Première grande
rétrospective
française du célèbre
photographe de
mode

A l’occasion du
centenaire de sa
naissance, le Grand
Palais a décidé de
célébrer le grand
photographe de
Vogue. Organisé
conjointement avec
le Metropolitan
Museum of Art de New York et la Fondation Irving Penn, Paris
rend ainsi l’hommage mérité à ce photographe majeur du 20^e
siècle qui contribua, comme tant d’autres, à faire de Paris, la
capitale mondiale des arts.

Et la période d’Irving Penn à Paris n’échappe pas au cliché de
l’artiste travaillant dans un atelier miteux, sans eau ni électricité.
L’histoire aurait pu d’ailleurs tenir lieu de scénario d’un film d’un
Woody Allen qu’il photographia au demeurant. Et pour cause, au
lendemain d’une guerre qu’il couvrit en Italie et en Inde (et dont
l’exposition se fait l’écho) après avoir intégré en 1943 grâce à
Alexander Liberman, le magazine Vogue, Irving Penn s’installe à
Paris, rue de Vaugirard. Là, il tombe immédiatement amoureux de
cette lumière nacrée qui se dégage du lieu. Après New York où ses
portraits firent de lui, un photographe incontournable, Penn
poursuivit à Paris sa révolution photographique en compagnie de
celle qui devint sa muse, Lisa Fonssagrives, comme en témoigne
l’extraordinaire Spanish Hat by Tatiana du Plessix (Dovima) mais
également en magnifiant des anonymes devenus les symboles
d’un art de vivre parisien. Ainsi, les papes de la haute couture
(Versace, Miyake, St Laurent), les grands artistes (Le Corbusier,
Dali, Duchamp), écrivains (Auden, Wolfe, Mc Cullers, Capote dont
il immortalisa le visage en 1965), les grandes stars du cinéma
(Arthur Penn, son frère, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock)
forment ainsi dans cette exposition une galerie de portraits
convoqués pour cet hommage grandiose.

Car, on pourra nous dire ce que l’on veut, Irving Penn n’est jamais
aussi génial que lorsqu’il met le noir et le blanc au service de son
art. La couleur amoindrit son génie, c’est évident. Elle le rend
commun. Avec le noir et le blanc et ses décors minimalistes
(simple tapis, fond uniforme ou angle de mur) ou son cadrage
serré comme dans ce portrait de Picasso où le peintre apparaît
comme un démiurge, Irving Penn transcende son modèle et d’une
certaine, le met à nu psychologiquement. L’exposition entre
d’ailleurs astucieusement dans la fabrication de ses portraits.
Penn recevait simplement ses modèles. Il les mettait à l’aise,
discutant avec eux autour d’un café afin qu’ils se libèrent. Cela
donna une Marlène Dietrich angoissée, un Jean Cocteau dont la
pose marmoréenne se fissure dans le regard ou un Francis Bacon
sur le point d’être submergé par la folie. Car à y regarder de plus
près, il y a assurément du Picasso dans les photos de Penn quand
on songe à ce même Jean Cocteau dont la pose rappelle une figure
de proue de navire ou ce Peter Ustinov à l’attitude étrangement
cubiste.

Et lorsque Vogue l’enverra à quatre coins du monde, du Dahomey
à la Nouvelle-Guinée en passant par le Maroc ou Cuzco, avec son
studio portatif, la magie opéra de la meme manière sur les cultures
et leurs représentants. Même s’il est vrai qu’on a parfois
l’impression de se trouver devant des photos coloniales, il
n’empêche que face à cette Woman with three leaves (1971) prise
au Maroc et dont le visage est entièrement caché par un grand
voile noir, on ne peut s’empêcher de penser au manteau de l’ange
bleu. Des anonymes du monde entier aux plus grandes stars, l’art
d’Irving Penn va au-delà du simple cliché et pénètre comme le
redoutait certaines civilisations l’âme du modèle, d’une culture.
Pour la rendre encore plus majestueuse.

Irving Penn, Grand Palais jusqu’au 29 janvier 2018

Laurent Pfaadt

A découvrir le fantastique catalogue de l’exposition :
Irving Penn : le centenaire, RMn-Grand Palais,
372 p, 367 ill, 2017

Le musée de l’Albertina rendait
un hommage appuyé à Egon
Schiele

Il est de ces artistes dont la vie fut
certes brève mais dont l’œuvre
est appelée à demeurer
intemporelle. Leur jeunesse
construisit un mythe et leurs
œuvres transcendèrent les
époques, les modes et défièrent
une morale souvent subjective.
Ainsi en fut-il d’Egon Schiele qui
peut, à juste titre, être considéré
comme l’un des plus grands
dessinateurs du 20^e siècle mais
également l’un de plus subversifs.

En attendant le centenaire de sa mort en 2018 et mettant à profit
son incroyable fond, le grand musée viennois de l’Albertina,
consacre ainsi une grande exposition à l’œuvre sur papier du
peintre en réunissant près de 160 dessins sur les quelques 3000
dessins, aquarelles et gouaches que Schiele a laissé.

Puisant dans une existence tumultueuse qui lui fit connaître le
deuil paternel, l’hôpital psychiatrique ou la prison, Egon Schiele
élabora très vite, dès ses premières années d’activité, un art
unique qui dissèque la condition humaine en mettant les corps et
les âmes à nue. Dans cette Vienne du début du 20e siècle, Schiele
partage avec Freud cette même conviction que toute nature
humaine est d’abord sexuelle. Et il allait porter cette réflexion
picturale à un niveau rarement atteint. Nu à la chevelure noire
(1910) en est l’exemple parfait. Avec sa puissance érotique, le
dessin est construit sous la forme d’un miroir entre le visage de la
jeune femme et son sexe. Mais au-delà du simple dessin, il agit
également sur l’inconscient de celui qui le regarde : ai-je le droit
de contempler cette femme sortie de l’adolescence ? Dans le
même temps, la jeune femme semble consciente de son pouvoir
de séduction. Nabokov n’aurait pu en dire mieux.

Tout l’art de Schiele est ainsi résumé dans ce dessin. Convoquer le
spectateur et le mettre devant ses responsabilités conscientes ou
inconscientes. Plus encore, lui renvoyer sa complicité dans la
situation qu’il contemple. Ainsi, lorsqu’il peint les enfants de la
classe ouvrière, il n’omet pas la crasse qui macule leurs visages, ni
l’usure de leurs vêtements.

Pour parvenir à cette puissance expressionniste, Egon Schiele se
détacha de la Sécession et de la figure tutélaire de Klimt qui avait
guidé ses premiers pas et inventa son propre style, surtout à
partir de 1910 et de la fondation du NeueKunstgruppe.
L’exposition montre bien tout le travail de l’artiste sur les rouges,
les orangés, les bleus qui dessinent des corps décharnés,
faméliques, ou sur ces yeux qui prennent à partie le spectateur
même lorsqu’ils sont inexistants comme dans l’Autoportrait
grimaçant (1910). Il y a aussi ces blancs qui créent des halos de
lumière opaques autour de ses sujets (Femme nue, 1910). On
mesure alors combien les œuvres du peintre témoignent d’une
modernité stupéfiante en annonçant le pop art ou la bande-
dessinée. L’expressivité est ici décuplée et se combine à une forme
de mysticisme revendiqué par un peintre proche de la théosophie
de Rudolf Steiner.

Cet outsider de la peinture ne pouvait rester ignoré. Dès 1912, il
acquit une notoriété qui ne se démentira plus. Naissent alors
quelques chefs d’œuvre gardés bien au chaud à l’Albertina ou
venus du Léopold Museum voisin comme l’autoportrait au manteau
orange (1913), à la veste jaune (1914) ou la célèbre Femme assise à
la jambe gauche repliée (1917). A cette date, il ne lui restait plus
qu’une année à vivre mais le mythe était déjà né. Cette exposition
montre qu’il est toujours vivant.

Egon Schiele,
Albertina Museum, jusqu’au 18 juin 2017

Laurent Pfaadt

Une magnifique
exposition au
Grand Palais
célèbre le
centenaire de la
mort de Rodin 

C’est une foule
nombreuse qui
vous accueille dès
l’entrée de
l’exposition. Il y a là des noirs plutôt bien charpentés, des barbus
pas très avenants, des blancs inquiets et un grand bonhomme à
qui tout ce spectacle a fiché une peur bleue. Bien entendu, il ne
s’agit pas des visiteurs de l’exposition célébrant le centenaire de la
mort de Rodin au Grand Palais mais bel et bien des statues de
plâtre, de bronze et de marbre du maître ainsi que celle de
Baselitz.

Raconter une œuvre aussi gigantesque et protéiforme que celle
d’Auguste Rodin relevait presque de l’exploit tant le génie du
sculpteur a écrasé son temps avant d’influencer tant d’autres
artistes. L’exposition y parvient toutefois en mêlant chefs d’œuvre
intemporels et œuvres moins connues. Certes, la Porte des enfers
est restée à Meudon mais les plâtres ainsi que le Penseur qui
recueille assurément tous les suffrages photographiques ou
Ugolin, permettent d’approcher au plus près ces incroyables
sentiments humains figées dans un regard, dans un muscle. La
détresse d’Ugolin est palpable, celle de ce père défait de toute
dignité, terrassée par la culpabilité du geste irréparable qu’il
s’apprête à commettre. Plus loin même le Christ redevient, sous
les doigts de Rodin, un homme avant d’être le fils de Dieu, un
homme capable d’amour charnel envers cette Madeleine qui
s’enroule autour de lui dans un merveilleux geste d’affection.

D’autres œuvres expriment cette incroyable poésie propre à
Rodin qui prend la forme d’une sensualité inédite dans le tracé de
ces corps féminins sublimés comme celui de la Faunesse à genoux.
Cette exaltation de la féminité bouleversa d’ailleurs en
profondeur la représentation de la femme dans la statuaire et
allait influencer tant d’artistes.

Indiscutablement, il y eut un avant et un après Rodin. C’est à cela
que s’attache à démontrer l’exposition du Grand Palais en faisant
cohabiter des œuvres contemporaines avec des sculptures ou des
dessins de Rodin. Brancusi, Maillol ou Matisse affichent ainsi leurs
liens évidents avec Rodin. Mais c’est dans la création
contemporaine que la filiation est la plus intéressante à observer,
notamment chez Jean-Paul Marcheschi et surtout dans la
magnifique Chaise esseulée de Tracy Emin. Le critique d’art
Gustave Geffroy affirmait ainsi dans cette épitaphe qui ouvre
l’exposition que « dès qu’il vint, tout le monde comprit que quelque
chose de grand, qui avait été oublié, recommençait. Il nous a rendu la
vie. » Et ce n’était pas les statues qui parlaient…

Rodin, l’exposition du centenaire,
Grand Palais,
jusqu’au 31 juillet 2017

Laurent Pfaadt

Hergé à l’honneur d’une
magnifique exposition

On est tous entrés un
jour dans Tintin : dans un
temple inca, en
Amérique, en Chine ou
sur la lune. Pour moi, ce
fut au Tibet à l’occasion
de l’une des plus belles
histoires d’amitié que la
littérature
contemporaine ait créé.
Tintin s’aventure sur les
pentes escarpées de
l’Himalaya à la recherche de son ami Tchang qu’il a sauvé dans le
Lotus Bleu.

Cette histoire est née dans l’esprit d’un homme, celui de Georges
Rémi alias Hergé. Le père de l’un des personnages les plus célèbres
de l’histoire, dont le général de Gaulle disait à juste titre qu’il était
« son unique rival » est aujourd’hui l’objet d’une formidable
exposition au Grand Palais et d’un catalogue fort instructif. Hergé se
voulait journaliste. Il le fut à travers son héros. Entré très jeune au
journal conservateur 20e siècle, Hergé n’a que 22 ans lorsqu’il créé
Tintin dont le succès est immédiat. Et très vite, le personnage et son
créateur ne firent plus qu’un.

L’exposition ainsi que le catalogue mais aussi le film de l’exposition
signé Hugues Nancy, indissociable de l’exposition, permettent de
pénétrer la création en montrant l’élaboration des albums, qu’Hergé
réalisa seul jusqu’au Trésor de Rackham le rouge puis à la tête d’un
studio à la manière d’un grand peintre. Rubens eut Van Dyck, Hergé
a eu Edgar P. Jacobs.

Hergé, c’est d’abord un dessin, celui de la ligne claire constituée de
ce trait unique dont il fut l’inventeur. Coloriste hors pair, l’exposition
présente les magnifiques compositions du Secret de la Licorne ou le
traitement du noir dans On a marché sur la Lune qu’Hergé obtenait au
prix d’une minutie incroyable.

Tous les amoureux de bande-dessinée le savent : une belle plume ne
suffit pas, il faut également avoir une belle langue. Et c’est avec cette
dernière qu’Hergé a construit le mythe de Tintin qui l’a largement
dépassé. Car Hergé fut un formidable scénariste. Son travail dans
XXe siècle où il devait produire chaque semaine une planche avec
une chute en fit le précurseur de nos séries télévisées. Hergé
scénariste, c’est aussi comme toutes les grandes œuvres pour la
jeunesse, l’invention d’une famille avec le capitaine Haddock, le
professeur Tournesol, les Dupont et Dupond. Hergé scénariste, c’est
également des voyages au bout du monde mais également
l’incursion dans le paranormal, le mystère, les sociétés secrètes et la
science-fiction avec le voyage sur la Lune, quinze ans avant Neil
Armstrong. Hergé scénariste c’est enfin la célébration d’un monde
de solidarité et d’amitié qui a transcendé les époques, l’entre-deux-
guerres et le fascisme ridiculisé dans le Sceptre d’Ottokar puis la
seconde guerre mondiale, et d’un idéalisme à toute épreuve. En
1934, Hergé fit la connaissance de Tchang Tcheng-je, étudiant à
l’académie des Beaux-Arts de Bruxelles dont il s’inspira pour en faire
le meilleur ami de Tintin, Chang, qu’il sauva de la noyade dans le
Lotus Bleu. Rescapé, Chang proposa alors à Tintin de l’aider qui
répliqua : « C’est que je vais peut-être courir de graves dangers ». Le
jeune chinois lui répondit alors : « A deux nous serons plus forts ». Le
trait de génie d’Hergé, au propre comme au figuré, est contenu dans
cette seule phrase. Tintin, c’est à la fois Alexandre Dumas, Jules
Verne et Victor Hugo.

Qu’on le veuille ou non, Hergé demeurera à jamais un grand écrivain.
Son incroyable travail sur la langue française a permis de réhabiliter
des mots oubliés, ces fameuses injures du capitaine Haddock qui,
grâce à lui, ont permis de redécouvrir des pans entiers de notre
histoire ou de la science et de montrer combien notre langue s’est
enrichie au fil des siècles. Mais surtout, comme dans toutes les
grandes œuvres littéraires, ces mots appartiennent à jamais à son
héros.

Depuis près de 90 ans, les œuvres d’Hergé nous accompagnent. Une
fusée rouge et blanche, une statuette à l’oreille cassée présentée
dans cette exposition, des insultes incroyables ou des cigares que
l’on envie de fumer à dix ans. Tintin au Tibet s’achève sur une case
montrant le Yéti regardant les hommes quitter sa montagne. Le
monstre a acquis un semblant d’âme, une humanité. Refermant
l’album, le lecteur âgé de 7  ou de 77 ans en est convaincu : avec
Hergé tout est possible.

Hergé, Grand Palais, Galeries nationales,
jusqu’au 15 janvier 2017

A lire : Hergé, catalogue de l’exposition,
Éditions Moulinsart,
Les éditions Rmn-Grand Palais, 2016, 35 euros.

A voir : Hergé, à l’ombre de Tintin,
film d’Hugues Nancy, Réunion des musées nationaux – Grand Palais, Éditions Moulinsart, Arte France

Laurent Pfaadt

Le BOZAR consacre
une exposition
lumineuse à l’avant-
garde

Ils s’appellent Pablo
Picasso, Die Brücke,
Robert Delaunay,
Die Blaue Reiter,
Marcel Duchamp ou
Fritz Lang et leurs
réflexions
considérées à
l’époque comme
décalées ou
révolutionnaires
furent en réalité en
avance sur leur temps. Entre 1895 et 1925 et l’émergence du
Bauhaus de Walter Gropius s’élaborèrent de grandes théories
artistiques qui donnèrent naissance à des formes d’art qui allaient
changer à jamais notre approche artistique et bouleverser la
conception que les hommes eurent de leur monde, de leur
environnement et de leur société.

En mêlant comme à son habitude les esthétiques, le BOZAR a voulu
comprendre la genèse, l’élaboration de cette avant-garde mais
également sa diffusion dans l’Europe entière, de cette Allemagne au
carrefour de son histoire politique et artistique à une Russie au bord
de l’abîme en passant par la Belgique de Théo van Doesburg, la
France et une Italie où fascisme et futurisme ne firent qu’un. La
naissance et la diffusion de l’avant-garde russe est à ce titre presque
un cas d’école. Venu de la galerie Tretyakov à qui l’on doit de
magnifiques pièces, le bain des chevaux de Goncharova en 1911 offre
le témoignage d’un monde révolu traversé par une énergie féroce,
celui d’une société paysanne qui se disloque sous l’effet d’un
pouvoir primaire qui prendra la forme de la révolution bolchévique
de 1917 avec son industrialisation à outrance qui hissa en une
trentaine d’années cette société agraire où persistait le servage au
rang de première puissance économique mondiale et en modèle à
suivre et à copier.

L’avant-garde russe ou italienne, avec sa foi inébranlable dans un
progrès basé sur la machine, la vitesse et l’énergie que l’on perçoit
dans les illustrations de Mario Chiattone entraîna le monde dans un
développement urbain jusqu’à la démesure faisant des métropoles
les centres névralgiques du pouvoir humain, illustrées notamment
par un Fritz Lang dans Metropolis et plus tard par un George
Orwell. Car si l’avant-garde a changé le monde, il est légitime de se
demander s’il ne continue pas de le changer aujourd’hui, si la
direction prophétique qu’elle a indiquée aux hommes ne s’est pas
retournée contre eux. C’est peut-être cela le pouvoir de l’avant-
garde, celui dénoncé par Orwell, celui qui a libéré la Russie d’avant
1917 avant de devenir liberticide. On touche là aux limites des
idéologies lorsqu’elles fondent leurs réflexions sur des utopies qui
ne peuvent avoir de matérialisation effective. Cantonnées à l’art,
elles sont encensées. Appliquées à la politique, elles furent souvent
meurtrières.

La ville et sa place est au cœur de la réflexion de l’avant-garde. Et
très vite, les artistes ont perçu ses dangers notamment celui de
l’atomisation de l’individu que l’on trouve dans cette toile de Jakob
Steinhard ou dans ces œuvres inédites de Paul Klee ou d’Egon
Schiele, tirées de collections privées.

Afin de donner plus de relief à ce questionnement, le BOZAR a
demandé à quinze artistes, considérés comme avant-gardistes dans
leur domaine, d’apporter leurs éclairages sur des œuvres de leurs
célèbres aînés. Ainsi, le chorégraphe William Forsythe a installé des
chaînes au sol en invitant les visiteurs à les déplacer avec leurs pieds
pour questionner notre représentation de l’espace. Il a choisi
Marcel Duchamp et son Three Standards Stoppage (1913-1914)
comme miroir de sa conception spatiale, ce même Duchamp qui se
demandait si l’on pouvait « faire des œuvres qui ne soient pas « d’art » ?»
A la lumière de cette exposition, la réponse est clairement oui.
Cependant, il est toujours dangereux d’avoir raison avant les autres.
Pour soi et pour les autres.

Laurent Pfaadt

The Power of the avant-garde, now and then,
BOZAR, palais des beaux-arts, Bruxelles,
jusqu’au 22 janvier 2017