments d’un orchestre dont les cuivres opposent une autre attitude, aux allures autoritaires et tranchantes. Le soir du 12 mai 2022, ce concerto bénéficie du soutien de la grande violoncelliste Sol Gabetta, tout juste auréolée de son titre de ‘’soliste instrumentale de l’année’’ aux Victoires de la musique classique 2022.

Une semaine plus tard, le jeudi 19, la violoniste néerlandaise Simone Lamsma remplaçait sa consoeur souffrante, Patricia Kopatchinskaja, dans ce chef d’œuvre de la littérature concertante qu’est le premier concerto pour violon de Dimitri Chostakovitch. D’une extrême difficulté technique, cette partition est loin de lui être inconnue puisqu’elle l’a enregistrée, il y a déjà quelques années. Avec une virtuosité confondante, elle opte, de la première à la dernière note,  pour une vision  d’une grande noirceur, partagée par un orchestre dirigé par son jeune directeur, Aziz Shokhakimov. On garde aussi le souvenir d’une autre belle prestation d’il y a une quinzaine d’années, celle de Christian Tetzlaff et de l’orchestre alors dirigé par Marc Albrecht, jouant quant à eux la carte d’un dernier mouvement lumineux et libérateur.

Le reste du programme était entièrement consacré à Prokofiev, avec une symphonie classique ouvrant la soirée et les deux suites tirées du ballet Roméo et Juliette qui la concluaient. D’un style d’ensemble excellent, faisant bien la part du côté pastiche et de la modernité de cette étonnante composition, la symphonie classique pâtissait cependant d’un jeu d’orchestre un peu imprécis et manquant de flamme, dans le premier mouvement notamment. Il est vrai que débuter un concert avec cette œuvre si périlleuse est toujours un pari risqué. Le programme Prokofiev faisant l’objet d’un enregistrement pour Warner, les musiciens et les techniciens du son auront eu tout le samedi suivant pour parfaire le travail.

Entendues dans le cadre d’un concert, les deux suites de Roméo et Juliette furent un très beau moment. Dans la perspective d’une publication discographique, compte tenu du nombre de grandes interprétations existantes (soit sous forme du ballet complet, soit sous forme des suites n°1 et 2 ou, comme souvent, d’un assemblage personnel du chef d’orchestre), on se dit que certains moments seraient sûrement à reprendre, voire peut-être à approfondir. Si Shokhakimov obtient des musiciens un jeu vraiment remarquable dans ces grands moments d’action que sont la scène du bal ou encore la Mort de Tybalt, dont la marche funèbre énoncée par l’excellent pupitre des cors vous cloue dans le fauteuil, en revanche d’autres épisodes emportent moins l’adhésion : d’une froide perfection, le tableau conclusif de Roméo sur la tombe de Juliette pourrait néanmoins gagner en puissance dramatique et émotionnelle. Dans les épisodes lyriques comme la scène du balcon ou celle de la séparation entre les deux amants, Shokhakimov tourne heureusement le dos à toute espèce de mièvrerie. Reste cependant que le sentiment n’y est  nullement absent. Dans son génie, Prokofiev a conçu une forme d’expression sentimentale dénuée de tout romantisme ; il importe de parvenir à la restituer. C’est l’un des enjeux de l’interprétation de cette partition extraordinaire. Dans un passé discographique déjà lointain, deux chefs, au demeurant bien différents – le tchèque Karel Ancerl et le Suisse Ernest Ansermet — étaient parvenus, chacun à leur manière, à faire entendre ce lyrisme épuré. Aziz Shokhakimov retrouvera vers la fin de l’été l’ensemble de ses musiciens pour parfaire ce travail bien commencé. Le CD devrait paraître au printemps 2023.

Michel Le Gris

A l’occasion de la Mozartfest de Würzburg, Jorg Widmann a sublimé le concerto pour clarinette de Mozart

Assister à un concert dans la Résidence du prince-évêque de Würzburg, inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 1981, est assurément une expérience unique. Assis sous les fresques du grand Tiepolo, le regard du spectateur oscille entre la beauté des œuvres d’art et celle d’un orchestre au sommet. On imagine aisément ce que devait ressentir les invités du prince lors des concerts privés qu’il donna sous le regard d’un Fréderic Barberousse à genoux au moment d’épouser Béatrice de Bourgogne.

Chaque fin de printemps, le prince des lieux se nomme Wolfgang Amadeus Mozart. Cette année, l’un des points d’orgue du festival qui lui est consacré, fut bel et bien son fameux concerto pour clarinette qu’il composa au crépuscule de sa vie (octobre 1791). Et pour l’interpréter, le festival a invité l’un de ses plus grands interprètes, Jorg Widmann, également compositeur et chef d’orchestre d’un soir du Mozarteumorchester de Salzbourg, orchestre qui a fait d’Amadeus son saint patron. Autant dire, ce qui se fait de mieux.

Tout était donc réuni pour vivre une soirée d’anthologie. Et ce fut le cas. Convoquant un Felix Mendelssohn et l’andante de sa sonate pour clarinette qu’il arrangea pour orchestre, Jorg Widmann donna le ton. Celui de l’entrée dans un songe voluptueux, bercés par une harpe et un célesta de toute beauté. Vint ensuite le concerto pour clarinette. L’orchestre, en fin connaisseur de la geste mozartienne, entra parfaitement dans l’oeuvre. Le ton demeura juste, les équilibres sonores posés par le chef. Puis vint le second mouvement et d’un coup, en l’espace d’un instant, la grâce s’empara de la salle. Les personnages peints ont certainement détourné, le temps d’un instant, leurs regards pour admirer notre prodige délivrant ses fabuleuses notes tirées du génie. Car tous avaient les yeux rivés sur la clarinette de Widmann, sceptre musical brandi devant le roi Mozart. Le soliste et son orchestre demeurèrent ainsi en parfaite harmonie, Jorg Widmann rayonnant de lyrisme et de justesse. Un clignement de paupières ramena l’assistance à la réalité sans briser pour autant un charme dispensé par un soleil déclinant qui nimbait de ses rayons de bronze statues et dorures de la Kaisersaal.

A l’heure de la pause, personne ne vit qu’un orage grondait au-dessus des jardins de la Résidence. Celui de la première symphonie en ut mineur d’un jeune Mendelssohn de quinze ans recouvrant l’auguste édifice. Comme un Dieu descendu du plafond peint, Jorg Widmann lança ses éclairs vers un orchestre qu’il conduisit tel un quadrige lancé à vive allure. La symphonie, menée tambour battant, acheva une soirée où princes et dieux mis au service de la musique n’étaient pas seulement sur les murs et les plafonds mais bel et bien sur la scène de la Mozartfest.

Par Laurent Pfaadt

La Mozartfest de Würzburg se poursuit jusqu’au 19 juin. Retrouvez sa programmation : http://www.mozartfest.de