Le label The Lost Recordings retrouve et édite des enregistrements inédits

Amsterdam, sous-sol d’un bâtiment ultra-moderne ressemblant à une banque. Mais ici les diamants qu’elle contient sont d’une autre nature. Soudain, une musique retentit. Non pas celle de l’alarme mais d’un violoncelle. Les deux hommes venus de France se regardent, interloqués. « Incroyable » dit l’un tandis que l’autre, la gorge nouée, ne peut répliquer. Le fils du violoncelliste André Navarra accompagné du pianiste Frédéric d’Oria-Nicolas viennent d’écouter des enregistrements inédits du père de ce dernier. Ils ne le savent pas encore mais ils sont sur le point de s’engager dans une aventure musicale hors du commun qui va les conduire à l’autre bout du monde.

The Lost Recordings est né. Après cette expérience, les deux hommes se muent en véritables archéologues de la musique, engageant une course contre la montre afin de retrouver des enregistrements avant leur destruction par le temps. De Londres à Paris en passant par Berlin ou Prague, The Lost Recordings impulse ainsi, à partir de bribes d’informations, un immense travail de référencement. « Notre mission est de sécuriser un patrimoine musical avant qu’il ne tombe dans l’oubli et qui se désagrège » Et Frédéric d’Oria-Nicolas de plaider pour une initiative européenne en ce sens.

Leurs expéditions ont ainsi permis de ressusciter des concerts méconnus de Sarah Vaughan, Duke Ellington, Thelonius Monk, Dexter Gordon, Johanna Martzy et d’autres. De retrouver les bandes originales et de restaurer des œuvres connues comme ce Lucia Di Lammermoor de 1955 avec Maria Callas et Karajan que les amoureux de l’opéra ne connaissaient qu’à travers une copie pirate d’un obscur label italien et dont la version de The Lost Recordings a tiré des larmes aux meilleures sopranos. Parfois, nos aventuriers s’engagent sur une fausse piste mais leurs échecs les conduisent à de futures découvertes. Partis à Berlin sur les traces d’inédits d’Emile Gilels, le célèbre pianiste soviétique, suivant en cela les conseils du petit-fils de ce dernier, ils obtiennent des indices qui les ramènent à Amsterdam et une discussion avec leur compère des débuts, Piet Tullenar, sorte de Sallah Faisel el-Kahir du célèbre aventurier de Spielberg, et les voilà avec entre les mains l’un des plus grands enregistrements du génie du piano lors d’une tournée dans la capitale néerlandaise en 1976, devenu depuis l’un des plus grands succès du label.

Désormais identifié par près de 13 000 clients majoritairement à l’étranger, le label voit affluer du monde entier des informations sur des enregistrements oubliés avec parfois de petites histoires comme tirées d’un film d’aventures comme cette lettre d’un passionné qui arrive un jour dans leur studio en provenance de…Buenos Aires. Ce qui ne devait être qu’un morceau de papier va se transformer en miracle car suit alors un autre courrier avec des photos de bandes enregistrés au Teatro Colon et dans un club de jazz. Le début d’une nouvelle aventure que les passionnés découvriront très bientôt non pas sur grand écran mais sur leur platine.

Et comme une évidence, c’est dans l’un des temples du jazz, à Marciac, lieu du plus grand festival français que The Lost Recordings a trouvé l’écrin de ses diamants sonores. « En Europe, personne ne fait des vinyles comme lui » lance sans hésitation Fréderic d’Oria-Nicolas. Lui c’est Simon Garcia, petit artisan du vinyle qui a monté son usine de production, Garcia & Co, après avoir sillonné le monde, convaincu l’un des grands patrons de l’industrie musicale, résisté aux mécènes qui voulaient dénaturer son idée et terrassé machines-outils allemandes. Et le qualificatif de diamants sonores pour ces disques de Sarah Vaughan, Chet Baker ou Erroll Garner n’est pas galvaudé puisque comme le rappelle Simon Garcia, « le pressage, c’est de la véritable horlogerie ».

Avec la passion qui bouillonne en lui tel un feu sacré, Simon Garcia et la société qu’il a créé en 2021 mettent un point d’honneur à réaliser des vinyles quasi parfaits et au son unique. Ainsi les mille vinyles qu’il sort chaque jour possèdent un temps de pressage de 33 secondes quand la majorité des disques sont réalisés en 18 secondes. « J’écoute les silences. Si le silence est bon, la musique est bonne » avoue Simone Garcia à propos de ses disques, « les Aston Martin du vinyle » selon Frederic d’Oria-Nicolas. Même si Simon Garcia reconnaît qu’il lui faut sortir de son modèle artisanal, son travail paie. Près de 80% de sa production part à l’étranger, essentiellement aux Etats-Unis pour le jazz et en Asie pour la musique classique. Et grâce à lui et à The Lost Recordings, ces diamants sont désormais éternels.

Par Laurent Pfaadt

Pour consulter le formidable catalogue de The Lost Recordings :

On ne saura trop vous conseiller en vinyle et Cds les enregistrements suivants :

SARAH VAUGHAN – LIVE AT THE BERLIN PHILHARMONIE 1969

DONALD BYRD & DEXTER GORDON – THE BERLIN STUDIO SESSION 1963

ERROLL GARNER – THE UNRELEASED BERLIN STUDIO RECORDING 1967

Leos Janacek (1854 – 1928)
Messe Glagolitique JW 3/9, version septembre 1927
Sinfonietta  JW 6/18
Malin Byström, soprano
Jennifer Johnston, mezzo
Ladislav Elgr, ténor
Adam Plachetka, baryton-basse
Johann Vexa, orgue
Chœur philharmonique tchèque de Brno, direction :
Petr Fiala
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
Marko Letonja
Warner classics

Enregistrée fin août 2021 dans une salle Érasme sans public, la Messe glagolitique de Leos Janacek dirigée par Marko Letonja offre bien des qualités, à commencer par celle de faire entendre la version originale de l’œuvre, celle de septembre 1927, rarement jouée ; bizarrement, on lui préfère le plus souvent celle éditée deux ans plus tard, après la mort du compositeur : simplifiant le jeu des musiciens et amoindrissant quelque peu le dramatisme de l’œuvre, elle comporte en outre des changements effectués sans le consentement explicite de Janacek. 

De cet oratorio agnostique écrit en vieux-slave (glagolitique désigne son alphabet), l’ancien directeur musical de l’OPS nous laisse une interprétation des plus attachantes, jouant d’un bel équilibre entre la dimension sombre et le côté explosif et vitaliste d’une partition écrite dans la fébrilité par un homme de 73 ans, éperdument amoureux d’une jeune femme de quarante ans sa cadette à qui il dédiera d’ailleurs son dernier quatuor à cordes, Lettres intimes. Le début du disque pourra cependant surprendre car cette version originelle ne s’ouvre pas sur l’habituelle introduction cuivrée mais par cette courte intrada d’une gestique effrénée et convulsive, qui généralement conclut l’œuvre mais du coup l’ouvre également : le caractère insolite de cette étrange messe s’en trouve encore accentué. Dans l’Introduction, ainsi placée en second mouvement, Marko Letonja obtient des vents du philar de belles couleurs patinées, évoquant l’aspect d’un vieux vitrail, bien plus prenantes et envoutantes que le brillant voire le clinquant que l’on y met parfois. A la gravité du Kyrie, succède la verve du Gloria, un hymne à la vie particulièrement bien rendu dans cet enregistrement. Mouvement le plus long de l’œuvre, le Credo est également restitué dans la diversité de ses atmosphères changeantes. Quant aux incantations vocales et cuivrées du Sanctus, elles sont des plus enthousiasmantes, avant que l’Agnus dei ne réinstalle une atmosphère plus grave.

Un bon quatuor vocal (où l’on remarque notamment le ténor Ladislav Elgr), le Chœur philharmonique tchèque de Brno (où professa Janacek) et les musiciens de l’OPS participent intensément à la réussite de cette entreprise. La réalisation technique par l’équipe Warner est également de première ordre : écoutée dans de bonnes conditions domestiques, l’acoustique de la salle Érasme est parfaitement reconnaissable. La célèbre Sinfonietta qui complète le disque montre le chef et ses musiciens de l’OPS décidément très en phase avec la musique de Janacek. Avec des moyens bien personnels, jouant du détail et de la grande ligne, de la puissance et des timbres mais sans exagération, l’ancien directeur de l’orchestre retrouve la poésie des grandes interprétations tchèques, celles anciennes de Karel Ancerl et de Vaclav Neumann et nous fait regretter de ne pas nous avoir fait plus entendre cette musique en concert. A l’écoute de cet enregistrement, on en vient à se demander si d’autres orchestres français sont à ce point capables de restituer ces couleurs d’Europe centrale.

Hector Berlioz (1803 – 1869)
Les Nuits d’été op.7 version de 1856
Harold en Italie op.18
Michael Spyres, ténor
Timothy Ridout, alto
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
John Nelson
Erato 

Quelques semaines plus tard, dans la même salle mais en public cette fois, l’orchestre retrouvait le chef américain John Nelson pour deux concerts enregistrés dans le cadre d’une intégrale Berlioz si brillamment relancée à Strasbourg il y a cinq ans, avec Les Troyens et La Damnation de Faust. Fort apprécié tant dans le rôle d’Énée que dans celui de Faust, le baryténor Michael Spyres est ici le protagoniste du cycle Les Nuits d’été, composé par Berlioz sur des poèmes de Théophile Gauthier d’abord au piano, puis orchestré quinze ans plus tard, en 1856. Si les premier, quatrième, cinquième et sixième chants sont écrits dans une tonalité relativement aigue, les deuxième et troisième ressortissent à un registre plus grave. L’œuvre est alors donnée tantôt avec le concours d’une mezzo et d’un baryton, tantôt par une soprano au spectre suffisamment large et modifiant les tonalités le cas échéant. Dans cet enregistrement strasbourgeois, Michael Spyres a choisi de chanter seul tout le cycle sans opérer le moindre changement. Si on admire la beauté vocale et l’étendue de son spectre sonore d’autant mieux que la prise de son s’avère des plus respectueuses, on n’en reste pas moins sur les mêmes impressions que lors du concert, celle d’une belle performance vocale manquant quelque peu d’engagement et de contraste dans les changements d’atmosphère émaillant le cycle.

Donnée avec le concours du jeune altiste Timothy Ridout, Harold en Italie, pièce symphonique en quatre mouvements pour alto et grand orchestre fut enregistré lors de ces mêmes soirées. Avec une fidélité sonore vraiment louable, le disque réveille les impressions ressenties au concert : d’abord, un jeu d’alto d’une éloquence exceptionnelle, un orchestre d’une vitalité et d’une musicalité hors du commun dans les trois premières parties de l’œuvre (Harold aux montagnes, Marche des pèlerins, Sérénade d’un montagnard) ; en revanche, dès le début de la quatrième partie, des accents un peu raides et quelques manques d’élan font vite comprendre que John Nelson n’est pas très à son aise dans l’Orgie des brigands, qui sied bien mieux à des chefs comme Charles Münch, Léonard Bernstein, Alain Lombard (enregistré lui aussi à Strasbourg en 1974) voire, plus près de nous, John Eliott Gardiner.

Hector Berlioz (1803 – 1869)
Roméo et Juliette, Symphonie dramatique
Joyce DiDonato, mezzo-soprano
Cyrille Dubois, ténor
Christopher Maltman, baryton
Cléopâtre, Scène lyrique
Joyce DiDonato, mezzo-soprano
Coro Gulbenkian, direction : Jorge Matta
Choeur de l’Opéra national du Rhin, direction :
Alessandro Zuppardo 
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
John Nelson
Double album Erato 

Clôturant la saison musicale, la symphonie dramatique Roméo et Juliette fut donnée en juin 2022 et enregistrée à cette occasion. Le souvenir de cette soirée enthousiasmante se retrouve dans une publication qui ne suscite guère de réserves, sinon celle d’une légère faiblesse vocale du côté du Père Laurence (tenu par Christopher Maltman), heureusement compensée par une excellente diction et une incarnation théâtrale du personnage. Pour le reste, à défaut de vivre une relation pérenne, Roméo et Juliette ont trouvé, en les personnes de Cyrille Dubois et de Joyce DiDonato, une union musicale enviable.  Le Coro Gulbenkian (déjà apprécié dans la Damnation) et le Chœur de l’Opéra du Rhin sont d’une vaillance parfaite, l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg soutient toutes les comparaisons. La direction de John Nelson déploie un équilibre supérieur entre la beauté lyrique de l’œuvre et les moments de très grande agitation. Par leur qualité orchestrale et leur ambiance shakespearienne, certains moments sont d’une qualité superlative, notamment toute la partie introductive, du tumulte initial jusqu’à la tristesse de Roméo. Dans la lignée des Troyens et de la Damnation, cette version strasbourgeoise de Romeo et Juliette s’inscrit, elle aussi, au plus haut niveau de la discographie, aux côtés de celles de John Eliott Gardiner et de Colin Davis, la vieille version bostonienne de l’alsacien Charles Münch demeurant, sinon inégalable, sans doute inégalée. Celle de Nelson bénéficie d’une prise de son supérieure à toutes les autres. Enregistrée hors concert, le présent double album se voit en outre complétée d’une fort belle version de la pièce lyrique Cléopâtre, assortie de la voix toujours si prenante de la cantatrice américaine mais parfaitement francophone, Joyce DiDonato. 

Les soirées consacrées à Roméo et Juliette furent les dernières apparitions de John Nelson à Strasbourg, où il se montrait dans une forme excellente. Sa venue était programmée pour une version de concert et l’enregistrement d’une Carmen de Bizet (toujours avec Joyce DiDonato) en avril de cette année. Il devait ensuite poursuivre la mise en disque de son projet Berlioz à Copenhague, avec la Symphonie fantastique suivie de Lélio. La nouvelle d’un sérieux accident de santé est tombée entretemps, l’obligeant à annuler ces deux projets. Souhaitons-lui de s’en remettre et de pouvoir les reprendre.Commencée au tournant du siècle, son intégrale Berlioz se compose d’ores et déjà de Benvenuto Cellini (avec l’Orchestre National de France), du Te Deum (avec l’Orchestre de Paris), du Requiem (récemment à Londres, avec le Philharmonia), des Troyens, de La Damnation de Faust, des Nuits d’Été, de Cléopâtre, de Harold en Italie et de Roméo et Juliette (ces dernières années à Strasbourg). Rappelons aussi qu’à ses débuts discographiques, l’OPS avait enregistré sous la direction de son chef, Alain Lombard, des opus berlioziens remarqués par la critique d’alors (la Fantastique, Harold, Roméo, plusieurs ouvertures), encore trouvables sous forme de vinyles, dans des boutiques d’occasion. Peut-être Warner, qui a récupéré le fonds Erato, les republiera-t-il un jour ?

Michel Le Gris  

Wide Open Light, Moludor

C’est l’album d’un retour aux sources. Celui d’une musique acoustique qui a fait sa renommée, il y a bientôt trente ans, une musique devenue presque minimaliste débarrassée de ses oripeaux superflus. Mais également celui d’un concentré d’émotions tiré de cette voix folk chevrotante à nulle autre pareille et chantant si bien l’amour. 

Le 18^e album du chanteur californien, sorte d’album de photos collectées durant toutes ces années, avance ainsi sur les routes de l’amour, de sa déception à sa gloire en passant par son attraction dans un songwriting assumé et brillant. Yard sale (« vide-greniers »), premier single dévoilé et interprété avec son ami Jack Johnson, donne ainsi la mesure de cette atmosphère. Pareil à un vide-greniers, il y a dans l’amour des choses dont on voudrait se débarrasser, des choses que l’on oublie, des vieilleries à jeter mais également des merveilles cachées qui ne demandent qu’à être révélées. Sa guitare, inimitable, résonne magnifiquement dans ce Giving Ghosts enregistré en live et brille comme une lumière bienveillante dans cette douce nuit musicale. Dans Thank You Pat Brayer, c’est un au revoir instrumental et non un adieu que Ben Harper nous délivre.

Son duo avec Shelby Lynne dans 8 minutes constitue certainement l’un des plus beaux moments de l’album. Même si Ben Harper prévient dans un Trying Not To Fall In Love With You aux accents presque bréliens : « and the nights seems so long, and the days, how they linger in, on and on » (« et les nuits semblent si longues, et les jours, comme ils s’attardent, encore et encore »), il sera difficile de résister à ce nouveau disque. Alors, ne résistons pas.

Par Laurent Pfaadt

Ben Harper présentera son nouvel album au festival Jazz in Marciac, le 28 juillet 2023 pour un concert qui s’annonce une fois de plus extraordinaire.

Quelle magnifique découverte que celle de la musique croate. Agé d’une quarantaine d’années, Dejan Lazic est un pianiste et un compositeur croate reconnu. Comme pianiste, il a joué avec de nombreux orchestres prestigieux comme ceux de Budapest, de Birmingham ou de Bamberg sous les baguettes d’Ivan Fischer, de Vladimir Ashkenazy et de Kirill Petrenko. En compagnie de ce dernier et du London Philharmonic Orchestra, il a ainsi signé une interprétation remarquée du deuxième concerto de Rachmaninov chez Channel Classics en 2009.

On sait moins qu’il est également un compositeur de talent. Et ce concerto pour piano et orchestre dans le style istrien créé en 2014 au festival d’Aspen puis révisé en 2021 vient ainsi confirmer toute l’étendue de ce talent. Dans cette œuvre, il rend un très bel hommage à la fois à cette gamme pentatonique istrienne composée de rythmes asymétriques mais également au sopila, ce hautbois croate typique de la musique de son pays. Cela donne une œuvre pleine de caractère libérant une multitude de couleurs mélodiques.

Placées sous le signe de l’Istrie, du nom de cette province à cheval entre l’Italie et la Croatie, les autres œuvres présentes sur ce disque rendent également un magnifique hommage à cette musique classique croate méconnue et pourtant extrêmement mélodique et belle. Avec L’Istrian suite de Natko Devčić (1914-1997) et l’hymne populaire d’Ivan Matetić Ronjgov (1880-1960), l’auditeur se voit offrir un magnifique voyage musical dans cette Europe orientale que les compositeurs croates, hongrois ou polonais magnifièrent en œuvres universelles. Une belle découverte donc.

Par Laurent Pfaadt

Istrian Rhapsody, Dejan Lazic, Ivan Matetic Ronjgov, Natko Devcic, Münchner Rundfunkorchester, dir. Ivan Repusic, BR Klassik

Metallica est de retour ! Le onzième album studio du groupe de heavy metal le plus célèbre du monde baptisé 72 saisons renvoie aux 18 premières années (72 saisons) de notre vie qui font ce que nous sommes et auxquelles nous revenons toute notre vie d’adulte. Elles « façonnent notre vrai ou faux moi » selon James Hetfield, guitariste et chanteur du groupe. Les titres de ces nouveaux morceaux traduisent d’ailleurs cette idée majeure, celle d’atteindre, de franchir, de transgresser ces limites que nous fixent la société, nos parents, notre inconscient. « Too far gone ? », « Chasing light » ou « You must burn ! » rappellent cette forme d’asservissement à l’enfance. « Room of Mirrors » renvoie également à cet inconscient que chaque adolescent se construit dans le regard des autres avant de devenir un homme.

Sept ans près Hardwired… to Self-Destruct sorti en 2016, Metallica remet ainsi le couvert avec des morceaux pleins de rythme et de fureur. Plus de quarante ans ont passé depuis la formation de ce quatuor de légende, les chevelures ont grisé mais la fougue et le plaisir de jouer sont demeurés intacts. Musicalement, les 12 titres de ce nouvel album sont une nouvelle fois, une pure merveille. Quelques fois, notamment dans le titre éponyme, avec cette mesure qui bat, on a l’impression d’effectuer un voyage dans le temps, palpant ce cœur qui se déchaîna depuis Kill em All. D’autres morceaux, plus lents comme Crown of Barbed Wire ou Inamorata rappellent ces marches funèbres qui sont désormais la signature du groupe.

Metallica sera en France, dans ce pays qui l’a aimé dès ses débuts, pour deux concerts exceptionnels au stade de France, les 17 et 19 mai. Préparez-vous ainsi à pénétrer cette Lux aeterna, la lumière noire éternelle de cet immense groupe de musique dont l’aura a définitivement dépassé le cadre du heavy metal. L’occasion d’entendre Master of Puppets popularisé par la série Stranger Things, For Whom the Bell tolls, Enter Sandman et bien entendu les titres de 72 seasons. Un concert et un album que vous n’oublierez pas de sitôt et qui ravira autant les fans de toujours que les nouvelles générations !

Par Laurent Pfaadt

Metallica, 72 seasons
Blackened Recordings/Universal Music

Le madrigal fut un genre musical polyphonique très à la mode aux 16^e et 17^e siècles. Essentiellement vocal, il associait des voix qui pouvaient cependant être remplacées par des instruments tels que le lirobe, ancêtre du violoncelle, ou la basse de viole dont les musicalités rappellent la voix humaine. Les plus avertis connaissent ainsi ceux de Giovanni Pierluigi da Palestrina qui en composa plus de 130 ou ceux de Claudio Monteverdi. C’est d’ailleurs dans cette Italie baroque, celle d’un autre compositeur romain, Ercole Bernabei (1622-1687) que nous plonge ce très beau disque.

Protégé du cardinal Flavio Orsini de la puissante famille des Orsoni qui donna papes et condottiere et à qui il dédie ces madrigaux, Ercole Bernabei est quelque peu oublié aujourd’hui. Avec ce disque, il est ressuscité de la plus belle des manières. Ces madrigaux, enregistrés pour la première fois, manifestent une incroyable beauté musicale. Il y a indubitablement quelque chose de céleste dans les voix de cristal de Myriam Arbouz et Marine Fribourg. Associées à la douceur de leurs homologues masculins, leur complémentarité est stupéfiante. L’ensemble Faenza est en appui, modulant son accompagnement avec intelligence. Le clavecin distille avec passion ses incursions et brille dans les toccata de Simonelli et passacaille de Pasquini tandis que théorbe et guitare, tels des oiseaux posés sur les branches de ce jardin musical, sont là pour nous rappeler la douceur du sud de l’Europe et de la vie artistique romaine.

Ces interprétations restituent ainsi à merveille l’atmosphère de ces palais romains où se retrouvaient prélats et puissants et où le théorbe de Bernabei devenait, à l’instar du pinceau d’un Pierre de Cortone, mort l’année de l’impression de ces quinze pièces, l’instrument d’un soft power qui ne disait alors pas encore son nom. Sans savoir que quelques 350 années plus tard, l’humanité finirait par se souvenir du compositeur et non du commanditaire grâce à ce disque merveilleux.

Par Laurent Pfaadt

Ercole Bernabei (1622-1687), Concerto madrigalesco,
Faenza dir Marco Horvat, EnPhases

Le quatuor Van Kuijk, célébré dans le monde entier, achève son intégrale des quatuors de Mendelssohn. Ce deuxième opus est indiscutablement dans la même veine que le premier et témoigne d’une remarquable maestria musicale, faîte de force et de sensibilité.

Si l’opus 44 n°2 est profondément vivifiant grâce à un rythme exaltant et une énergie assez incroyable où les musiciens ne font qu’un, le 3^e est remarquable d’intelligence musicale. Mais le point d’orgue de ce disque réside indiscutablement dans cet opus 80 qui ouvre cet enregistrement, cette jeune fille à la mort mendelssohnienne composée d’une traite durant l’été 1847, cet été où Felix perdit sa sœur Fanny. Une œuvre en forme de cri de désespoir scandé par les archers en forme de chœur antique, emportant tout sur son passage dans cette tragédie musicale. L’apothéose d’une intégrale appelée à faire date. 

Par Laurent Pfaadt

Mendelssohn, Complete String Quartets vol.2, Quatuor Van Kuijk,
Outhere

Du côté d’Amsterdam, le vent Milstein s’est à nouveau remis à souffler. Non celui de Nathan Milstein qui illumina le Concertgebouw, un soir d’octobre 1950 en compagnie de Pierre Monteux mais celui de Maria. Si aucun lien de famille ne lie les deux Milstein, Maria s’est certainement un peu inspiré de son homonyme pour nous livrer ce très beau disque qu’elle consacre aux deux concertos de Prokofiev.  

« La musique de Prokofiev est d’une fantaisie et d’une richesse sans bornes. La première fois que j’ai entendu le Premier Concerto dans l’enregistrement d’Oïstrakh, il a fait sur moi une impression indélébile. Les deux concertos sont extrêmement différents et illustrent des périodes distinctes de la vie de Prokofiev. Le climat poétique et céleste du Premier Concerto est une invitation dans un pays de rêve. Quant au Deuxième, il crée une sonorité grave et sombre dès la mélodie initiale » estime ainsi la violoniste franco-russe qui enseigne à Amsterdam et dont le grand-père, Iakov Milstein, fut professeur de piano au conservatoire Tchaïkovski de Moscou. 

Alliant à la fois virtuosité et sensibilité, son interprétation se veut à la fois subtile et tranchante, dans un style que n’aurait certainement pas renié le compositeur. La soliste est magnifiquement accompagnée par le PHION Orchestra d’Arnhem, très en verve. Un disque qui vaut vraiment la peine d’être rangé au côté de l’autre Milstein.

Par Laurent Pfaadt

Prokofiev, Violin Concertos, Maria Milstein, PHION Orchestra,
dir. Otto Tausk, Channel Records

La Messe du couronnement en ut de Mozart est l’une des œuvres sacrées les plus connues du compositeur. Commandée par l’archevêque de Salzbourg, le prince Colloredo-Mansfeld, l’œuvre est empreinte de ce désarroi que ressentit à cette époque le compositeur et qu’il transforma en joie. Dans cet enregistrement, l’Akademie für Alte Musik de Berlin, ensemble de musique de chambre de renom, a parfaitement su retranscrire cette émotion sous la conduite du chef Howard Arman et accompagné une nouvelle fois brillamment par le chœur de la radio bavaroise.

Mozart ne fut pas appelé Amadeus (« qui aime Dieu ») par hasard et cette interprétation d’une beauté rare vient transcender la dimension divine de l’œuvre. Le lyrisme qui s’en dégage, transcendé par des voix sublimes en particulier celle de Katharina Konradi dans cet Agnus Dei à vous donner des frissons, ajoutée aux couleurs vocales de Sophie Harmsen, donne ainsi à l’œuvre une puissance évocatrice proprement stupéfiante. L’ensemble et son chef, après le Requiem et la Grande messe en ut mineur poursuivent ainsi avec brio leur exploration du répertoire sacré du génie autrichien.

Par Laurent Pfaadt

Wolfgang Amadeus Mozart, Coronation Mass, KV317 ; Vesperae solennes de Dominica KV 321, Chor des Bayerisches Rundfunks,
Akademie für Alte Musik, dir Howard Arman
BR Klassik