Archives de catégorie : Exposition

Exposition

Schloss Karlsruhe

Kroninsignien und Jugendstil

Das Badische Landesmuseum stellt sein Jahresprogramm vor

Prof. Dr. Eckart Köhne, Direktor © Badisches Landesmuseum,
Foto: ARTIS – Uli Deck

Fürstlich wird sich das seit der Nachkriegszeit als modernes
Museum genutzte Karlsruher Schloss in seinem Erdgeschoss
präsentieren, sobald sich die wegen der Pandemie geschlossenen
Türen wieder für das Publikum öffnen. Die neu eingerichtete
Ausstellung „Schloss und Hof“ zeigt nach aufwendiger
Restaurierung Pracht und Eleganz früherer Zeiten. Ihr Herzstück ist
das Thron-Ensemble der badischen Großherzöge mit Hockern,
Säulen-Kandelabern und einem in über drei Metern Höhe
angebrachten Baldachin. Das durch Blattgold, Brokat und Seide
glänzende Ensemble stammt aus dem Jahr 1838, als Großherzog
Leopold den im Obergeschoss des östlichen Mittelbaus gelegenen
Thronsaal neu möblieren ließ. Zu den Kroninsignien gehört ein 
Zepter, das Juweliere 1811 aus einem um 1625 in Siebenbürgen
gefertigten Streitkolben umgestalteten, indem sie ihn vergoldeten,
mit Diamanten besetzten und seinen Knauf durch eine filigrane
Krone ersetzten. Eine Fürstengalerie zeigt 14 Bildnisse, beginnend
mit Stadtgründer Karl Wilhelm bis zum 1918 abgedankten
Großherzog Friedrich II. und ihren Gattinnen. Zudem vermittelt ein
großes Modell einen Eindruck von der Architektur des Schlosses
und der Geometrie der barocken Planstadt Karlsruhe. 

Alfons Mucha, „La Nature“, Paris, 1899/1900, Badisches Landesmuseum
© Badisches Landesmuseum, Foto: Schoenen

Die Zeit um 1900 und ihre Frauengestalten sind Thema der großen
Sonderausstellung „Göttinnen des Jugendstils“, die für Mitte
Dezember geplant ist. In Kooperation mit dem Allard Pierson
Museum Amsterdam und dem Braunschweigischen Landesmuseum
beleuchtet die Schau gleichermaßen Kunst- und Sozialgeschichte
mit Leihgaben internationaler Jugendstil-Sammlungen wie den
Königlichen Museen in Brüssel. Zu sehen sind Werke unter anderem
von Gustav Klimt, Franz von Stuck, René Lalique, Jan Toorop und
Aubrey Beardsley, aber auch die von Alfons Mucha für die Pariser
Weltausstellung 1900 geschaffene Büste „La Nature“ aus dem
Bestand des Museums in Karlsruher, wo sie allerdings länger nicht
mehr ausgestellt war. 

Jeweils bis zum 6. Juni verlängert werden die preisgekrönte
Familienausstellung „Räuber Hotzenplotz“ sowie die
Studioausstellung „Humanimal – Das Tier und Wir“. Zudem bringt
das Museum seine digitalen Formate weiter voran, unter anderem
ermöglicht das neue App-Format „Mein Objekt“ eine individuelle
Begegnung mit Sammlungsstücken, und durch den Einsatz
Künstlicher Intelligenz wird das digitale Tool iCurator entwickelt,
mit dem Nutzerinnen und Nutzer museale Inhalte selbst
zusammenstellen können. Das Keramikmuseum Staufen, eine
Zweigstelle des Badischen Landesmuseums, zeigt bis Ende
November „Die wilden 70er – Freiheit in Farbe und Form“ – damals
waren italienisches Design und experimentelle Glasurschöpfungen
in der Keramik besonders angesagt.

Von Anja Frisch

Exposition, Musique

Musée Unterlinden

Stabat Mater « divin poème de la douleur » selon Bellini

Karen Barbaux, soprano finaliste du Concours Voix Nouvelles et membre du Choeur

Le Musée Unterlinden accueillera un concert Le Stabat Mater
« divin poème de la douleur » selon Bellini du Chœur de Chambre
de Colmar-Alsace enregistré le 14 mars dans la Chapelle du Musée
et diffusé le 2 avril sur les réseaux sociaux. En ces temps de
fermeture des établissements culturels, ce concert au Musée,
permet à deux acteurs culturels d’imaginer une collaboration inédite
et fructueuse : le Musée Unterlinden, d’une part avec sa collection et
notamment son chef d’œuvre le Retable et le Chœur de Chambre de
Colmar, d’autre part, l’ensemble professionnel international parrainé
par Mireille Delunsch, l’une des artistes lyriques les plus
importantes de notre région. 

Être audacieux » Musique & peinture Pantxika de Paepe, directrice
du musée a sélectionné plusieurs œuvres représentatives issues des
collections du musée, en lien avec la thématique du Stabat Mater en
couvrant toutes les périodes stylistiques et allant, ouvertement,
jusqu’à l’art contemporain. En introduction au concert, la directrice
éclairera ainsi la thématique même du Stabat permettant au public
de mieux comprendre comment l’œuvre de Scarlatti s’intègre
pleinement dans un contexte socio-historico-artistique.

Cyril Pallaud, directeur musical du Choeur de Chambre de Colmar-Alsace

« Notre souhait pour la diffusion de ce concert était de s’entourer d’un
média régional de qualité, fortement implanté et spécialisé en musique
classique : Accent 4. Afin de correspondre parfaitement au lieu et au
format, le programme du concert annulé a été adapté – nous confie Lucie
Guati, administratrice de l’ensemble. La Crucifixion de Mathias
Grünewald et le jour du Vendredi saint sont des « figures obligées » qui
orientent nécessairement notre programmation vers des œuvres
musicales sacrées écrites sur ce sujet. Le choix d’un Stabat Mater, ce «
divin poème de la douleur » selon Bellini . qui n’est autre que le fil rouge de
la saison 2020/2021 du Chœur de Chambre de Colmar s’est imposé
comme une évidence. »

Exposition

résidences croisées franco-allemandes

AZ – ALLER & ZURÜCK

La 1ère édition du programme de résidences croisées
franco-allemandes AZ – ALLER & ZURÜCK est lancée !

Mené par les Instituts Goethe de Nancy et de Strasbourg et le
Bureau des arts plastiques de l’Institut français d’Allemagne (Berlin),
le programme de résidences ALLER & ZURÜCK fait suite au
programme Ouest-Ost (2017-2020) et est soutenu par l’OFAJ
(l’Office franco-allemand pour la Jeunesse), la DRAC Grand Est et le
Centre français de Berlin.

Le premier appel à candidatures est lancé, pour une résidence de
4 mois à Berlin de juillet à octobre 2021.

Il s’adresse à des artistes émergent·e·s à partir de 25 ans, vivant et
travaillant dans le Grand Est et dont la discipline entre dans le
champ des « arts visuels » : peinture, dessin, photographie, arts
graphiques, vidéo, sculpture, installation.

Toutes les informations sont en ligne : 
http://www.goethe.de/strasbourg/allerzurueck.

Les candidatures sont à transmettre d’ici le 31 mars (tout se déroule via un formulaire en ligne).

Exposition, Nouvelle

Museum Frieder Burda

Udo Kittelmann ist neuer künstlerischer Leiter des
Museums Frieder Burda

Udo Kittelmann
Foto: Andreas Pein, Guido Ohlenbostel.

Eineinhalb Jahre nach dem Tod des Museumsgründers und Mäzens
wird Udo Kittelmann (62) neuer künstlerischer Leiter des Museums
Frieder Burda. Der ehemalige Direktor der Berliner Nationalgalerie
„begleitet die Aktivitäten des Hauses ab sofort“ heißt es in einer
Pressemitteilung des Hauses. Nächstes Jahr wird er die
Ausstellungen „Margaret und Christine Wertheim: The Institute of
Figuríng“ “ (Januar bis Juni 2022)  und „Die Maler des Heiligen
Herzens“  (ab Sommer 2022) verantworten. Kittelmann   ist in
Baden-Baden kein Unbekannter. Der als umtriebig und
durchsetzungsstark bekannte Museumsmann ist langjähriges
Mitglied im Kuratorium der Stiftung Frieder Burda und seit Jahren
eng mit der Familie verbunden. Für Burda hat unter anderem die
Ausstellungen zu Andreas Gursky, „Die Bilder der Brüder“ und
zuletzt zu Pierre Soulages kuratiert. 

„Er wird uns mit starker kuratorischer Handschrift an das
Zeitgenössische anbinden – und auch den interdisziplinären Dialog
suchen“, schwärmt Museumsdirektor und Stiftungsvorstand  
Henning Schaper.  Kittelmann, der seinen (hinter den Kulissen nicht
ganz unerwünschten) vorzeitigen Abgang aus Berlin nie  
kommentiert hat, gibt sich gewohnt selbstbewusst: „Dieses Haus in
seinem spezifischen Kontext erscheint mir das ideale zu sein, um die
Perspektiven heutiger wie historischer Kunst –  ihre Grenzen, aber auch die Möglichkeiten der Grenzüberschreitung – weiterhin
auszuloten“ .

Von Sigrid Feeser

Foto:
SOULAGES. Malerei 1946 – 2019; Museum Frieder Burda, Baden-Baden
© VG Bild-Kunst, Bonn 2020;
Foto: ARTIS-Uli Deck

Exposition

Dorian Sari

Kunstmuseum Basel

Dorian Sari Photo : Jonas Hänggi

Depuis 1982, le Prix culturel Manor encourage un jeune artiste
(moins de 40 ans) travaillant en Suisse. Biennal, il bénéficie d’une
dotation de 80 000 francs suisse.
Dorian Sari, artiste né en 1989 à Izmir en Turquie et travaillant à
Bâle, est le lauréat 2021. Le Kunstmuseum Basel | Gegenwart 
accueille son exposition : Post-Truth dans deux salles et sur la rivière
traversant le musée. Une dizaine de travaux vidéo et sculptures où
l’artiste explore les aspects empiriques et artistiques de cette post-
vérité où les émotions et les convictions personnelles ont plus 
d’importance que les faits.
Une visite commentée par Dorian Sari est accessible sur la chaîne
YouTube du musée. Attention : la conférence de presse commence
effectivement à 32’ et la visite commentée (en anglais) à 48’.

Hebdoscope

Kunstmuseum Basel | Gegenwart du 13.02 au 24.05.2021
Commissaires : Philipp Selzer, Sarah Wiesendanger
Le musée restera fermé jusqu’au 28 février 2021 en raison des
mesures COVID du Conseil fédéral.

Exposition

Construire la déconstruction…

[plus ou moins deux virgule deux
degrés de fantaisie orthogonale]

C’est sous ce titre, que l’artiste alsacien Pierre Muckensturm, dernier
invité de l’année 2020, présentera à l’Espace d’Art Contemporain André
Malraux à Colmar ses derniers travaux inspirés de l’Entasis, cette
imperceptible courbure de 2,2° qu’appliquaient les architectes Grecs aux
colonnes de leurs temples pour donner à l’œil l’illusion d’une parfaite
rectitude qu’ils n’avaient pas.

L’art concret n’est pas un dogme, pas un « isme », il est l’expression
d’une pensée intellectuelle. 

L’art concret n’est pas une abstraction, n’est pas narratif, littéraire. Il
est proche de la musique.

L’art concret veut mobiliser notre sens esthétique, notre créativité,
notre conscience sociale.

Extraits du Manifeste de l’art concret (avril 1930)

S’il parle plus volontiers d’art construit, Pierre Muckensturm
s’inscrit dans cette filiation-là. En effet il conçoit beaucoup de ses
œuvres par ordinateur, y teste des séries ouvrant sa création à une
autre spontanéité, celle d’une tentative d’exhaustivité avec des
propositions plurielles (allant quelquefois jusqu’à livrer une matrice
d’accrochage à ses collectionneurs). L’atelier devient un lieu
d’exécution de ses projets, mais le soin, la précision, la pédagogie
demeurent : il laisse sur la toile les indices du tracé, de l’élaboration.
Discrètement l’artiste déconstruit la rigueur par débauche de
rigueur, démasque le simulacre du jeu mathématique qui ne l’est pas
autant que cela. Une transgression de la norme rationnelle qui
égratigne au passage notre société du paraître brandissant une
science dont les réussites masquent les nombreuses lacunes et
incertitudes…

Si le rez-de-chaussée du white cube décline sur de grands formats
une chorégraphie d’équerres avecentas – sa figure de base –, la
coursive déploie avec des pièces plus sérielles et sophistiquées
l’affrontement d’aplats noirs avec leurs interstices blancs. Ces
travaux génèrent d’hypnotiques illusions d’optique suscitant parfois
un troublant malaise : des taches sombres apparaissent en mirages
aux croisements des lignes blanches séparant ces faux carrés
délicatement désalignés. Comme en musique, les figures imaginées
par l’artiste induisent des harmoniques non transcrites sur la
partition.

Un portfolio de douze estampes

© Luc Maechel

On en retrouve certaines en petit format dans le portfolio créé à
l’occasion de cette exposition : un coffret de douze estampes (25 x
25 cm) imprimées chez „En l‘Encre Nous Croyons“ à Gérardmer sur un
vélin BFK Arches par une Original Heildelberg, une presse
typographique à platine de 1965 qui permet de préserver un léger
foulage : l’empreinte laissée par la pression de la matrice (un
„tampon“ en polymère) sur le papier. Une proposition élaborée avec
l’imprimeur Christin Georgel. Formé à l‘École supérieure d‘art
d‘Épinal (ÉSAÉ), celui-ci a dirigé pendant plus de trois ans l‘atelier de
production de l‘Imagerie d’Épinal et enseigne désormais à la Hear à
Strasbourg.

Un lien entre art et art appliqué qui permet à un savoir-faire de
rester vivace et créatif.

Par Luc Maechel

Espace d’Art Contemporain André Malraux
4 rue Rapp 
F. 68000 COLMAR

Tél. : 0033(0)3 89 24 28 73 

Entrée gratuite
Reportée en raison du confinement, elle ouvrira 
du ?/?? au 7/03/2021 ?

Le portfolio est en vente à la boutique du Musée Unterlinden

http://racinesnomades.net/ephemerides/ephemeride-2020/#Muckensturm


Exposition

Soulages, Peintures 1946 – 2019

Soulages, Peinture huile sur toile 1970,
Collection privée. Photo Valérie Cardi

Neige Noire

Dès 1948 et l’exposition « Französische abstrakte Malerei » qui
tournera pendant un an, l’Allemagne saura mettre en avant
l’originalité et le talent du peintre, même pas trentenaire, né à
Rodez. Le Dr Dominick, initiateur de l’évènement, choisira même
une de ses toiles pour l’affiche. Suivront des invitations aux trois
premières éditions de la documenta à Kassel et c’est à Hanovre qu’a
lieu sa première rétrospective dès 1960.
Celle du Museum Frieder Burda qui rassemble une soixantaine
d’œuvres fait suite à celle organisée l’an passé au Louvre à l’occasion
du centenaire de l’artiste.

Brou de noix, ce presque noir, organique et naturel

Le corps de l’artiste – une énergie que prolonge le bras, la main, le
pinceau, l’outil – et cette couleur sombre et végétale s’approprie le
support – toile, papier, panneau de bois. Par le geste se cristallise un
intense surgissement. Une concentration qui confine au tellurique.
Essentiel : Soulages n’aime guère le mot abstrait – abstraire c’est enlever… Lui ajoute, construit, fabrique.

Outrenoir

La série Outrenoir (qui suggère cet autre bout du monde, mais aussi
son autre versant) va aller au bout de ce noir (cette non-couleur), va
chercher cet au-delà. Soulages réduit cette distance démesurée et
ramène sous les yeux du visiteur la quintessence du noir. Car s’il a
peu à peu réduit sa palette, il a densifié la matière : une épaisseur
exigeante, délicate et obstinée, tendue de stries verticales,
horizontales, obliques, rompues quelquefois, selon les toiles. Un noir
qui désormais couvre tout le support, se suffit à lui-même et capte la
lumière (même celle discrète de cet octobre pluvieux) transmuant ce
noir en une luxuriante palette. Moirures, irisations, arêtes
éclatantes, vif argent par endroits. C’est encore plus saisissant sur
ces grands panneaux suspendus : des « murs de lumière » irréels
comme une galaxie dont les visiteurs seraient les satellites. 
Outrenoir, entamée en 1979 – des grands formats dont trois
peintures verticales de quatre mètres de haut exposées l’an passé au
Louvre (ses derniers tableaux datés de 2019) –, accueille le visiteur
dans la grande salle du rez-de-chaussée.

Le voyage remonte le temps (et les étages)

Soulages, peinture, 31 mai 1961
Photo Cardi Valérie

Les toiles des années soixante et soixante-dix se permettent encore
d’autres couleurs, creusent le rouille, le rouge, le bleu, des couleurs
dont l’affleurement est d’autant plus cinglant qu’elles sont
colonisées par le noir. Et puis ces blancs, ces lacunes concédées au
papier, au tissu, au bois brut qu’enlumine, non pas des dorures
imagées, mais ce noir toujours qui capte la lumière et désavoue le
noir qui n’est jamais obscurité, mais vibration polychrome. Il y a une
ivresse du geste et cette omniprésence de la matière noire avec ce
jeu sur le support : la coulure, la craquelure – ce jeu sur le temps qui
passe et magnifie, le pari de la chimie qui transmue la liquide
peinture en solide pigment telle cette matière croûteuse des
libations versées sur les idoles africaines. Le jeu de la légèreté et de
la masse, la spatule qui lisse ou racle, la brosse qui zèbre ou le
couteau qui affouille. La tache, l’aplat, la traîne, le large, le généreux,
le délicat, le fibreux, le ferme et le trouble. Et la vibration de tout ça
qui projette dans l‘œil le blanc, le bois, la respiration du support.
Avec la signature discrète au bas de la toile vivante.

C’est une remontée vers les origines, pas seulement vers les
premières années du peintre, mais aussi celui de la matière. L’huile
des Outrenoir brillante, épaisse, dense confrontée à ce lavis végétal
(cette brou de noix entre 1946 et 1954) appliqué en légèreté
laissant apparaître par transparence le grain du support. Ou d’autres
pistes : le goudron sur du verre… Et ce changement d’échelle comme
si le noir était à l’étroit dans les petits formats du début, souvent du
papier, et exigeait ces formats gigantesques, presque en lévitation.
Remarquable constance de l’artiste qui, du noir au noir, sait se
renouveler, inventer en creusant opiniâtrement le même sillon.

Retour à l’enfance aussi. Alfred Pacquement, ami du peintre et
commissaire aux côtés d’Udo Kittelmann, raconte cette belle
anecdote. Enfant, Soulages traçait de grandes lignes noires – déjà ! –
sur une feuille blanche et avec une telle concentration qu’un adulte
lui a demandé ce qu’il peignait ainsi. Il a levé les yeux et a dit : je peins
la neige.

Baden-Baden, Museum Frieder Burda du
17 octobre 2020 au 28 février 2021

Par Luc Maechel http://racinesnomades.net/ephemerides/ephemeride-2021/#Soulages

Exposition, Galerie Valérie Cardi

Bernard Latuner à Freiburg

Galerie

« Notre société hédoniste verra
se multiplier des activités de loisirs
engendrant, entre autres, de la part
des pays émergents, un flux
touristique grandissant, à travers le
monde.

Les derniers grands espaces
deviendront des boulevards
ludiques et balisés.

Une passions de l’Homme étant de
collectionner et de conserver les
objets et les sites, témoins de sa grandeur, mais aussi de sa
mégalomanie, le dernier et le plus grand des musées sera celui de la «
Nature » dont les prémices sont d’ores et déjà réunis dans notre
langage et dans les faits : « préservation de la biodiversité », « sites
identifiés », « protection maximale des sites », « centre d’initiation à
la nature », « réserves naturelles », « parc nationaux », etc.

L’homme pourra enfin se comporter vis-à-vis de la Nature, non plus
comme un marcheur parcourant un espace, dont jusqu’à présent il
n’était que l’hôte, mais comme un propriétaire gérant son
environnement à sa guise.

De cette tragédie est née l’idée du « Musée de la Nature » qui se
concrétisera par un bâtiment en forme de papallélépipède, où, à
travers une série de volumes comprenant en leur intérieur un extrait
d’espèces naturelles, faune ou flore « muséifiée », qui se reflétera à
l’infini grâce à un jeu de miroirs, réveillant en nous le souvenir des
grands espaces disparus, inscrits dans notre mémoire.

Homme lyrique et romantique aux fleurs, aux prairies et à l’espace
naturel dont la disparition est programmée, ce projet donnera la
vraie dimension de l’Homme c’est-à-dire, petit, petit et encore
petit ».

Bernard Latuner

https://youtu.be/hRB5xwOYmNQ

Exposition, Lecture, Voyage

Le doge était flamand

Pierre-Paul Rubens,
St François d’Assise recevant les stigmates,
Musée des Beaux-arts de Gand

Le Palazzo Ducale présentait
une magnifique exposition
consacrée aux maîtres
flamands

Aux 16e et 17e siècles, les
ports de Venise et d’Anvers
constituaient des plaques
tournantes du commerce
européen. Et les nombreux
échanges économiques se
doublèrent, comme à chaque
fois, d’échanges culturels.
S’appuyant sur un certain
nombre de collections
notamment celles de la Maison
Rubens à Anvers et du musée des Beaux-arts de Gand, le Palais
des Doges de Venise montra combien, à travers ces chefs
d’œuvres, les influences artistiques de la peinture italienne de ces
deux siècles notamment celle de Venise marquèrent
profondément l’art baroque flamand.

Ainsi, bien plus qu’un alignement de chefs d’œuvres et ils sont
nombreux – certains comme le Portrait de Johannes Malderus de
Van Dyck furent ainsi dévoilés pour la première fois – l’exposition
s’attacha surtout à explorer cette interaction. Outre l’utilisation
de sujets antiques et religieux ou la codification et le
développement de thématiques picturales comme celle de la
flagellation du Christ, les toiles, dessins et gravures présentés
dessinèrent ici une seule et même peinture baroque européenne.
Malgré l’existence de traditions picturales propres à chaque
région, ces dernières furent en permanence alimentées par les
expériences artistiques de ces peintres venus dans la péninsule
s’abreuver du Titien, de Véronèse, du Caravage ou du Tintoret.
Nombreux furent ainsi les peintres flamands à parfaire leurs
formations en Italie ou à mettre leurs talents au service de tel
prince ou de tel monarque. Ainsi Maerten de Vos et Frank
Pourbus séjournèrent à de nombreuses reprises en Italie. Van
Dyck y passa six années où il s’imprégna des étoffes de Véronèse
et se couvrit d’une gloire qu’il mit ensuite au service de Charles Ier
d’Angleterre.

L’exemple le plus emblématique de cette perméabilité des arts
italien et flamand fut indiscutablement celui de Pierre-Paul
Rubens qui trôna, avec ses douze œuvres, en majesté dans cette
exposition. Son incroyable Etude pour le buste de l’empereur Galba
rappelle celle de la figure pour la bataille d’Anghiar du grand Vinci
et ses ocres du Saint François d’Assise recevant les stigmates du
musée des Beaux-arts de Gand – l’une des pièces maîtresses de
l’exposition – ont été puisés sans aucun doute dans ceux du Titien.
Sa flagellation tire quant à elle son inspiration de celle dessinée
par Michel-Ange et peinte par Del Piombo dans la basilique Saint
Pierre et qu’il contempla à n’en point douter. Mais à la différence
de nombreux peintres flamands dont l’influence italienne saute
immédiatement aux yeux comme par exemple le caravagisme
d’Adam de Coster, Rubens, quant à lui, ne se laisse décrypter que
difficilement. Son art ressemble à une lente sédimentation faîte
d’influences, de modèles, de postures, de styles, de coloris
lentement absorbés, digérés constituant ainsi, pour reprendre le
terme de sa biographe française, Marie-Anne Lescourret (Rubens,
Flammarion, 2004), un véritable « syncrétisme » pictural.

Tout cela nous ferait presque oublier les peintres italiens de
l’exposition qui ne furent pas là pour servir de faire-valoir à leurs
homologues flamands, en particulier Titien que Rubens et Van
Dyck admirèrent, notamment le Portrait d’une Dame et sa fille,
vendu en 2005 à Londres et enfin restauré. Et les moins connus ne
furent certainement pas les moins beaux comme cette magnifique
Marie-Madeleine en méditation attribuée à Massimo Stanzione que
l’on surnomma à juste titre le Guido Reni napolitain. On ressort
ainsi ébloui de tant de beautés dans ce jeu de cache-cache et de
lumière fascinant. Mais que les visiteurs se rassurent, ils n’en ont
pas fini avec les mystères du Palazzo Ducale puisque le doge les
conviera très bientôt à un autre bal masqué, musical pour
l’occasion. Tout un programme donc …

Par Laurent Pfaadt

Exposition à retrouver également dans son merveilleux catalogue :

From Titian to Rubens, Masterpieces from Antwerp and other Flemish Collections (anglais), Snoeck, 240 p.

Prochaine exposition au Palazzo Ducale :

OPERA, The stars of melodrama,
du 9 avril au 30 août 2020,
Palazzo Ducale – Appartamento del Doge