Archives de catégorie : Musique

Nouvelle saison, nouvelles sensations

© photo: Wade Zimmermann
© photo: Wade Zimmermann

La saison 2016-
2017 de la
Philharmonie du
Luxembourg
s’annonce une
nouvelle fois
palpitante 

On pense toujours
avoir tout vu à
Luxembourg. Et
puis, à chaque fois, d’année en année, l’orchestre philharmonique et sa merveilleuse
salle nous surprend, nous éblouis. Et cette nouvelle saison qui
démarre sur les chapeaux de roue avec rien de moins que l’une
des belles voix du monde, celle de la soprano colorature Diana
Damrau et l’une des plus illustres baguettes, celle du prochain
directeur musical des Berliner Philharmoniker, le russe Kirill
Petrenko, venu pour l’occasion accompagnée de la Bayerisches
Staatsorchester, ne devrait pas faire exception à la règle.

Comme d’habitude, il sera question de grands chefs (Riccardo
Chailly, Yannick Nézet-Séguin, John Eliot Gardiner, Valéry
Gergiev, Daniel Harding ou Sir Simon Rattle) et  – incroyable luxe –
les mélomanes pourront même comparer en février et en juin
2017 les directions mahlériennes de Gustavo Dudamel et de
Mariss Jansons à la tête du Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks. Et si l’envie venait à leur prendre de changer de style,
ils n’auront que l’embarras du choix, avec le New York
Philharmonic, le Wiener Philharmoniker, le London Symphony
Orchestra ou les Arts Florissants de William Christie. Côté
répertoire, il y en aura pour tous les goûts. Ceux qui aiment
Mozart se régaleront devant Maria Joao Pires ou Nicolas Znaider.
Pour ceux qui préfèrent Beethoven, leurs rendez-vous
s’appelleront Joshua Bell qui dirigera l’Academy of St Martin-in-
the-Fields dans la sixième symphonie, Rudolf Buchbinder ou Jan
Lisiecki dans le cinquième concerto. Les amateurs de musique
russe retrouveront les deux grands solistes russes, Danill Trifonov
ou Denis Matsuev dans les deuxième et troisième concertos de
Rachmaninov et l’incomparable Patricia Kopatchinskaja dans le
célèbre concerto pour violon de Tchaïkovski tandis que les
amoureux d’opéra écouteront avec délice les voix sublimes de
Cécilia Bartoli, José Cura ou Thomas Hampson.

Toutes ces merveilles en feraient presque oublier l’orchestre
résident. Après une première saison très réussie, le nouveau chef
Gustavo Gimeno conduira une fois de plus l’orchestre
philharmonique du Luxembourg dans des contrées familières
mais également inexplorées. Accompagnée de la violoniste Janine
Jansen, artiste en résidence 2016-2017, il s’aventurera dans le
concerto à la mémoire d’un ange d’Alban Berg, dans la cinquième
symphonie de Nielsen ou laissera filer ses violoncelles aux bords
des abysses de Sofia Gubaidulina pour mieux retrouver les
rivages bien connus des septièmes symphonies de Bruckner et de
Beethoven, du Sacre du printemps ou de Ravel.

Cette saison sera également l’occasion de nouveaux voyages
autour du monde en compagnie du Brésil de Marya Andrade, de
l’Inde d’Anoushka Shankar, du bassin méditerranéen avec le
Concert des Nations de Jordi Savall et de l’univers tout particulier
d’Avishaï Cohen. Enfin, après les rêves mégalomaniaques de John
Malkovich, les apprentis-Dieu de 2001 : l’odyssée de l’espace et le
saxophone de Wayne Shorter, il n’y aura qu’une seul chose à faire
pour se remettre de ces émotions : le yoga, accompagné d’un
duduk, d’un violoncelle ou d’une harpe !

Laurent Pfaadt

Retrouvez toute la programmation de la Philharmonie sur : https://www.philharmonie.lu/fr/

Les métamorphoses d’un orchestre

JochumL’orchestre symphonique de Bamberg fête ses 70 ans

Il y a deux catégories
d’orchestre : les grands
orchestres, prestigieux avec
une longue histoire derrière
eux, et les orchestres de
province. Entre les deux
subsistent encore quelques
ovnis musicaux dont fait
assurément partie l’orchestre
symphonique de Bamberg. Un ovni transnational parce que bien qu’allemand, l’orchestre tire son identité de cette
musicalité tchèque qui a prévalu à sa création.

En 1946 naquit l’orchestre symphonique de Bamberg sur les
ruines de l’orchestre philharmonique allemand de Prague dans
une Tchécoslovaquie qui comportait une minorité allemande
importante. Le chef d’alors, Joseph Keilberth, aujourd’hui
injustement oublié, présida à sa création et à sa consolidation à
partir de 1950. Le formidable coffret édité par Deutsche
Grammophon permet aujourd’hui  d’entendre ces témoignages
musicaux uniques de l’ancêtre de l’orchestre symphonique de
Bamberg. Kleiberth inscrivit pleinement l’orchestre dans le
répertoire symphonique allemand, dans Beethoven notamment,
créant ainsi cette identité unique qui colore l’orchestre et où le
folklore d’un Dvorak croise l’académisme du maître de Bonn.
L’arrivée d’Eugen Jochum en 1968 dont le frère avait déjà dirigé
l’orchestre entre 1948 et 1950 marqua un tournant puisque le
chef affirma un peu plus cette identité germanique autour du
romantisme tardif de Bruckner. Les deux frères qui partagèrent
cette même passion brucknérienne insufflèrent à l’orchestre un
son particulier en revenant notamment aux versions originales du
génie d’Ansfelden. Quelques grands chefs brucknériens comme
Günter Wand, Rudolf Kempe ou Herbert Blomstedt, nommé chef
honoraire de l’orchestre, y trouvèrent ensuite magnifique gant à
leur baguette de velours ou de fer.

1973 constitua un nouveau tournant pour l’orchestre lorsque le
remplaçant d’Eugen Jochum, Istvan Kertesz, brillante étoile de la
direction d’orchestre, trouva la mort en Israël. Lentement,
Bamberg s’enfonça alors dans une routine, dépassé par d’autres
orchestres.

Il fallut attendre un quart de siècle jusqu’à l’arrivée d’un
britannique, Jonathan Nott, pour voir l’orchestre renaître de ses
cendres. Sans prétention, Nott redressa lentement l’orchestre
jusqu’à l’inscrire à nouveau au sommet de l’Europe musicale en
reprenant à la fois cette tradition du romantisme tardif avec
Mahler notamment dont il réalisa plusieurs gravures de référence
mais également en s’appropriant le répertoire contemporain. Il
créa ainsi des œuvres de Bruno Mantovani, de Wolfgang Rihm et
de Jörg Widmann, certainement l’un des compositeurs les plus
talentueux de sa génération, qui a été, ces deux dernières années,
en résidence à Bamberg.

Le départ de Nott vers la Suisse et l’arrivée du jeune et talentueux
Jakob Hrusa ouvre une nouvelle période dans la vie de
l’orchestre. La nouvelle programmation laisse entrevoir une
fidélité à cette tradition germano-tchèque consubstantielle à
l’orchestre et en même temps offre un clin d’œil malicieux à
l’histoire de la musique dans laquelle l’orchestre de Bamberg a
définitivement pris toute sa place.

Laurent Pfaadt

Retrouver toute la programmation de la saison 2016-2017 sur :

https://www.bamberger-symphoniker.de/

A écouter : Bamberg Symphony – The First 70 Years, Deutsche Grammophon (17 CD)

A lire : Andreas Herzau, Nora Gomringer, Bamberg Symphony, Hatje Cantz, 2016

Dans un état musical second

Jonathan Nott, Dirigent / 14.12.2008 / Koelner Philharmonie
Jonathan Nott, Dirigent,   Koelner Philharmonie

Mahler et Strauss au programme du TCE

Cela devait être un concert d’adieu. Après huit saisons passées à la tête de l’orchestre national de France, Daniele Gatti devait achever cette tournée d’adieux en offrant à « son » public parisien un fabuleux concert en compagnie de l’un des plus grands orchestres du monde, le Wiener Philharmoniker, et de l’un des meilleurs ténors, l’Allemand Jonas Kaufmann. Mais un vilain accident le contraignit à devoir céder sa place à Jonathan Nott, le tout nouveau chef de l’Orchestre de la Suisse Romande.

En ouverture de cette soirée, l’orchestre délivra un Coriolan plein de feu où la prégnance des cordes conféra à l’interprétation un air de tempête qui brisa la baguette du chef.

Puis, la soirée se poursuivit avec le poème symphonique Mort et transfiguration de Richard Strauss, composé en 1889. Sous la conduite de ce brillant chef qui nous avait déjà impressionné par le passé, le Wiener Philharmoniker déploya son incroyable puissance symphonique pour délivrer ces grandes pages musicales ponctuées d’envolées lyriques dont il est capable. Mais cet orchestre considéré comme un monstre sonore prouva qu’il est également capable de moments d’une rare intimité emprunte du souffle métaphysique de l’œuvre de Strauss. Cette alchimie donna ainsi vie à des sentiments presque humains tels que l’espoir ou la détresse notamment lors de la reprise du motif par les bois. Evidemment, Jonathan Nott y fut pour beaucoup en travaillant les tempii, tantôt en les étirant, tantôt en jouant habilement sur le couple cuivres/percussions. Tout cela contribua à la construction d’une atmosphère évanescente qui prépara le public à la deuxième partie de la soirée.

Le chef d’orchestre britannique, considéré comme l’une des plus
brillantes baguettes de sa génération, se sentit immédiatement à
l’aise dans ce Mahler qu’il maîtrise comme personne et qu’il a
magnifiquement gravé au disque avec l’orchestre symphonique de
Bamberg. Véritable horloger, Nott exploita à merveille toutes les
couleurs de l’orchestre pour les restituer dans l’interprétation
pleine de contrastes de cette magnifique symphonie chantée
qu’est le Chant de la terre.

Bien entendu, rien n’aurait été possible sans la voix de Jonas
Kaufmann au timbre si touchant. Exprimant la beauté de la nature
et en même temps la fragilité de l’homme, il fut secondé par des
bois (flûte notamment) de très haute volée, condition sina qua non
pour réussir dans Mahler. Ici, la finitude de toute chose ainsi que
l’immanence de la vie trouvèrent une résonance musicale conclue
par ce magnifique Abschied (adieu) d’un lyrisme de toute beauté.

Avec ce Chant de la terre, Nott et Kaufmann offrirent au public
parisien une très belle interprétation qui prouve que Mahler,
placé entre de bonnes mains, peut se révéler tout à fait abordable
pour un public peu sensibilisé à cette musique. Mais surtout, il
montre qu’il n’est pas donné à tout le monde de pénétrer le cœur
sombre et lumineux de Gustave Mahler, ce qui fut pourtant fait ce
soir-là.

Laurent Pfaadt

« Tan Dun est l’un des rares compositeurs ayant bâti des ponts entre l’Orient et l’Occident »

Seldis ©Renske Vrolijk
Seldis ©Renske Vrolijk

L’orchestre du Royal Concertgebouw
d’Amsterdam a
toujours accordé une
grande importance à la
création
contemporaine comme
en témoigne la
publication du
septième opus de sa
série Horizon. Outre les
œuvres de George Benjamin, Magnus Lindberg ou de Richard
Rijnvos, Horizon 7 est surtout marqué par le concerto pour
contrebasse The Wolf (« le Loup ») du compositeur chinois Tan Dun.
Rencontre avec son dédicataire, le contrebassiste de l’orchestre,
Dominique Seldis.

Comment qualifierez-vous la musique de Tan Dun ?

Tan Dun est l’un des rares compositeurs ayant bâti des ponts
entre l’Orient et l’Occident. Il comprend la musique occidentale,
les instruments et les musiciens occidentaux et, dans le même
temps, il entoure son écriture de cet héritage oriental qui lui est
propre pour produire de grands effets. C’est d’ailleurs pour cela
qu’il est tant aimé dans le monde.

Un concerto pour contrebasse est assez inhabituel. Pouvez-vous nous expliquer ses contraintes et ses spécificités ?

La contrebasse n’est pas un instrument solo et a été construit pour
jouer dans des orchestres mais les techniques d’interprétation, les
cordes, les instruments eux-mêmes ont évolué mais plus
important encore, c’est le jeu de l’instrument qui s’est développé
ces dernières années si bien que des opportunités sont nées pour
en jouer en solo.

L’instrument ne se projette pas autant qu’un violoncelle par
exemple et donc, l’orchestration et l’écriture musicale doivent être
légères pour ne pas étouffer le soliste. Enfin, techniquement et
physiquement, l’instrument est très exigeant.

Parlez-nous de la genèse du projet du Loup 

Le RCO souhaitait commander un concerto pour contrebasse et
m’a demandé si j’avais une préférence. J’ai immédiatement
suggéré le nom de Tan Dun mais pour être honnête, je n’ai jamais
pensé qu’il pourrait être intéressé. Et à ma grande surprise, il a dit
oui.

J’ai également été en mesure de créer l’œuvre qui fut enregistrée.
Cela cimenta une relation particulière entre Tan Dun et
l’orchestre. Il y avait des risques mais il en résulta un concerto
pour contrebasse qui a fermement pris place dans le répertoire
solo. Travailler avec Tan Dun sur ce projet constitua l’un des plus
grands moments de ma vie musicale qui sera d’ailleurs difficile à
surpasser !

Avez-vous été associé à la composition de l’œuvre ?

Oui, nous nous rencontrâmes plusieurs fois lorsqu’il élabora le
concerto notamment pour explorer les possibilités de
l’instrument. Je voulais quelque chose qui montre ce que la
contrebasse pouvait faire et non ce qu’elle ne pouvait ne pas faire.
L’intelligence de Tan Dun et sa vaste connaissance de chaque
instrument de l’orchestre ont fait le reste.

La partition complète du Loup n’arriva que peu de temps avant la
première de l’œuvre et même durant les répétitions, certaines
choses furent encore modifiées. Tan Dun est un non seulement un
grand compositeur mais également l’un des plus aimables que j’ai
connu. Une pure inspiration.

Laurent Pfaadt

Les 39 marches du jazz

Jamal © AFP/archives
Jamal © AFP/archives

Pour sa 39e édition, le festival Jazz in Marciac réunit une fois de plus du beau monde

Comme chaque
année, tout ce que
la planète Jazz
compte de
mélomanes, de
passionnés et de
curieux s’est donné rendez-vous dans ce petit coin du Gers, coincé entre d’Artagnan et l’armagnac. Comme à chaque fois depuis sa première édition en 1978, le festival Jazz in Marciac réunira légendes et artistes à découvrir, tous les styles et toutes les générations dans un fascinant mélange de rythmes et de genres pour le plus grand plaisir des spectateurs qui seront une fois de plus au rendez-vous.

C’est la plus francophile des artistes canadiennes qui aura
l’honneur d’ouvrir cette nouvelle édition. Diana Krall viendra une
nouvelle fois sous le chapiteau de Marciac pour y entonner les
tubes de son dernier album Wallflower, sorti l’an passé. Sa voix
suave répondra à celle de Diane Reeves (9 août), autre diva du jazz
dont les plus anciens gardent encore en mémoire l’incroyable
concert qu’elle donna à Marciac en 1998 en reprenant
notamment des titres d’Antonio Carlos Jobim et de George
Gershwin. Enfin, Lisa Simone (3 août), la fille de la grande Nina,
entonnera les titres de son dernier album et démontrera si ce n’est
pas déjà fait une Simone peut en cacher une autre.

Le point d’orgue de cette 39e édition sera indiscutablement la
venue pour un concert unique en France de la légende Ahmad
Jamal (4 août). A 86 ans, celui que l’on surnomme « le prophète »,
fera résonner son toucher incroyable devant un public gardera à
coup sûr un souvenir mémorable de ce moment qui sera
certainement bien plus qu’un concert à l’image de celui qu’il donna
et grava il y a deux ans.

Ne croyez pas pour autant que le festival sera de tout repos, que
vous resterez bien tranquillement assis dans votre siège car avec
Maceo Parker (8 août), ancien saxophoniste de James Brown qui
s’est fait un nom dans le milieu, Lucky Peterson (11 août) et sa
guitare magique qui rappellera Jimmy Smith (on a vu ce qu’il était
capable de faire sur Prince !) et Jamie Cullum (13 août) qu’on ne
présente plus, c’est à de véritables showmen que l’on aura à faire
et qui auront à cœur de mettre le feu sur scène. Et si vous ajoutez
cela, Kyle Eastwood (5 août) en compagnie de Stefano di Battista,
John Mc Loughlin (2 août) ou Mathieu Chedid (30 juillet), nul
besoin de somnifère lorsque vous rentrerez à votre hôtel !

Comme à l’accoutumé, la jeune génération sera à l’honneur et fera
trembler la scène de sa fougue et de son talent. Le public
découvrira avec bonheur le jazz expérimental de Kamasi
Washington (9 août) dont l’album The Epic a fait grand bruit l’an
passé, Cyrille Aimée (3 août), encensée de l’autre côté de
l’Atlantique et retrouvera Roberto Fonseca (6 août) qui fait déjà
office de vieux compagnon de route du festival.

Les trompettes seront enfin de sortie pour assurer le triomphe de
cette nouvelle édition, celle d’Ibrahim Maalouf (1er août) ,
nouvelle star du jazz mais également celle de Stéphane Belmondo
(1er août) qui rendra hommage à Chet Baker et surtout celle de
Wynton Marsalis, parrain du festival qui se produira à deux
reprises et notamment le 7 août avec the Young Stars of Jazz.
Autant dire que cette 39e édition aura des relents musicaux
hitchcockiens !

Laurent Pfaadt

Jazz in Marciac (29 juillet-15 août 2016)
Toutes les infos sur le festival : http://www.jazzinmarciac.com/

« Prokofiev a conféré à sa musique un esprit où règne la liberté humaine »

Kirill Karabits, chef principal du Bournemouth Symphony
Orchestra, a enregistré une intégrale des symphonies de Serge
Prokofiev. Alors que le monde de la musique s’apprête à fêter les
125 ans de la naissance du compositeur russe, le chef d’orchestre
ukrainien nous parle de sa fascination pour Prokofiev.

Karabits (© Sussie Ahlburg)
Karabits (© Sussie Ahlburg)

Que vous inspirent
les symphonies de
Prokofiev ?

Je pense que ses sept
symphonies sont des
chefs d’œuvre,
chacune à leur
manière. Elles sont
toutes différentes et
représentent les nombreuses facettes du talent si divers de
Prokofiev. Certaines d’entre elles, comme la première et la
cinquième sont les plus représentatives de ce talent. D’autres, en
revanche, comme la sixième et la septième nécessitent une
interprétation et une écoute plus délicates.

Quelle est la place de ces symphonies dans le répertoire du
20e siècle ?

Elles constituent toutes des pièces importantes dans le répertoire
au même titre que les symphonies de Chostakovitch, à la différence
près que ce dernier était un réaliste et décrivait sans détour un
sentiment et une émotion. Avec Prokofiev, c’est différent. Il a
conféré à sa musique un esprit où règne la liberté humaine,
regardant vers l’avenir plutôt que de montrer la tristesse comme en
témoigne sa vision de la commémoration des victimes de la seconde
guerre mondiale.

Quel a été votre objectif lorsque vous avez décidé d’enregistrer ces
symphonies avec le Bournemouth Symphony Orchestra ?

Ma motivation première a été de populariser ses symphonies les
moins connues et de mettre l’accent sur les œuvres de jeunesse que
Prokofiev composa lorsqu’il vécut en Ukraine avant 1910.

On a souvent parlé de la première symphonie, composée il y un
siècle tout juste, comme d’une symphonie néoclassique. Or, il a
abandonné son néoclassicisme dans les symphonies suivantes.
Qu’en pensez-vous ?

Le langage musical que Prokofiev développa à travers ses
symphonies, son utilisation des instruments et des couleurs de
l’orchestre devinrent de plus en plus perfectionnés. Cependant, les
modèles et les prouesses contenus dans la première symphonie se
retrouvent dans ses symphonies ultérieures. En fait, je dirais que
toute sa musique est néoclassique.

Prokofiev, symphonies 1-7,
Bournemouth Symphony Orchestra,
dir. Kirill Karabits,
Onyx Classics

Laurent Paadt

La comtesse aux pieds nus

Patricia Kopatchinskaja en répétition (© Emilie Dubrul)
Patricia Kopatchinskaja en répétition
(© Emilie Dubrul)

Magnifique concert de Patricia Kopatchinskaja à l’auditorium de Bordeaux

Il y a des concerts qu’il ne faut
surtout pas manquer dans une
saison. Celui qui réunissait dans la
magnifique salle de l’auditorium
de Bordeaux à l’acoustique
incomparable, la violoniste
Patricia Kopatchinskaja, le chef
polonais Vladimir Jurowski et le
Chamber Orchestra of Europe
représenta un de ces instants
magiques que l’on ne regrette pas.
Car ce soir-là, le public n’était pas au bout de ses surprises.

La première fut le remplacement du chef, souffrant, par le Français
Thierry Fischer, ancienne flûte solo de l’orchestre passée à la
direction notamment à la tête de l’orchestre symphonique de l’Utah.
Fin connaisseur de la maison COE, il prit très rapidement ses
marques. Et si Jurowski était absent, il avait concocté une autre
surprise à destination du public, la dixième symphonie pour
orchestre à cordes de Mieczyslaw Weinberg. Injustement reconnu,
Weinberg, dont la production musicale est considérable et peut
parfois être hermétique, a ouvert cette soirée avec une œuvre en
forme de course à l’abîme. Porté par des cordes très en verve et
notamment les solistes de chaque section (Loranza Borrani, Scott
Dickinson, Richard Lester et Enno Senft), cette symphonie
néobaroque qui s’ouvre avec un concerto grosso monta lentement
en tension jusqu’au cinquième mouvement qui s’apparenta à une
course folle s’achevant dans un gouffre. L’orchestre exploita
parfaitement le dialogue incessant entre chaque section qui
structure l’œuvre.

C’est alors qu’arriva Patricia Kopatchinskaja qui tira le public des
ténèbres dans lesquels nous avait plongé Weinberg. Pieds nus
dissimulés sous son ample robe rouge, la soliste moldave avait
emmené avec elle le deuxième concerto pour violon de Serge
Prokofiev. Avec sa virtuosité exceptionnelle, Patricia Kopatchinskja,
« PatKop », entra immédiatement dans ce concerto composé en
1935 en y faisant briller son lyrisme qui ne demandait d’ailleurs qu’à
être exalté par une main aussi experte. La complicité avec le
Chamber Orchestra of Europe fut immédiate, la soliste faisant
parfois signe d’entrer dans l’orchestre pour l’enjoindre à la suivre.
Après Weinberg et avant Beethoven, le concerto de Prokofiev
montra – s’il en était encore besoin – toute la plasticité de l’orchestre
et sa grande maîtrise des rythmes mélodiques (cordes et bois au
premier mouvement ou percussions dans le finale) qui lui donne, à
chaque concert, ce caractère incroyablement organique.

PatKop ne laissa personne insensible, bien au contraire. Avec son air
à la fois passionné et mutin, elle accompagna un orchestre envers
lequel elle entretient une affection évidente et qu’elle exprima aussi
bien dans cette partie soliste absolument géniale où elle livra cette
liberté et cette sensibilité contenues dans l’œuvre de Prokofiev que
dans ce finale et cette danse ensorcelante avec les percussions.
Cette liaison ne pouvait s’arrêter sitôt la dernière note jouée et
quelques baisers signés Ravel et Bartok avec le violoncelle solo et le
premier violon en guise de bis vinrent conclure, pour un temps, cette
lune de miel.

Les spectateurs n’étaient définitivement pas au bout de leurs
surprises. Car Patricia Kopatchinskja débarqua chez les violons en
tenue de musicienne d’orchestre pour suppléer l’une de ses amies
souffrantes dans une septième symphonie de Beethoven d’une
puissance parfaitement maîtrisée. Ce fut la surprise finale, celle
d’une artiste au talent incroyable qui a montré à tous que génie et
humilité n’étaient pas incompatibles.

Laurent Pfaadt

Printemps musical italien

Pavia
© Sanaa Rachiq

En tournée en Italie, le
Chamber Orchestra of Europe a une nouvelle fois fait
rayonner son talent

A bientôt 35 ans – ce qui est
relativement jeune pour un
orchestre – le Chamber
Orchestra of Europe a conservé tout son allant et toute sa fougue. De passage dans son Italie chérie, à Pavie où il donna l’un de ses premiers concerts en 1981 puis à Ferrara qui est un peu sa deuxième maison, l’orchestre s’était choisi pour l’occasion un chef italien, Antonio Pappano, qui officie au Royal Opera House de Londres et un programme
(Mozart, Strauss, Fauré et Bizet) qui sentait le printemps.

Tout commença avec un orage, c’est-à-dire avec la 25e symphonie en sol mineur de Mozart immédiatement reconnaissable en raison de l’utilisation qu’en a fait Milos Forman dans Amadeus. Grâce à la conduite inspirée et fougueuse de Pappano, l’orchestre a fait
résonner son incroyable palette de couleurs musicales. Laissant
parfaitement dialoguer les cordes dans l’andante puis les bois dans le menuet, le chef a ainsi installé une tension tragique dans laquelle chaque musicien s’est parfaitement inséré.

L’orchestre était ainsi prêt à accueillir dans son chaudron, François Leleux, hautboïste international, pour un concerto de Strauss de toute beauté. Accompagnant parfaitement l’écriture musicale si
typique de Richard Strauss, Leleux a magnifiquement composé une interprétation avec cet orchestre qu’il connaît si bien pour en avoir été le hautbois solo. Sa complicité avec les bois n’en a été que plus magique et a créé une émotion et une intensité qui se répandit dans tout l’orchestre. Mais les spectateurs n’étaient pas au bout de leurs surprises puisque le Chamber Orchestra of Europe s’est alors
métamorphosé en orchestre baroque le temps d’un bis, celui d’une cantate de Pâques de Jean-Sébastien Bach, sorte d’hommage amoureux de Leleux et de l’orchestre à Nikolaus Harnoncourt, l’un des chefs préférés du COE, disparu quelques semaines auparavant.

L’entracte ne changea rien car avec la Pavane de Gabriel Fauré, le rêve se prolongea grâce à des clarinettes, des flûtes, des cors et des bassons très en verve ce soir-là. Tout était prêt pour le clou du
spectacle, la symphonie en ut de Georges Bizet. Dans cette œuvre de jeunesse qui rappelle le romantisme d’un Mendelssohn, Antonio Pappano mena son attelage avec brio sans se laisser aller à la facilité. Un rythme soutenu porté par les trompettes et les hautbois a rendu d’emblée l’interprétation vivante avant que ce dialogue printanier ouvert dans Mozart ne reprenne de plus belle entre le cor et tantôt les cordes, tantôt les flûtes puis, dans le second mouvement, entre les violons et les violoncelles rappelant ainsi que le printemps est aussi la saison des amours. Ne restait plus à Pappano qu’à conduire ce quadrige de mars sur le champ du succès.

Laurent Pfaadt

Mendelssohn, la symphonie parisienne

Incroyable intégrale des symphonies de Mendelssohn

© The Gatsby Charitable Foundation
© The Gatsby Charitable Foundation

Il s’agissait des concerts à ne pas
rater en ce début d’année à la
Philharmonie de
Paris. Après une formidable intégrale des symphonies de
Robert Schumann, le couple désormais bien rodé Yannick Nézet-Séguin/ Chamber Orchestra of Europe s’était donné rendez-vous dans cette magnifique pour une intégrale des symphonies de Félix Mendelssohn.

On a tous en tête quelques airs de la troisième symphonie écossaise et de la quatrième italienne mais cette intégrale a permis au public de découvrir des pans entiers de la musique symphonique de ce musicien, de ce génie mort à 38 ans et qui annonça dans ses mélodies Wagner ou Bruckner. Et avec le chef d’orchestre québécois Yannick Nézet-Séguin, l’association a pris des airs de triomphe.

Entendre un orchestre de chambre, c’est voyager dans la musique à la découverte des différentes familles d’instrument. Et dans ce voyage, quel merveilleux vaisseau que celui du COE ! Chaque musicien écoute son voisin, le respecte, le complète. La clarinette dialogue merveilleusement avec le basson dans le dernier mouvement de la Troisième, les cordes sont oppressantes sans être omniprésentes dans la seconde, les seconds violons répondent majestueusement aux premiers dans la quatrième. A cela s’ajoute les mains de Nézet-Séguin qui tantôt tempèrent, tantôt exaltent. Il sait tirer le meilleur des musiciens pour le restituer dans une vision globale qui convainc immédiatement. Le résultat est ainsi prodigieux. Les bois sont sublimés à l’image de la flûte de Clara Andrada, petit oiseau niché dans ces arbres musicaux et qui coure le long du troisième mouvement de l’Italienne avant de guider l’orchestre dans ce troisième mouvement transformé en hymne de la cinquième symphonie dite Réformation.

Si les anciennes intégrales manquaient peut-être de couleurs, les spectateurs ont été plus que comblés par ces interprétations. Car, dans ces symphonies, on y danse souvent. Nézet-Séguin a eu la bonne idée de transformer l’énergie du COE en une danse permanente qui traverse l’ensemble des symphonies, allant même jusqu’à une forme de furiant dans le dernier mouvement de la Première ! Et puis, on y chante car l’autre grande découverte de cette intégrale est cet incroyable oratorio inséré dans la seconde symphonie et qui a résonné d’une beauté toute solennelle, mystique grâce au RIAS Kammerchor qui agit telle une mer avec ses reflux.

Le son ainsi produit se faufile dans une sorte de jeu permanent et ne prend jamais l’aspect d’une course à l’abîme que tant de chefs impriment aux symphonies de Mendelssohn, cantonnées trop souvent à leur seule dimension romantique. Nézet-Séguin ne l’occulte pas, bien au contraire, et quand il fait jouer les cordes dans cette magnifique cinquième symphonie qui devrait rester comme la plus aboutie au disque, c’est pour mieux mettre en lumière le caractère absolument novateur de Mendelssohn qui a su capter l’héritage des anciens pour le projeter dans une forme d’expérimentation.

Cette intégrale a bel et bien été l’occasion d’un voyage musical à
travers l’Europe. Pour ceux qui auraient manqué ces concerts
d’anthologie, le label Deutsche Grammophon a eu la bonne idée d’enregistrer cette intégrale qui permettra à tous de redécouvrir cette pléiade de génies réunis.

Laurent Pfaadt

Yannick Nézet-Séguin

« Apporter chaque monde à l’autre »

Yannick NŽzet-SŽguin Photo: Marco Borggreve
Yannick NŽzet-SŽguin
Photo: Marco Borggreve

Yannick Nézet-Séguin est aujourd’hui à 40 ans, l’un des chefs d’orchestre les plus doués et les plus demandés de la planète.
Directeur musical des Orchestres Philharmoniques de Philadelphie et de Rotterdam, régulièrement invité au Metropolitan Opéra de New York et du Chamber Orchestra of Europe (COE), il a présenté à la tête de ce dernier, à la Philharmonie de Paris, une intégrale des symphonies de Mendelssohn.

 

Quel est votre rapport à la musique de Mendelssohn ?

J’ai toujours beaucoup aimé sa musique symphonique sans l’avoir trop joué. C’est vrai que l’on dirige surtout l’Italienne et l’Ecossaise et un peu la Réformation mais je voulais voir de quelle manière le son unique du Chamber Orchestra of Europe pouvait apporter quelque chose à ma vision de ces symphonies. De plus, il manque des intégrales de Mendelssohn même s’il y a bien entendu celles de
Masur avec Leipzig et d’Abbado avec le London Symphony Orchestra. Je crois qu’il y avait donc une place pour une nouvelle vision avec le bagage musical du COE.

Y a-t-il une différence à jouer ces symphonies avec un orchestre de chambre ?

Bien sûr. D’abord la taille de l’orchestre qui donne une approche
différente même si j’essaie d’appliquer partout cette approche chambriste même lorsqu’elle inclue cent personnes sur scène. Deux éléments font également la différence : d’abord la quantité de cordes par rapport aux vents qui, automatiquement, donne une présence aux bois et au détail de l’orchestration. Et puis, il y a la culture musicale des membres du Chamber Orchestra of Europe, très influencée par le baroque ou le classicisme.

Le public va également découvrir des symphonies méconnues
notamment les 2é
me et 5éme ?

Tout à fait. Curieusement, Mendelssohn était très content de sa
seconde et très mécontent de sa 5e. Il est mort très jeune et n’a pas eu la distance pour retravailler ses idées mélodiques géniales. Mais il a emmené sa musique vers la modernité notamment dans cette cinquième symphonie visionnaire. A chaque fois qu’on joue cette dernière, il y a comme une émotion qui s’installe. L’Italienne est une bouffée de chaleur, l’Ecossaise est la plus profonde, plus pesante tandis que la Première est une Sturm und Drang très bien faite. J’ai donc essayé dans cette intégrale de les différencier, de les polariser tout en montrant qu’elles appartiennent à un tout.

Opéras, orchestres de chambre et orchestres symphoniques, ce va-et-vient vous est-il nécessaire ?

C’est ce qui fait que j’existe comme musicien, être capable
d’apporter chaque monde à l’autre. Plus j’avance dans ma vie de
musicien et plus je trouve que c’est essentiel pour les orchestres. Je dirais même que si on ne fait que de la musique symphonique, on aura tendance à dénaturer la nature même du répertoire symphonique car l’idée même de respiration, d’être dans l’écoute, d’être dans le moment, d’être dans la musique de chambre disparaîtra au profit d’une rigueur qui deviendra vite une rigidité.

Interview Laurent Pfaadt