La nouvelle exposition des Bassins de lumière magnifie la
Sérénissime

Si vous ne ressortez pas de cette exposition sans avoir une folle
envie d’aller à Venise, alors on ne peut rien pour vous. Car
l’expérience que propose les Bassins de lumières est proprement
stupéfiante. Après Gustav Klimt, le nouveau voyage proposé par le
centre d’art numérique de Bordeaux conduit son visiteur dans la
magie de Venise. Imaginé par l’artiste numérique Gianfranco
Iannuzzi, déjà auteur du Klimt, le visiteur entre dans un véritable
rêve éveillé, à la fois visuel et musical. « Capturer l’esprit du lieu et le
faire vivre, le sublimer par l’image et non l’inverse », tel est son credo.

Celui qu’il met au service de la Sérénissime est à la fois sacré et
profane. Sous nos yeux se succèdent l’histoire de celle qui fut, au
temps de sa splendeur, l’une des grandes puissances maritimes de l’Europe et du monde. Dans cette ancienne base sous-marine où les
couloirs des U-Boot prennent l’aspect de canaux dans lesquels se
reflète l’histoire de Venise, débute ainsi un voyage dans le temps à
travers plusieurs siècles de gloire. Et d’abord à Lépante dans le
magnifique tableau d’Andrea Vicentino où les armées du doge et du
pape remportèrent une victoire décisive face à l’empire Ottoman.
Sur les murs de la magnifique basilique Saint Marc, au style byzantin
éclatant, se révèlent saints de mosaïque et Pala d’oro, ce grand
retable d’émaux aux reflets dorés. Comme un soleil entrant dans un
cloître au crépuscule et au son du Spiritus Sanctus Vivificans
d’Hildegard de Bingen, se dévoilent alors, dans un effet de
mouvement prodigieux, les merveilles d’une ville à la beauté
demeurée intemporelle et devenue ici, surnaturelle, comme
enveloppée dans la main de Dieu.

Les grands peintres vénitiens – Véronèse et ses inoubliables Noces
de Cana, Le Tintoret, Canaletto qui magnifia le Grand Canal,
Carpaccio et Titien avec ses femmes diaphanes – drapent le béton
armé et rivalisent avec les grandes stars de la Mostra tandis que les
passerelles se parent des marbres des palais. Chaque visiteur a ainsi
le sentiment d’être le doge lui-même longeant la colonnade en
dentelles de brique de son palais pour se rendre dans sa loge de la
Fenice. De ce décor émane alors les premières notes d’une musique,
celle des accords baroques et romantiques des Vivaldi, Verdi,
Albinoni et Paganini, qui fait ondoyer l’eau sous nos pieds et anime
des personnages en costumes. La Traviata composée pour la Fenice
en 1853 retentit. On entrevoit des larmes sur les visages des Piéta.
Dans un formidable fondu de noir et de blanc, le carnaval prend vie
et happe le visiteur dans un tourbillon d’émotions. Pendant près de
quarante-cinq minutes, un ancien bunker a ainsi revêtu un
gigantesque et magnifique masque de lumière, à la fois vivant et
mystérieux, sous l’œil impassible du lion de la Sérénissime. L’illusion
est parfaite. En sortant, il nous a semblé voir des gondoles sur la Garonne.

Par Laurent Pfaadt

Venise, la Sérénissime, création de Gianfranco Iannuzzi, Production Culturespaces Digital, Bassins des Lumières, Base sous-marine,
Bordeaux, jusqu’au 2 janvier 2023

La Maison du Danemark invite à découvrir l’art des îles Féroé

C’est un tout petit archipel – à peine plus de 50 000 habitants – et
pourtant d’une vitalité artistique exceptionnelle comme en
témoigne cette exposition présentée au Bicolore, la plateforme d’art
contemporain de la Maison du Danemark. Empruntant le titre de
l’exposition au poète danois Thomas Kingo (1634-1703), elle met en
lumière quatre artistes sélectionnés par la commissaire de
l’exposition, Kinna Poulsen : Ingalvu av Reyn, sorte de père
fondateur de l’art féroïen et héraut d’un naturalisme artistique,
Hansina Iversen, présente à l’occasion d’un Artist Talk, Zacharias
Heinesen, artiste majeur des Féroé qui résida par deux fois à la cité
des arts de Paris et Rannva Kunoy. Immédiatement, les influences
sautent aux yeux : Cézanne dans Reyn, abstraction américaine chez
Iversen dont les couleurs et en particulier ce rose qui enveloppe
cette nouvelle série de toiles rappelle un Willem de Kooning qu’elle
vit à New York et Nicolas de Staël chez Heinesen. Pour beaucoup
d’artistes féroïens, la France et Paris tout particulièrement
constituèrent des sources d’inspiration majeures. Autant dire que
cette exposition constitue une sorte de retour aux sources.

L’art féroïen n’ayant qu’une petite centaine d’années, Kinna Poulsen
a décidé de mettre l’accent sur sa florissante création
contemporaine. Si la nature constitue toujours un vecteur créatif
important, les toiles présentées se signalent par leur lumière
jaillissante, avec des couleurs saturées chez Iversen ou un jeu
tridimensionnel absolument fascinant, particulièrement marqué
chez Kunnoy notamment dans cette incroyable Study qui dispense
un jaune magnétique. Hansina Iversen qui s’est formée en Islande et
en Finlande est ainsi revenue sur sa conception de l’art, sur son
travail consistant à « construire un monde dans le monde, un espace
dans l’espace » dans lequel, elle travaille une peinture à l’huile qui
permet plus de transparence tout en libérant ses mouvements qui
dessinent de merveilleux aplats. Mais elle confesse également que
l’environnement impacte également son art, d’où son retour dans
ses Féroé natales afin de permettre « l’accomplissement de mon
langage artistique, de mon identité pour être moi-même ».

Une commissaire d’exposition, une artiste peintre perdue dans un
monde d’hommes, une traductrice et une journaliste danoise. Un
directeur du Bicolore qui salue le public d’un « Bonjour Madame,
Monsieur et Troisième genre ». Une fois de plus, le Danemark a été
plus qu’un éclat de soleil mais bel et bien un phare. Et dehors, une
lumière comme venue du Nord baignait la plus belle avenue du
monde. Comme pour illuminer cette belle découverte picturale à ne
pas rater.

Par Laurent Pfaadt

Un éclat de soleil, Art des îles Féroé, Le Bicolore,
Maison du Danemark, 142 avenue des Champs-Elysées
75008 Paris
Jusqu’au 13 mars 2022

Une formidable exposition explore l’influence du peintre russe Chaïm Soutine sur Willem de Kooning

On ne va pas bouder notre plaisir, loin de là. Mais retrouver en
Europe quelques œuvres de l’un des maîtres américains de
l’expressionisme abstrait, Willem de Kooning, vaut assurément le
détour. Surtout pour comprendre ses influences en partie
européennes. Si onze ans séparent Chaïm Soutine de Willem de
Kooning, les deux hommes ne sont jamais rencontrés, physiquement
en tout cas. Artistiquement, il fallut l’intervention d’un mécène,
Albert Barnes, pour que l’art de l’un des plus grands peintres de la
deuxième partie du 20^e siècle soit irrémédiablement transformé.

D’ailleurs, la fondation Barnes de Philadelphie qui co-organise cette
exposition et l’accueillit entre mars et août 2021, a prêté une grande
partie des chefs-d’œuvre du peintre russe. C’est en 1923 qu’Albert figuration et abstraction que l’on mesure aisément dans l’Homme au
manteau vert (1925) du Metropolitan Museum par exemple allait
marquer, après la seconde guerre mondiale, la naissance de
l’american painting.

Willem de Kooning ne subit pas immédiatement l’influence de
Soutine mais plutôt celles d’Ingres et de Picasso. Ses œuvres des
années 40 présentes dans l’exposition comme la Queen of hearts de
Washington ou les premières Woman témoignent encore de la
mainmise intellectuelle du génie espagnol. De Kooning dut attendre
la grande rétrospective Soutine au MOMA en 1950 qu’il vit
certainement mais surtout sa visite à la fondation Barnes en 1952,
au lendemain de la mort du collectionneur d’art, pour ressentir un véritable électrochoc devant Soutine. L’artiste américain fut
littéralement subjugué par son travail sur la chair. Quelques années
auparavant, lors d’une conférence, Willem de Kooning ne disait pas
autre chose : « La chair est la raison pour laquelle la peinture à l’huile a
été inventée ». Le pouvoir expressif de l’imaginaire de Soutine, sa
dimension primitive portée à son paroxysme dans des chefs
d’œuvres tels que Le Bœuf écorché du musée de Grenoble ou Le Bœuf
et tête de veau (musée de l’Orangerie, vers 1925) pénétrèrent l’art de
Willem de Kooning pour ne plus jamais en ressortir. Soutine
déclencha ainsi chez le peintre américain une tempête picturale qui
généra quelques chefs-d’œuvre majeurs de l’expressionisme abstrait
tels que la Woman II (1952) du Museum of Modern Art qui hypnotise
littéralement le visiteur avec ce visage si expressif et ces grands
yeux bleutés, ou cette extraordinaire Marilyn Monroe (1954)
absolument prodigieuse.

Certes l’art de Willem de Kooning poursuivit sa propre évolution
mais l’influence de Soutine ne disparut jamais. Malgré un pinceau
plus vif, plus tranché, les paysages peints par Soutine en 1920-1921
(Paysage à Céret ou La Route montante venue de la fondation Barnes)
continuèrent à se glisser dans les œuvres tardives du peintre
américain comme des séquelles inconscientes et indélébiles
matérialisées dans ces roses vifs qui semblent mettre la chair à nu
dans Amityville (1971) ou ces bleus marqués dans Whose Name Was
Writ in Water (1975) du Guggenheim Museum.

L’inscription de la femme dans le paysage avec l’inédite Woman in a
garden de 1971 venue d’une collection particulière, se lit ainsi en
miroir avec la Femme entrant dans l’eau (1931). Ces deux œuvres
rattachent Soutine et de Kooning à Rembrandt. Façon de dire que la
peinture, comme l’histoire, existe par elle-même et choisit peut-être
les peintres dans lesquels elle souhaite s’incarner.

Par Laurent Pfaadt

Chaïm Soutine / Willem de Kooning. La peinture incarnée,
Musée de l’Orangerie, Paris,
jusqu’au 10 janvier 2022.

A lire le catalogue Chaïm Soutine / Willem de Kooning. La peinture incarnée, Coédition Musées d’Orsay et de l’Orangerie / Hazan,
232 p.

Dans la cadre de « la sculpture 18^e », deux expositions mettent en lumière l’incroyable rayonnement de la sculpture lorraine

Stanislas est de retour. Chez lui. Dans ce château de Lunéville, ce
« Versailles lorrain » qu’il a transcendé. Voilà ce que le visiteur
ressent en contemplant la magnifique statuette en biscuit de
porcelaine à l’effigie de l’ancien roi de Pologne tirée de la
manufacture Cyfflé. Mais dès avant l’arrivée de Stanislas
Leszczynski, les ducs de Lorraine ont très vite compris que la
sculpture constituait un outil de propagande et de prestige qu’ils
s’évertuèrent à décliner sur les murs, dans les jardins et les
appartements. En témoigne ainsi ce très beau buste en terre cuite
du duc Léopold par Jacob Sigisbert Adam. Chez Léopold « l’image de
la jeunesse du souverain vêtu de la cuirasse du chef de guerre sert l’idée
d’un pouvoir conquérant » écrit Thierry Franz, responsable du musée
du château de Lunéville et commissaire de l’exposition dans le très
beau catalogue qui accompagne cette dernière. A la cour, les ducs
convièrent un certain nombre d’artistes pour donner corps à cette
ambition. Ils se nommèrent François Dumont et Germain Boffrand
et laissèrent quelques traces indélébiles comme ce formidable Titan
foudroyé du musée du Louvre.

Le duc Stanislas amena la rocaille, ce goût du mouvement magnifié
par le duo Barthélémy Guibal- François Héré à nouveau réuni pour
l’occasion. Ici, dans les jardins avec cette magnifique statue d’Apollon
ou ces fontaines de métal, làdans les appartements comme en
témoigne le magnifique miroir de la duchesse Elisabeth-Charlotte
d’Orléans, la sculpture servit les fastes du quotidien et installèrent
les sculpteurs lorrains au firmament de la statuaire française.

Parmi eux, Jacob Sigisbert Adam, patriarche d’une dynastie qui allait
rayonner sur l’Europe. Ses descendants, réunis dans la magnifique
exposition du musée des Beaux-Arts de Nancy organisée en
partenariat avec le musée du Louvre avec plus de cent sculptures,
invite le visiteur à un voyage à travers l’Europe des Lumières, de
Versailles à Potsdam en passant par Berlin et Rome.

C’est véritablement le fils de Jacob Sigisbert, Lambert Sigisbert qui
allait inscrire les Adam au panthéon de la sculpture française en
participant notamment au concours de la fontaine de Trevi organisé
par le pape Clément XII en 1730 et en réalisant un bas-relief dans la
chapelle du souverain pontife dans l’église Saint-Jean-de-Latran à
Rome. L’art de Lambert Sigisbert, profondément imprégné du
Bernin, transcende littéralement le marbre. Ses visages sont
marqués par de petites lèvres, de grands yeux et par ces muscles
tendus comme chez son Neptune calmant la tempête, l’une des plus
belles pièces de l’exposition. On reste fasciné par tant de génie,
s’attendant à tout instant à voir le dieu de la mer détourner son
regard vers nous. Son fétichisme pour les chevelures – qui restera une des marques de fabrique de la famille – ou ces drapés gonflés
par le vent dénotent une technicité assez remarquable. Comme à
Lunéville, des pièces exceptionnelles, issues de collections
prestigieuses ou jamais montrées, notamment L’Agonie du Christ au
jardin des Oliviers ou La Nativité du carmel Sainte-Thérèse de Créteil
viennent ravir les yeux du visiteur.

Les successeurs de Lambert Sigisbert sauront faire fructifier cet
héritage. Ses deux frères, Nicolas Sébastien Adam qui réalisa le
monument funéraire du duc Stanislas aujourd’hui visible dans
l’église Notre-Dame-de-Bonsecours, et dont l’exposition présente le
très beau Prométhée déchiré par un aigle ainsi que François Gaspard,
premier sculpteur à la cour de Frédéric II de Prusse, qui participa
notamment au chantier du bassin de Neptune de Versailles et
compléta les sculptures offertes par Louis XV au roi de Prusse pour
son château de Sans-souci demeurèrent fidèles à la tradition
sculpturale familiale avec leurs beaux drapés soufflés. La dernière
réalisation de François Gaspard, la très belle Minerve de 1760,
atteste ainsi de son incroyable talent.

Claude-Michel dit Clodion, peut-être le plus connu des Adam, resta les compositions mythologiques. Formé auprès de Jean-Baptiste
Pigalle, celui qui comptait quelques grands personnages de la cour
parmi ses protecteurs et auteur de la fameuse statue de
Montesquieu, laisse dans cette exposition quelques témoignages
remarquables dont le très beau relief en marbre de La Marchande
d’Amours ou Le fleuve Scamandre desséché par les feux de Vulcain qui le
rattache indubitablement à ses ancêtres.

« Vous vivrez toujours et votre ouvrage sera immortel » avait dit le roi
Fréderic du Danemark à Nicolas Sébastien Adam. Avec ces
remarquables expositions, il faut en convenir : le souverain danois
avait raison.

Par Laurent Pfaadt

La sculpture en son château. Variations sur un art majeur,
Château de Lunéville
jusqu’au 9 janvier 2022

Les Adam, la sculpture en héritage, Musée des Beaux-Arts
de Nancy
jusqu’en 9 janvier 2022