Archives de catégorie : Ecoute

Sélection Beaux Livres

A l’occasion des fêtes de fin d’année, Hebdoscope vous propose comme chaque année une sélection d’ouvrages qui feront, à coups sûrs, des heureux

Ian Nathan, Clint Eastwood, la filmographie intégrale du réalisateur iconique, Gallimard, 176 p.

Tous les passionnés de cinéma américain vont adorer ce livre. Des westerns spaghettis à Cry Macho en passant par Bronco Billy ou Magnum force, le journaliste britannique Ian Nathan nous emmène sur les traces de Clint Eastwood, l’une des grandes « gueules » et icônes vivantes du cinéma américain.

A travers un récit thématique qui permet de couvrir l’intégralité d’une filmographie abondante et merveilleusement illustrée et passe avec brio du western à la comédie, du film d’action à la biographie musicale, le lecteur est immédiatement embarqué dans l’aventure de cet acteur devenu l’un des réalisateurs les plus transgressifs de ces soixante dernières années. Ces dernières dessinent la figure d’un anti-héros aux mues successives brisant les codes jusque-là établis et allant souvent à contre-courant des modes. Qualifié de « macho idéal », disséquant les mythes et la violence d’une nation qu’il incarna ou exposa malgré un conservatisme assumé, Clint Eastwood demeure le reflet d’une histoire américaine tourmentée qui inspira, avec ses œuvres, la civilisation occidentale.

De Josey Wales, hors-la-loi (1976) qualifié par l’auteur de « meilleur film de Clint Eastwood à ce jour » à Doux, dur et dingue avec cet orang-outan volant la vedette à l’acteur en passant par les chefs d’œuvre que furent Impitoyable et Mystic River, ce livre parle également à notre propre histoire personnelle que Clint Eastwood accompagna.

« Tout comme Impitoyable était bien plus qu’un western, ce film était bien plus qu’un polar : la question morale du bien et du mal y est abordée dans toute sa complexité » écrit ainsi Ian Nathan à propos de Mystic River qui marqua également la première collaboration musicale de Clint Eastwood avec son fils Kyle apparut dans Honkytonk Man et qui allait ensuite signer les bandes originales de plusieurs films de son père notamment Gran Torino, L’échange et Invictus. En complément du livre sort ainsi le très beau Eastwood Symphonic regroupant les musiques des films de Clint composées par Kyle, musicien accompli et partageant avec lui cette passion du jazz si brillamment démontrée dans Bird.

A écouter : Eastwood Symphonic, label Discograph

Jean-Louis Moncet, Alain Pernot, Johnny Rives, Le grand livre de la F1, préface d’Alain Prost, Marabout, 288 p.

« Pour conquérir ces avancées, il y a les hommes, les ingénieurs, les inventeurs, les techniciens et les pilotes dans une confrontation perpétuelle » écrit Alain Prost, quadruple champion du monde,  dans la préface de ce très beau livre. Ecrit par quelques-uns des plus grands connaisseurs de la Formule 1 notamment Jean-Louis Moncet, ancien journaliste bien connu des amateurs de F1, ce livre nous fait revivre les grands moments de ce sport à travers des portraits, des courses, des circuits ou des moteurs.

Les grands moments, à travers une très belle infographie comparable à celle des autres volumes sportifs de Marabout (MMA, Boxe), sont parfaitement expliqués notamment ces illustres grands prix d’Australie (1996) qui vit la victoire d’Alain Prost ou du Brésil (2008), terrain de l’affrontement titanesque entre Felipe Massa et Lewis Hamilton qui valut à ce dernier le titre mondial pour un point. Au sport, le livre ajoute une dimension technique et technologique avec l’évolution des moteurs, de la sécurité et une rubrique fort pertinente intitulée « Qu’est-ce qu’une F1 dans les années… ? ».

Un livre à parcourir sans ceinture de sécurité.

Bertrand Alary, Jean-Pierre Sabouret, Metal, 40 ans de musique puissante, Gründ, 352 p.

Il y a quarante ans, au début des années 80, quand ce nouveau genre musical baptisé Metal ou Heavy Metal fit son apparition sur quelques scènes confidentielles en Angleterre et aux Etats-Unis, les spectateurs étaient rares et regardés comme déviants. Seuls les passionnés se souviennent encore de Whitesnake ou de Mercyful Fate, ce groupe de métal danois. Aujourd’hui, ces mêmes groupes ont traversé ces décennies. Ils s’appelent Metallica, Iron Maiden et remplissent avec leurs héritiers des stades de plusieurs dizaines de milliers de spectateurs venus en famille pour admirer leurs idoles. Leurs souvenirs présents dans ce livre se transmettent lors de soirées et de concerts où fans de la première heure croisent convertis de la dernière.

Dans une nouvelle édition augmentée de 32 pages avec sa couverture désormais rouge, Bertrand Alary, photographe pour les principaux magazines de métal et Jean-Pierre Sabouret, ancien rédacteur en chef de Hard Rock Magazine s’associent à nouveau pour emmener leurs lecteurs dans un nouveau voyage musical infernal, de Black Sabbath et Led Zeppelin, les pères fondateurs aux derniers nés en passant par les incontournables (Megadeth, Def Leppard, Alice Cooper) et les plus confidentiels (Uli Roth, Cannibal Corpse, Lofofora). Le mélange des genres y est permanent et les riffs assurément monstrueux…

Paris 2024, Cent ans de Jeux Olympiques, Solar/L’Equipe

Paris et la France célébreront en 2024 le retour des Jeux Olympiques (26 juillet-11 août) et Paralympiques (28 août-8 septembre) dans la capitale, cent ans après un premier rendez-vous. Pour célébrer ce siècle de Jeux olympiques qui a vu ces derniers se répandre sur tous les continents, accueillir de nouveaux sports et refléter l’évolution géopolitique du monde, le journal l’Equipe en collaboration avec les éditions Solar publient le manuel nécessaire pour se préparer à cette grande fête.

Les grands exploits, les grands champions mais également les grands rebondissements se succèdent au fil des pages. Accompagnés de ces immortelles photos que nous connaissons tous et des mots des grandes plûmes du quotidien sportif, le livre offre à tout passionné de sport une plongée dans ses propres souvenirs mais également dans l’histoire parfois tourmentée des JO. De Jessie Owens en 1936 à Usain Bolt en 2008 en passant par l’épisode Ben Johnson en 1988 et Bob Hayes à Tokyo en 1964, d’Emil Zatopek à Michael Phelps, de Michael Johnson à Tony Riner, les champions reprennent vie dans ce livre fantastique. Des Jeux de Berlin (1936) à la prise d’otages des athlètes israéliens en 1972 à Munich en passant par les poings levés de Smith et Carlos à Mexico en 1968 ou la victoire arc-en-ciel de Cathy Freeman à Sydney en 2000, ce livre est véritablement un condensé d’émotions et pas que sportives.

L’entraînement parfait donc avant d’autres émotions à venir pour faire de Paris, selon les mots d’Hemingway, « une fête ».

Par Laurent Pfaadt

Chostakovitch à la conquête de Berlin et de Londres

Deux enregistrements des orchestres philharmonique et symphonique de Berlin et de Londres célèbrent les symphonies de Dimitri Chostakovitch

Et si on vous disait que les Russes ont à nouveau conquis Berlin avec à sa tête un général russe, vous n’en croirez pas vos oreilles. Et bien c’est bel et bien à cela que l’on assiste avec le très beau coffret de l’orchestre philharmonique de Berlin dirigé par son chef Kirill Petrenko consacré aux 8e , 9e  et 10e symphonies de Dimitri Chostakovitch, ces trois œuvres témoignant, chacune, d’un monde propre tout en se rejoignant autour d’un même désir de liberté.


Fascinant en effet de voir ce chef russe et cet orchestre allemand interpréter cette 8e symphonie composée pour célébrer la victoire de Stalingrad. On se souvient encore des gestes d’autorité et de distance d’un Mravinski assis sur son siège. Rien de tel dans le passionné Kirilenko et sa magnifique conduite d’un orchestre mettant sa puissance au service de la partition pour façonner cet incroyable drame psychologique. L’angoisse inhérente à ces trois symphonies en ressort proprement transfiguré en particulier dans cette marche du dernier mouvement de la 9e symphonie. Il faut absolument voir les captations vidéos de cette neuvième qui accompagnent ce coffret où fureur et joie cohabitent magnifiquement.

Dans la dixième, le chef, juché sur son cheval symphonique, se mue en Koutousov chargeant à la Moskova avec deux corps d’armée – bois et cuivres – et marchant sous un rythme d’une précision chirurgicale. La dixième demeure incontestablement la plus grande, la plus impressionnante des symphonies du maître soviétique car elle recèle en elle la quintessence de la force créatrice d’un Chostakovitch poussé au bord de l’abîme Et à l’intérieur de cette symphonie, le deuxième mouvement, indépassable, dit tout de la symphonie et consacre tant l’échec que la réussite de son interprétation. Ici, cet allegro est ici une pure merveille. La 10e est une bataille, contre Staline, contre le régime, contre sa propre peur.

« Chostakovitch a toujours eu foi dans le peuple. Dans sa musique, il a toujours montré le bon côté du peuple mais aussi comment celui-ci peut être détruit par le pouvoir » rappelle Kirill Petrenko dans une interview fort intéressante de vingt-deux minutes qui accompagne ces interprétations. Le chef d’orchestre explique ainsi que « jouer ces trois symphonies durant une période de quasi total isolement m’a amené à un nouveau niveau de compréhension de cette musique » Comme si finalement, il avait pu percevoir l’isolement dont fut victime à cette époque un Chostakovitch qui se sentait, à juste titre, menacé. Même la comparaison avec Jansons, pourtant grand interprète de Chostakovitch ne tient plus. Le Covid et l’imminence de la mort ont transcendé Petrenko.

Il semblerait également que la Russie s’est une fois de plus immiscée dans les affaires du Royaume-Uni. Non pas pour traquer des espions félons mais pour y faire rayonner en majesté la musique du célèbre compositeur soviétique. A défaut d’espion, les mânes de Chostakovitch ont choisi un héraut devenu un héros un peu plus affirmé de cette musique en la personne de Giovandrea Noseda. Poursuivant son intégrale des symphonies, le chef italien s’affirme avec ses 6e et 15e comme l’un des grands interprètes de Chostakovitch, rejoignant les Jansons et Haitink et approchant par moment la perfection d’un Mravinski notamment dans cette sixième symphonie qu’il créa en 1939. Ici Noseda parvient merveilleusement à retranscrire les changements d’humeur entre paix et fureur qui traverse l’œuvre. Cela lui donne une dimension mahlérienne extrêmement appréciable fort différente cependant de l’approche berlinoise.

Pour autant la magie opère. Traversant le spectre et la vie du compositeur, Noseda nous transporte merveilleusement dans l’atmosphère de la 15e et dernière symphonie créée par le fils du compositeur Maxime Chostakovitch. Ici point de doute sur les intentions du chef qui a choisi les ténèbres pour y inscrire la monumentalité épique de son approche. Celle-ci teintée de noirceur force le respect tant la fidélité y est manifeste. Noseda s’y pose en disciple.

Et de Berlin à Londres, cela n’est plus à une conquête auquel nous assistons mais bel et bien à un triomphe.

Par Laurent Pfaadt

A écouter :

Shostakovich, Symphonies 6 & 15, London Symphony Orchestra,
dir. Gianandrea Noseda, LSO live

Shostakovich, Symphonies 8, 9, 10, Berliner Philharmoniker,
dir. Kirill Petrenko, Berliner Philharmoniker Recordings

Five Sinfonias

Il y a cinq ans disparaissait George Theophilus Walker (1922-2018), premier compositeur afro-américain à avoir remporté le prix Pulizer de la musique (1996) pour son œuvre Lilacs tirée du poème de Walt Whitman, When Lilacs Last in the Dooryard Bloom’d. Il succédait notamment à Aaron Copland, Elliott Carter et Charles Ives.


Assez peu connu de ce côté-ci de l’Atlantique et rarement au programme de concerts malgré une production qui avoisina les 90 œuvres avec de nombreuses pièces de musique de chambre, ce disque regroupant les cinq symphonies de Walker devrait remédier à cet oubli. Enregistrées à l’occasion du centenaire de la naissance du compositeur en janvier 2022 puis en mai et juin 2023, elles sont ainsi regroupées pour la première fois dans cet intégrale complétée d’ailleurs par un merveilleux livret de photographies retraçant les quatorze dernières années du maestro.

Diverses influences (jazz, musique classique, musique religieuse, musique populaire) colorent ces œuvres avec des passages tantôt épiques tantôt bucoliques obtenus grâce à l’utilisation à bon escient de cuivres ou de bois. Si sa troisième symphonie se veut plus sombre en raison de percussions imposantes, la quatrième en revanche, affiche une dimension cinématographique et angoissante qui n’aurait certainement pas déplu à Bernard Hermann. Délaissant un temps le London Symphony Orchestra ainsi que son intégrale des symphonies de Chostakovitch, le chef italien Gianandrea Noseda reconnaît d’ailleurs volontiers que « les sinfonias de George Walker ont été pour moi une découverte musicale extraordinaire ». Le directeur musical du National Symphony Orchestraa ainsi puisé dans le compositeur soviétique quelque inspiration pour ces interprétations très réussies qui rendent un très bel hommage à un compositeur méritant assurément d’être connu et joué de ce côté-ci du monde.

Par Laurent Pfaadt

Georges Walker, Five Sinfonias
dir. Gianandrea Noseda
National Symphony Orchestra, The Kennedy Center

en novembre à l’ops

Le concert du vendredi 24 novembre dernier, donné dans la salle Érasme et associant les noms de Beethoven et  Bartok, restera dans la mémoire pour la qualité des interprétations, tant du côté de l’orchestre dirigé par le chef russe Stanislaw Kochanovsky que de celui de la partie soliste tenue par le premier violon, Charlotte Juillard.


Charlotte Juillard
© Grégory Massat

Commencé en 1936 et créé en 1938, le deuxième concerto pour violon de Bela Bartok reflète parfaitement, avec ses accents tantôt d’une grande gravité, tantôt violemment inquiétants, l’atmosphère de l’Europe à l’époque où il fut composé. Le compositeur lui-même s’apprêtait à émigrer aux Etats-Unis. Longue d’une quarantaine de minutes, l’oeuvre se compose de trois mouvements, un allegro initial construit sur l’opposition classique entre deux thèmes, un mouvement lent et un rondo final optant, l’un et l’autre, pour le principe de la variation. La modernité de l’œuvre réside surtout dans l’écriture thématique, à la fois lyrique et abstraite, et dans l’orchestration, typiquement bartokienne avec ses cuivres et ses percussions.

Les qualités musicales d’un concertiste et celles du violon solo d’un orchestre ne sont pas nécessairement les mêmes, et le répertoire qu’ils pratiquent diffère quelque peu. Par ailleurs, les difficultés techniques de ce concerto sont très grandes. Il faut se réjouir que Charlotte Juillard les ait brillamment surmontées et lui ait permis de proposer une interprétation mettant particulièrement en avant le côté lyrique de l’œuvre. A sa manière propre, elle aura intuitivement retrouvé une tradition inaugurée dans ce concerto  par des violonistes comme Yehudi Menuhin ou Henryk Szeryng. Pour cet opus majeur qui est, à la musique, un peu ce que Le Château de Kafka est à la littérature, Charlotte Juillard a opté pour des cordes en boyaux qui lui ont permis d’obtenir de son violon une atmosphère  particulièrement grave et énigmatique dans les premiers et seconds mouvements, avant de laisser place à la sauvagerie du finale . Elle aura, par ailleurs, bénéficié d’un soutien orchestral de la plus haute qualité. Longuement et chaleureusement ovationnée à l’issue de sa performance, la super-soliste de l’OPS a offert en bis une courte pièce de Georges Énescù, Le ménestrier premier.

Depuis deux siècles qu’on les joue, depuis un siècle qu’on les enregistre, les symphonies de Beethoven ont fait l’objet d’une multitude de grandes interprétations. D’Arthur Nikisch dans les années 1900 à Nikolaus Harnoncourt de nos jours, en passant par Felix Weingartner, Arturo Toscanini, Wilhelm Fürtwaengler, Bruno Walter, Fritz Reiner, Herbert von Karajan, Carl Schuricht et bien d’autres,  le potentiel de ces partitions beethovéniennes a été plus qu’exploré. Même si la musique vivante en salle de concert conserve un avantage émotionnel sur l’écoute chez soi, il n’en demeure pas moins rarissime d’être aujourd’hui saisi lors de l’audition d’une symphonie de Beethoven, après que tous les grands noms de la direction d’orchestre y ont imprimé leurs marques. Cela est pourtant arrivé  : ainsi, en 2007, lors de l’intégrale Beethoven donnée en la salle Érasme par Paavo Järvi  et ses musiciens de Brême ; cela le fut aussi, ce vendredi 24 novembre, avec l’extraordinaire interprétation de la symphonie héroïque par Stanislaw Kochanovsky et les musiciens de l’OPS. Elle ne mérite que des éloges : beauté du chant, intelligence du phrasé, effervescence rythmique, richesse des timbres, vitalité conquérante et éloquence prenante de la première à la dernière note. Si le chef s’inspire des équilibres sonores du courant historiquement informé, avec notamment une petite harmonie très en avant, l’effectif orchestral conserve, en revanche, une dimension symphonique assez traditionnelle,  d’environ soixante-cinq musiciens. Pour le reste, Kochanovsky ne craint pas d’introduire de subtils ralentis ou de romantiques accélérations, tels qu’on les faisait souvent au siècle dernier et tels qu’ils ont à peu près disparu depuis. Avec le concours d’un orchestre de toute évidence conquis, nous entendîmes ainsi une Éroïca d’une flamme et d’une profondeur mirobolantes. Un chef que l’on souhaite vivement revoir.

Quelques versions recommandables du 2ème concerto pour violon et orchestre de Bela Bartok :

Henryk Szeryng, avec l’Orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam,
dir. Bernard Haïtink (Decca)

André Gertler, avec l’Orchestre Philharmonique tchèque,
dir. Karel Ancerl (Supraphon)

Ces deux violonistes privilégient la dimension lyrique de l’oeuvre.

Gil Shaham et l’Orchestre Symphonique de Chicago,
dir. Pierre Boulez (DG) mettent en avant la dimension abstraite et moderniste du concerto.

Les samedi soir 25 et dimanche après-midi 26 novembre, la Chorale Strasbourgeoise donnait son concert annuel, principalement consacré cette année à des œuvres de Joseph Haydn. Il faut d’abord saluer la qualité du programme qui aura permis d’entendre des œuvres que l’on joue rarement et qui, si elles ne sont pas les plus grandes du compositeur, méritent largement l’écoute.


Purement orchestral dans sa première partie, le concert débutait par la petite ouverture de Xerxès de Haendel, suivi du plus ambitieux divertimento en sol majeur de Haydn. Pour ce faire, Gaspard Gaget, le jeune directeur de la Chorale Strasbourgeoise, avait obtenu le concours du Kammerensemble Kehl-Strasbourg, très attentif et réactif à sa direction durant tout le concert. En seconde partie, les quatre motets Responsaria de venerabili Sacramento, rarement joués, révèlent de grandes beautés vocales. D’une durée d’un peu moins trente minutes, la Missa Sancti Nicolai, elle aussi en sol majeur, est également une intéressante partition vocale, offrant des moments polyphoniques, un bel épisode fugué et un dona nobis pacem final assez émouvant.

Outre la vingtaine de musiciens et la soixantaine de choristes, Gaspard Gaget avait réuni un quatuor vocal de qualité dont la soprano et le ténor furent particulièrement mis en valeur durant la  Missa Sancti Nicolai. Les quelques imperfections audibles durant le premier concert au Palais des Fêtes de Strasbourg avaient complètement disparu le lendemain après-midi, dans l’église Santa Maria de Kehl. Un ensemble orchestral et choral judicieusement disposé dans l’acoustique plutôt mate de l’église a permis au jeune chef talentueux d’accélérer quelque peu le tempo, obtenant de ses musiciens une verve et une cohésion d’un niveau peu banal pour un concert d’amateur.

                                                                                                          Michel Le Gris

Bruckner

Bruckner, Symphonie NR. 8, Te Deum, Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks,
dir. Bernard Haitink, BR Klassik

Qu’il est agréable d’écouter un nouvel enregistrement de Bernard Haitink au ton si juste et à l’interprétation millimétrée. Et celui de la 8e symphonie de Bruckner, ce compositeur dont il fut l’un des grands interprètes, ne fait pas exception. Enregistrée en 1993, son interprétation témoigne à nouveau d’une beauté à couper le souffle. A l’allegro initial tout en solennité succède un scherzo d’une émotion remarquable annonçant déjà celui de la 9e avant qu’un final Feierlich, puissant mais sans emphase inutile, ne vienne parachever un enregistrement à ranger parmi les disques de référence.

Bien évidemment, le chef a trouvé dans l’orchestre de la radio bavaroise, cette phalange « brucknérisée » comme un bronze poli avec ses équilibres sonores parfaits, son double idéal. L’orchestre ne surjoue jamais mais au contraire manifeste une assurance tant dans la maîtrise de la partition que dans l’émotion qu’il distille avec parcimonie et succès.

Un équilibre qui trouve son point d’orgue dans le Te Deum du même Bruckner qui complète astucieusement ce disque et offre avec les magnifiques voix de Krassimira Stoyanova et Yvonne Naef un parfait miroir aux cuivres triomphants de cette symphonie des symphonies.

Par Laurent Pfaadt

A la poursuite du diamant sonore

Le label The Lost Recordings retrouve et édite des enregistrements inédits

Amsterdam, sous-sol d’un bâtiment ultra-moderne ressemblant à une banque. Mais ici les diamants qu’elle contient sont d’une autre nature. Soudain, une musique retentit. Non pas celle de l’alarme mais d’un violoncelle. Les deux hommes venus de France se regardent, interloqués. « Incroyable » dit l’un tandis que l’autre, la gorge nouée, ne peut répliquer. Le fils du violoncelliste André Navarra accompagné du pianiste Frédéric d’Oria-Nicolas viennent d’écouter des enregistrements inédits du père de ce dernier. Ils ne le savent pas encore mais ils sont sur le point de s’engager dans une aventure musicale hors du commun qui va les conduire à l’autre bout du monde.


The Lost Recordings
Copyright Sanaa Rachiq

The Lost Recordings est né. Après cette expérience, les deux hommes se muent en véritables archéologues de la musique, engageant une course contre la montre afin de retrouver des enregistrements avant leur destruction par le temps. De Londres à Paris en passant par Berlin ou Prague, The Lost Recordings impulse ainsi, à partir de bribes d’informations, un immense travail de référencement. « Notre mission est de sécuriser un patrimoine musical avant qu’il ne tombe dans l’oubli et qui se désagrège » Et Frédéric d’Oria-Nicolas de plaider pour une initiative européenne en ce sens.

Piet Tullenar
Le chercheur et ami Piet Tullenar, archives Amsterdam

Leurs expéditions ont ainsi permis de ressusciter des concerts méconnus de Sarah Vaughan, Duke Ellington, Thelonius Monk, Dexter Gordon, Johanna Martzy et d’autres. De retrouver les bandes originales et de restaurer des œuvres connues comme ce Lucia Di Lammermoor de 1955 avec Maria Callas et Karajan que les amoureux de l’opéra ne connaissaient qu’à travers une copie pirate d’un obscur label italien et dont la version de The Lost Recordings a tiré des larmes aux meilleures sopranos. Parfois, nos aventuriers s’engagent sur une fausse piste mais leurs échecs les conduisent à de futures découvertes. Partis à Berlin sur les traces d’inédits d’Emile Gilels, le célèbre pianiste soviétique, suivant en cela les conseils du petit-fils de ce dernier, ils obtiennent des indices qui les ramènent à Amsterdam et une discussion avec leur compère des débuts, Piet Tullenar, sorte de Sallah Faisel el-Kahir du célèbre aventurier de Spielberg, et les voilà avec entre les mains l’un des plus grands enregistrements du génie du piano lors d’une tournée dans la capitale néerlandaise en 1976, devenu depuis l’un des plus grands succès du label.

Désormais identifié par près de 13 000 clients majoritairement à l’étranger, le label voit affluer du monde entier des informations sur des enregistrements oubliés avec parfois de petites histoires comme tirées d’un film d’aventures comme cette lettre d’un passionné qui arrive un jour dans leur studio en provenance de…Buenos Aires. Ce qui ne devait être qu’un morceau de papier va se transformer en miracle car suit alors un autre courrier avec des photos de bandes enregistrés au Teatro Colon et dans un club de jazz. Le début d’une nouvelle aventure que les passionnés découvriront très bientôt non pas sur grand écran mais sur leur platine.

Simon Garcia
Copyright Sanaa Rachiq

Et comme une évidence, c’est dans l’un des temples du jazz, à Marciac, lieu du plus grand festival français que The Lost Recordings a trouvé l’écrin de ses diamants sonores. « En Europe, personne ne fait des vinyles comme lui » lance sans hésitation Fréderic d’Oria-Nicolas. Lui c’est Simon Garcia, petit artisan du vinyle qui a monté son usine de production, Garcia & Co, après avoir sillonné le monde, convaincu l’un des grands patrons de l’industrie musicale, résisté aux mécènes qui voulaient dénaturer son idée et terrassé machines-outils allemandes. Et le qualificatif de diamants sonores pour ces disques de Sarah Vaughan, Chet Baker ou Erroll Garner n’est pas galvaudé puisque comme le rappelle Simon Garcia, « le pressage, c’est de la véritable horlogerie ».

Avec la passion qui bouillonne en lui tel un feu sacré, Simon Garcia et la société qu’il a créé en 2021 mettent un point d’honneur à réaliser des vinyles quasi parfaits et au son unique. Ainsi les mille vinyles qu’il sort chaque jour possèdent un temps de pressage de 33 secondes quand la majorité des disques sont réalisés en 18 secondes. « J’écoute les silences. Si le silence est bon, la musique est bonne » avoue Simone Garcia à propos de ses disques, « les Aston Martin du vinyle » selon Frederic d’Oria-Nicolas. Même si Simon Garcia reconnaît qu’il lui faut sortir de son modèle artisanal, son travail paie. Près de 80% de sa production part à l’étranger, essentiellement aux Etats-Unis pour le jazz et en Asie pour la musique classique. Et grâce à lui et à The Lost Recordings, ces diamants sont désormais éternels.

Par Laurent Pfaadt

Pour consulter le formidable catalogue de The Lost Recordings :

https://thelostrecordings.store

On ne saura trop vous conseiller en vinyle et Cds les enregistrements suivants :

SARAH VAUGHAN – LIVE AT THE BERLIN PHILHARMONIE 1969

DONALD BYRD & DEXTER GORDON – THE BERLIN STUDIO SESSION 1963

ERROLL GARNER – THE UNRELEASED BERLIN STUDIO RECORDING 1967

A chaque fois qu’on me donne des bandes, j’ai l’impression qu’on me remet des toiles de maîtres que personne n’a jamais vu

Frédéric d’Oria-Nicolas, co-fondateur et directeur général de The Lost Recordings nous raconte l’extraordinaire aventure de ce label spécialisé dans l’édition de concerts oubliés.


Frédéric d’Oria-Nicolas
  • Comment l’aventure The Lost Recordings a-t-elle débuté ?

J’ai été pianiste pendant vingt ans. J’ai joué sur les scènes de quarante-deux pays et j’ai toujours été passionné par les techniques de captation du son notamment sur des vinyles. Travaillant avec l’entreprise Devialet sur la restauration d’enregistrements mythiques, je fais un jour la connaissance de Michel Navarra, le fils d’André Navarra, le célèbre violoncelliste français. Je lui demande s’il veut bien m’aider à retrouver les bandes de son père. Il accepte et on retrouve ces dernières à Prague, à Londres, à Berlin, à Amsterdam. Là-bas, au Media Park, sorte d’INA néerlandais, la personne entendant la qualité de notre musique restaurée, vient vers nous et nous dit : « vous savez qu’ici on a des centaines d’inédits ! » On se regarde avec André Navarra, c’était impensable. On lui dit « mais comment ça des inédits ? » Le type voyant notre scepticisme remonte alors sur un charriot des dizaines de bandes avec des enregistrements d’Ella Fitzgerald, d’Oscar Peterson, de Sarah Vaughan, etc. On installe les bandes, on les écoute et on est complétement abasourdi. On se dit mais ce n’est pas possible, il ne s’agit pas d’inédits. On vérifie et effectivement ces enregistrements n’avaient jamais été publiés.

  • Que ressent-on à cet instant précis ?

Une des plus grandes émotions de ma vie. Je me souviens du premier titre que j’ai écouté, Everything must change de Sarah Vaughan. On était complètement transcendé. Et à chaque fois qu’on me donne des bandes, j’ai l’impression qu’on me remet des toiles de maîtres que personne n’a jamais vu. Encore aujourd’hui je ne comprends pas comment cela est possible. Comment ces trésors ont pu dormir sur des étagères pendant des décennies sans que personne ne fasse rien.

  • Après ces découvertes, vous allez alors de surprise en surprise…

Oui parce qu’on pense d’abord qu’il s’agit d’un phénomène isolé. Pas du tout, il y en a partout ! On se dit qu’on a entre les mains de véritables pépites. Un patrimoine musical oublié. Et qu’il faut absolument faire quelque chose. Après Navarra, on sort alors plusieurs albums dont ceux découverts à Amsterdam et le succès est immédiat.

Pourtant, il faut dire qu’il est très difficile d’identifier ces albums. Il n’y a pas de base de données commune, qu’il y a des erreurs dans les classements, les noms d’artistes, les dates. Les archivistes ne sont pas remplacés et ceux qui restent doivent être convaincus. Car au début, ils voulaient nous donner des copies. Enfin cela coûte très cher.

  • Pourquoi ?

Parce qu’on se déplace avec tout notre matériel, en voiture ou en camionnette la plupart du temps pour transporter nos magnétophones qui pèsent plusieurs dizaines de kilos, mais également les enceintes, les câbles. Et puis on ne peut pas sortir les bandes. Donc, il faut être sur place, dans l’enceinte du lieu de conservation.

Et puis, il faut trouver un équilibre économique. Après notre découverte, je suis allé voir les majors pour leur parler de mon projet. Beaucoup m’ont répondu : « c’est super mais ça ne marchera jamais ». Elles se sont complètement trompées car on est totalement indépendant. On cherche, on restaure, on fabrique. On a nos clients, notre réseau de distribution, notre propre site internet. On ne dépend de personne.

  • Aujourd’hui vous continuez à sillonner l’Europe à la recherche de nouveaux enregistrements ?

Oui. On travaille avec la BBC, la RBD à Berlin, à Amsterdam. On reçoit des lettres de fans, de mélomanes du monde entier pour nous donner des contacts où trouver des enregistrements. A Buenos Aires ou ailleurs. J’ai l’impression d’être Indiana Jones. C’est passionnant.

  • Des archéologues de la musique en quelque sorte

Oui, cela s’apparente effectivement à de l’archéologie car vous n’avez aucune garantie. Vous creusez mais vous ne savez pas ce que vous allez trouver. Et puis, il y a beaucoup de déchets. Les gens s’imaginent qu’on trouve des pépites tous les quatre matins ce qui n’est pas le cas. Sur des centaines et des centaines de pages de données, on sélectionne peut-être 5% et dans ce pourcentage, il y a une pépite sur dix. On écoute des centaines d’heures de musique. Lors de notre dernier déplacement à Berlin, on est resté douze jours et on a sorti plus de soixante enregistrements. Et sur ces soixante, on en a sélectionné peut-être cinq dont un Callas, un Erroll Garner et un Dexter Gordon.

Pour autant, il y a des trésors partout. J’adorerai trouver des bandes à Moscou notamment en classique. Mais avec leur administration et maintenant la guerre, c’est devenu impossible. Notre quête est sans fin, on en a pour des années à tout chercher. Donc nos aventures ne sont pas près de s’arrêter !

Interview par Laurent Paadt

Les récents CD de l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg

Leos Janacek (1854 – 1928)
Messe Glagolitique JW 3/9, version septembre 1927
Sinfonietta  JW 6/18
Malin Byström, soprano
Jennifer Johnston, mezzo
Ladislav Elgr, ténor
Adam Plachetka, baryton-basse
Johann Vexa, orgue
Chœur philharmonique tchèque de Brno, direction :
Petr Fiala
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
Marko Letonja
Warner classics

Enregistrée fin août 2021 dans une salle Érasme sans public, la Messe glagolitique de Leos Janacek dirigée par Marko Letonja offre bien des qualités, à commencer par celle de faire entendre la version originale de l’œuvre, celle de septembre 1927, rarement jouée ; bizarrement, on lui préfère le plus souvent celle éditée deux ans plus tard, après la mort du compositeur : simplifiant le jeu des musiciens et amoindrissant quelque peu le dramatisme de l’œuvre, elle comporte en outre des changements effectués sans le consentement explicite de Janacek. 

De cet oratorio agnostique écrit en vieux-slave (glagolitique désigne son alphabet), l’ancien directeur musical de l’OPS nous laisse une interprétation des plus attachantes, jouant d’un bel équilibre entre la dimension sombre et le côté explosif et vitaliste d’une partition écrite dans la fébrilité par un homme de 73 ans, éperdument amoureux d’une jeune femme de quarante ans sa cadette à qui il dédiera d’ailleurs son dernier quatuor à cordes, Lettres intimes. Le début du disque pourra cependant surprendre car cette version originelle ne s’ouvre pas sur l’habituelle introduction cuivrée mais par cette courte intrada d’une gestique effrénée et convulsive, qui généralement conclut l’œuvre mais du coup l’ouvre également : le caractère insolite de cette étrange messe s’en trouve encore accentué. Dans l’Introduction, ainsi placée en second mouvement, Marko Letonja obtient des vents du philar de belles couleurs patinées, évoquant l’aspect d’un vieux vitrail, bien plus prenantes et envoutantes que le brillant voire le clinquant que l’on y met parfois. A la gravité du Kyrie, succède la verve du Gloria, un hymne à la vie particulièrement bien rendu dans cet enregistrement. Mouvement le plus long de l’œuvre, le Credo est également restitué dans la diversité de ses atmosphères changeantes. Quant aux incantations vocales et cuivrées du Sanctus, elles sont des plus enthousiasmantes, avant que l’Agnus dei ne réinstalle une atmosphère plus grave.

Un bon quatuor vocal (où l’on remarque notamment le ténor Ladislav Elgr), le Chœur philharmonique tchèque de Brno (où professa Janacek) et les musiciens de l’OPS participent intensément à la réussite de cette entreprise. La réalisation technique par l’équipe Warner est également de première ordre : écoutée dans de bonnes conditions domestiques, l’acoustique de la salle Érasme est parfaitement reconnaissable. La célèbre Sinfonietta qui complète le disque montre le chef et ses musiciens de l’OPS décidément très en phase avec la musique de Janacek. Avec des moyens bien personnels, jouant du détail et de la grande ligne, de la puissance et des timbres mais sans exagération, l’ancien directeur de l’orchestre retrouve la poésie des grandes interprétations tchèques, celles anciennes de Karel Ancerl et de Vaclav Neumann et nous fait regretter de ne pas nous avoir fait plus entendre cette musique en concert. A l’écoute de cet enregistrement, on en vient à se demander si d’autres orchestres français sont à ce point capables de restituer ces couleurs d’Europe centrale.


Hector Berlioz (1803 – 1869)
Les Nuits d’été op.7 version de 1856
Harold en Italie op.18
Michael Spyres, ténor
Timothy Ridout, alto
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
John Nelson
Erato 

Quelques semaines plus tard, dans la même salle mais en public cette fois, l’orchestre retrouvait le chef américain John Nelson pour deux concerts enregistrés dans le cadre d’une intégrale Berlioz si brillamment relancée à Strasbourg il y a cinq ans, avec Les Troyens et La Damnation de Faust. Fort apprécié tant dans le rôle d’Énée que dans celui de Faust, le baryténor Michael Spyres est ici le protagoniste du cycle Les Nuits d’été, composé par Berlioz sur des poèmes de Théophile Gauthier d’abord au piano, puis orchestré quinze ans plus tard, en 1856. Si les premier, quatrième, cinquième et sixième chants sont écrits dans une tonalité relativement aigue, les deuxième et troisième ressortissent à un registre plus grave. L’œuvre est alors donnée tantôt avec le concours d’une mezzo et d’un baryton, tantôt par une soprano au spectre suffisamment large et modifiant les tonalités le cas échéant. Dans cet enregistrement strasbourgeois, Michael Spyres a choisi de chanter seul tout le cycle sans opérer le moindre changement. Si on admire la beauté vocale et l’étendue de son spectre sonore d’autant mieux que la prise de son s’avère des plus respectueuses, on n’en reste pas moins sur les mêmes impressions que lors du concert, celle d’une belle performance vocale manquant quelque peu d’engagement et de contraste dans les changements d’atmosphère émaillant le cycle.

Donnée avec le concours du jeune altiste Timothy Ridout, Harold en Italie, pièce symphonique en quatre mouvements pour alto et grand orchestre fut enregistré lors de ces mêmes soirées. Avec une fidélité sonore vraiment louable, le disque réveille les impressions ressenties au concert : d’abord, un jeu d’alto d’une éloquence exceptionnelle, un orchestre d’une vitalité et d’une musicalité hors du commun dans les trois premières parties de l’œuvre (Harold aux montagnes, Marche des pèlerins, Sérénade d’un montagnard) ; en revanche, dès le début de la quatrième partie, des accents un peu raides et quelques manques d’élan font vite comprendre que John Nelson n’est pas très à son aise dans l’Orgie des brigands, qui sied bien mieux à des chefs comme Charles Münch, Léonard Bernstein, Alain Lombard (enregistré lui aussi à Strasbourg en 1974) voire, plus près de nous, John Eliott Gardiner.


Hector Berlioz (1803 – 1869)
Roméo et Juliette, Symphonie dramatique
Joyce DiDonato, mezzo-soprano
Cyrille Dubois, ténor
Christopher Maltman, baryton
Cléopâtre, Scène lyrique
Joyce DiDonato, mezzo-soprano
Coro Gulbenkian, direction : Jorge Matta
Choeur de l’Opéra national du Rhin, direction :
Alessandro Zuppardo 
Orchestre philharmonique de Strasbourg, direction :
John Nelson
Double album Erato 

Clôturant la saison musicale, la symphonie dramatique Roméo et Juliette fut donnée en juin 2022 et enregistrée à cette occasion. Le souvenir de cette soirée enthousiasmante se retrouve dans une publication qui ne suscite guère de réserves, sinon celle d’une légère faiblesse vocale du côté du Père Laurence (tenu par Christopher Maltman), heureusement compensée par une excellente diction et une incarnation théâtrale du personnage. Pour le reste, à défaut de vivre une relation pérenne, Roméo et Juliette ont trouvé, en les personnes de Cyrille Dubois et de Joyce DiDonato, une union musicale enviable.  Le Coro Gulbenkian (déjà apprécié dans la Damnation) et le Chœur de l’Opéra du Rhin sont d’une vaillance parfaite, l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg soutient toutes les comparaisons. La direction de John Nelson déploie un équilibre supérieur entre la beauté lyrique de l’œuvre et les moments de très grande agitation. Par leur qualité orchestrale et leur ambiance shakespearienne, certains moments sont d’une qualité superlative, notamment toute la partie introductive, du tumulte initial jusqu’à la tristesse de Roméo. Dans la lignée des Troyens et de la Damnation, cette version strasbourgeoise de Romeo et Juliette s’inscrit, elle aussi, au plus haut niveau de la discographie, aux côtés de celles de John Eliott Gardiner et de Colin Davis, la vieille version bostonienne de l’alsacien Charles Münch demeurant, sinon inégalable, sans doute inégalée. Celle de Nelson bénéficie d’une prise de son supérieure à toutes les autres. Enregistrée hors concert, le présent double album se voit en outre complétée d’une fort belle version de la pièce lyrique Cléopâtre, assortie de la voix toujours si prenante de la cantatrice américaine mais parfaitement francophone, Joyce DiDonato. 

Les soirées consacrées à Roméo et Juliette furent les dernières apparitions de John Nelson à Strasbourg, où il se montrait dans une forme excellente. Sa venue était programmée pour une version de concert et l’enregistrement d’une Carmen de Bizet (toujours avec Joyce DiDonato) en avril de cette année. Il devait ensuite poursuivre la mise en disque de son projet Berlioz à Copenhague, avec la Symphonie fantastique suivie de Lélio. La nouvelle d’un sérieux accident de santé est tombée entretemps, l’obligeant à annuler ces deux projets. Souhaitons-lui de s’en remettre et de pouvoir les reprendre.Commencée au tournant du siècle, son intégrale Berlioz se compose d’ores et déjà de Benvenuto Cellini (avec l’Orchestre National de France), du Te Deum (avec l’Orchestre de Paris), du Requiem (récemment à Londres, avec le Philharmonia), des Troyens, de La Damnation de Faust, des Nuits d’Été, de Cléopâtre, de Harold en Italie et de Roméo et Juliette (ces dernières années à Strasbourg). Rappelons aussi qu’à ses débuts discographiques, l’OPS avait enregistré sous la direction de son chef, Alain Lombard, des opus berlioziens remarqués par la critique d’alors (la Fantastique, Harold, Roméo, plusieurs ouvertures), encore trouvables sous forme de vinyles, dans des boutiques d’occasion. Peut-être Warner, qui a récupéré le fonds Erato, les republiera-t-il un jour ?

Michel Le Gris  

Ben Harper

Wide Open Light, Moludor

C’est l’album d’un retour aux sources. Celui d’une musique acoustique qui a fait sa renommée, il y a bientôt trente ans, une musique devenue presque minimaliste débarrassée de ses oripeaux superflus. Mais également celui d’un concentré d’émotions tiré de cette voix folk chevrotante à nulle autre pareille et chantant si bien l’amour. 


Le 18e album du chanteur californien, sorte d’album de photos collectées durant toutes ces années, avance ainsi sur les routes de l’amour, de sa déception à sa gloire en passant par son attraction dans un songwriting assumé et brillant. Yard sale (« vide-greniers »), premier single dévoilé et interprété avec son ami Jack Johnson, donne ainsi la mesure de cette atmosphère. Pareil à un vide-greniers, il y a dans l’amour des choses dont on voudrait se débarrasser, des choses que l’on oublie, des vieilleries à jeter mais également des merveilles cachées qui ne demandent qu’à être révélées. Sa guitare, inimitable, résonne magnifiquement dans ce Giving Ghosts enregistré en live et brille comme une lumière bienveillante dans cette douce nuit musicale. Dans Thank You Pat Brayer, c’est un au revoir instrumental et non un adieu que Ben Harper nous délivre.

Son duo avec Shelby Lynne dans 8 minutes constitue certainement l’un des plus beaux moments de l’album. Même si Ben Harper prévient dans un Trying Not To Fall In Love With You aux accents presque bréliens : « and the nights seems so long, and the days, how they linger in, on and on » (« et les nuits semblent si longues, et les jours, comme ils s’attardent, encore et encore »), il sera difficile de résister à ce nouveau disque. Alors, ne résistons pas.

Par Laurent Pfaadt

Ben Harper présentera son nouvel album au festival Jazz in Marciac, le 28 juillet 2023 pour un concert qui s’annonce une fois de plus extraordinaire.

Dejan Lazic

Quelle magnifique découverte que celle de la musique croate. Agé d’une quarantaine d’années, Dejan Lazic est un pianiste et un compositeur croate reconnu. Comme pianiste, il a joué avec de nombreux orchestres prestigieux comme ceux de Budapest, de Birmingham ou de Bamberg sous les baguettes d’Ivan Fischer, de Vladimir Ashkenazy et de Kirill Petrenko. En compagnie de ce dernier et du London Philharmonic Orchestra, il a ainsi signé une interprétation remarquée du deuxième concerto de Rachmaninov chez Channel Classics en 2009.


On sait moins qu’il est également un compositeur de talent. Et ce concerto pour piano et orchestre dans le style istrien créé en 2014 au festival d’Aspen puis révisé en 2021 vient ainsi confirmer toute l’étendue de ce talent. Dans cette œuvre, il rend un très bel hommage à la fois à cette gamme pentatonique istrienne composée de rythmes asymétriques mais également au sopila, ce hautbois croate typique de la musique de son pays. Cela donne une œuvre pleine de caractère libérant une multitude de couleurs mélodiques.

Placées sous le signe de l’Istrie, du nom de cette province à cheval entre l’Italie et la Croatie, les autres œuvres présentes sur ce disque rendent également un magnifique hommage à cette musique classique croate méconnue et pourtant extrêmement mélodique et belle. Avec L’Istrian suite de Natko Devčić (1914-1997) et l’hymne populaire d’Ivan Matetić Ronjgov (1880-1960), l’auditeur se voit offrir un magnifique voyage musical dans cette Europe orientale que les compositeurs croates, hongrois ou polonais magnifièrent en œuvres universelles. Une belle découverte donc.

Par Laurent Pfaadt

Istrian Rhapsody, Dejan Lazic, Ivan Matetic Ronjgov, Natko Devcic, Münchner Rundfunkorchester, dir. Ivan Repusic, BR Klassik