Moment toujours très attendu, celui qui nous annonce la future saison. Stanislas Nordey nous l’a détaillée, avec son enthousiasme habituel, lui qui, après l’avoir concoctée, va quitter cette maison, arrivé au bout de ces deux mandats. Le ministère n’ayant encore nommé personne pour le remplacer, il sera encore présent lors de la rentrée et jusqu’au 31 décembre .

Au programme dix-huit pièces dont plusieurs créations et une parité bien respectée.

Afin de souligner le lien très fort, vital entre l’école et le TNS la programmation commencera et se terminera par une pièce d’élèves.

Fin septembre « Donnez-moi une raison de vous croire » sera le spectacle d’entrée dans la vie professionnelle du Groupe 46 de l’Ecole du TNS sorti en juin 2022.Le texte et la dramaturgie sont signés Marion Stenton de la section Dramaturgie, la mise en scène, Martin Bauer et Sylvain Cartigny, deux musiciens fondateurs de la Cie Sentimental Bourreau. La musique a un rôle important dans cette pièce qui, d’ailleurs, fait partie du programme du Festival Musica. La pièce qui s’inspire de « L’Amérique » de Franz Kafka, évoque les problèmes rencontrés par ceux qui ont été évincés du rêve américain par une absurde bureaucratie.

Et puis, la dernière pièce de la saison « L’Esthétique de la résistance » de l’écrivain allemand Peter Weiss (1937-1982) constituera le spectacle d’entrée dans la vie professionnelle du Groupe 47 de l’Ecole du TNS. La mise en scène est du très connu Sylvain Creuzevault qui a présenté cette dernière saison « Les frères Karamazov ».  Il s’agit d’un grand texte initiatique sur la jeunesse allemande anti fasciste des années 1937-1945 qui s’éveille au monde et à la résistance grâce à l’art.

De plus en début de saison le public se verra offert gratuitement la possibilité d’assister à une pièce écrite par Sonia Chiambretto « La Taïga court » dont le texte a été augmenté à la demande de Stanislas Nordey afin d’en monter quatre mises en scène différentes confiées à quatre metteurs en scène de Groupes 46 et 47, le thème étant le dérèglement climatique.

D’autre part, le TNS ayant la particularité d’avoir des auteur-rices associés ceux- ci signeront quelques- unes de leur production. Il en sera ainsi avec :

Falk Richter qui a écrit et mis en scène « The Silence » un texte très autobiographique sur le silence observé dans certaines familles à propos de sujets considérés comme tabous. Un texte, nous dit Stanislas Nordey,à la fois poétique et politique.

Marie Ndiaye, qui, après plusieurs reports dus à la Covid, peut enfin nous présenter « Berlin mon garçon », l’histoire d’une mère à la recherche de son fils, pièce initiée par Stanislas Nordey et interprétée par d’excellents comédiens. (Hélène Alexandridis, Claude Duparfait, Annie Mercier, Mélody Pini,  la pièce  Mihran, Laurent Sauvage).

Elle présente aussi « Un pas de chat sauvage » mise en scène de Blandine Savetier, artiste associée au TNS, une pièce pour un duo de femmes avec Natalie Dessay et Nancy Nkusi qui raconte la rencontre entre une universitaire blanche et une artiste noire.

Claudine Galea propose « Un sentiment de vie », un texte inspiré par son expérience montrant comment de grands événements comme les guerres viennent interférer dans la vie familiale selon les opinions des uns et des autres sur ces conflits. Une grande comédienne, Valérie Dréville, artiste associée au TNS en sera l’interprète dans la mise en scène d’Emilie Charriot, elle-même devenue célèbre avec la création de « King Kong Théorie » de Virginie Despentes en 2014.

Pascal Rambert qui a présenté plusieurs pièces au TNS, la dernière étant « Mont Vérité » avec le groupe 44 de l’Ecole, (spectacle d’entrée dans la vie professionnelle) répond avec « Mon absente » à une commande de Stanislas Nordey. A propos de la disparition d’une personne aimée, cinq comédiennes et cinq comédiens sont rassemblés la faisant en quelque sorte revivre par les souvenirs évoqués. Cette pièce chorale est un hommage à la mère de Stanislas Nordey , Véronique Nordey  qui fut actrice associée au TNS.

Lors de cette saison, nous allons retrouver quelques grands noms de la mise en scène comme Anne Théron, artiste associée au TNS qui s’attaque à une « Iphigénie » d’Euripide réécrite par Tiago Rodigues, le futur directeur du Festival d’Avignon dont nous avons vu  récemment une de ses pièces « Dans la mesure de l’impossible » au Maillon.

Marie-Christine Soma qui a présenté ici « La pomme dans le noir » en 2018 met en scène « La septième » du philosophe et écrivain Tristan Garcia qui raconte comment un narrateur se remémore ces différentes vies passées.

Marguerite Bordat et Pierre Meunier que nous connaissons bien grâce aux spectacles toujours originaux qu’ils savent concevoir et interpréter arrivent avec « Bachelard Quartet rêverie sur les éléments » à partir de l’œuvre de Gaston Bachelard le titre est assez explicite pour qu’on comprenne qu’il s’agit d’un regard émerveillé sur la nature, un spectacle poétique qui, sans aucun doute saura nous embarquer. Il est présenté avec le TJP.

Le Théâtre du Radeau nous revient avec « par autan », du nom de ce vent que les gens du sud-ouest disent qu’il peut rendre fou, excellent prétexte pour le metteur en scène François Tanguy et ses comédiens de proposer du jeu, des sensations, de la musique fussent-ils hétéroclites aux yeux de certains… 

Retour de Stéphane Braunschweig dans ce lieu qu’il a dirigé de 2000 à 2008 avec la très belle mise en scène de « Comme tu me veux » de Luigi Pirandello, un auteur dont il a monté plusieurs pièces dont l’inoubliable « Vêtir ceux qui sont nus » en 2006. C’est une pièce magnifique sur la disparition et l’éventuelle réapparition d’un être qui n’est peut-être pas celui que l’on espérait retrouver.

Sur ce même thème, nous pourrons voir une pièce écrite par Laurent Mauvignier « Tout mon amour » qui est l’histoire d’une famille qui croit voir réapparaître leur fille disparue dix ans auparavant, Anne Brochet y tient remarquablement le rôle de la mère.

C’est aussi une metteure en scène qui nous a bouleversés, Caroline Guiela Nguyen avec « Saïgon » en 2018 qui revient pour un spectacle de sa Cie « Les Hommes Approximatifs » auxquels elle adjoint des amateurs parlant différentes langues. Intitulé « Fraternité, Conte fantastique » l’histoire est celle de la disparition d’une partie de l’humanité lors d’une éclipse et de comment remédier à la douleur des survivants.

Rencontre par delà la mort dans « Grand Palais ». L’écriture à quatre mains de Julien Gaillard et Frédéric Vossier fait dialoguer le peintre Francis Bacon et son amant et modèle George Dyer qui  vient de se suicider juste avant l’exposition  au grand Palais. Une mise en scène de Pascal Kirsch avec d’excellents comédiens.

 Autres spectacles qui mettent en valeur les écritures contemporaines : « Ilôts » de Sonia Chiambretto et  Yoann Thommerel. Il s’agit d’un théâtre documentaire issu du Groupe d’information sur les ghettos ,à propos des personnes qui pour diverses raisons se sentent marginalisées.

Pièce d’anticipation aussi, « Nostalgie 2175 » écrite par l’autrice allemande Anja Hilling, mise en scène par Anne Monfort montre la capacité de survie des êtres humains après une catastrophe écologique.

Et puis « Odile et l’eau »,un spectacle singulier de et avec Anne Brochet qui évoque l’expérience d’une femme seule qui se rend régulièrement à la piscine et veut en rendre compte.

C’est donc une programmation riche, diverse et prometteuse qui est ainsi réservée au public qui, l’espère vivement l’équipe du TNS continuera, comme il a repris à le faire à revenir nombreux au Théâtre.

La présentation de la saison en présence des artistes aura lieu
le 20 juin à 20h.

Pour la troisième année consécutive un programme estival itinérant se déroulera au mois de juillet avec 45 artistes et 115 événements gratuits. C’est « La  traversée de l’été » une manière ludique  de faire découvrir le théâtre au plus grand nombre .

Marie-Françoise Grislin

Conférence de presse  du 30 mai au TNS

Conception et mise en scène Christoph Marthaler

Le comique est un genre qui se décline de diverses façons. Les deux acolytes recrutés par Christoph Marthaler, Graham F. Valentine et Martin Zeller, le pratiquent d’une manière originale et astucieuse par une gestuelle, un langage particulier où se mêlent parfois chants et borborygmes . Tous deux collaborent depuis de longues années avec le metteur en scène.

Sur le plateau la  scénographie  de Duri Bischoff offre un décor sobre, constitué d’une petite antichambre vide avec un radiateur et une chaise, un couloir ou une sorte de cour sur laquelle donnent des portes, closes dans un premier temps mais qui seront ouvertes ou fermées au gré des passages nombreux et intempestifs des habitants de ces lieux.

Le premier personnage, ici interprété par Martin Zeller, s’installe dans l’antichambre avec son violoncelle et répète une partition guidé par un enregistrement jusqu’au moment où il perçoit des bruits bizarres venus des conduites qui arrivent au radiateur. En essayant d’y remédier il déclenche un jet d’eau qui, bien sûr, le surprend.

Simultanément, son voisin, Graham Valentine  surgit dans la cour et s’évertue en manipulant un énorme trousseau de clés de trouver celle qui lui permettrait d’ouvrir sa boîte aux lettres. Le trousseau ne cesse de lui échapper des mains. Avec constance il le ramasse, le même petit jeu recommence avec mines de circonstance de l’intéressé. Bel exemple de comique de répétition.

On enchaîne avec une scène ubuesque qui nous montre le comédien, très digne frappant à une porte pour expliquer au locataire qui vient lui ouvrir qu’il est là pour le cambrioler en tout bien tout honneur puisqu’il fait métier de cambrioleur et que cela doit s’effectuer sans heurt ni violence, le consentement du cambriolé étant requis. Ce dernier en rajoute proposant même de déménager pour faciliter la tâche du cambrioleur qui se dit épuisé de devoir monter les escaliers. Très professionnel, il explique à sa « victime » qu’il a relevé son nom sur une liste où il est mentionné comme possédant une somme importante ce qui se révélant faux le décourage, il s’esquive mais revient à deux reprises pour s’assurer qu’on ne l’a pas trompé.  Cette situation paradoxale qui dresse le portrait du gentleman-cambrioleur est des plus jouissives et déclenche le rire dans l’assistance.

Au gré de scènes que l’on peut qualifier d’absurdes le spectacle se poursuit, faisant apparaître puis disparaître ces drôles de voisins aux prises avec des situations inattendues auxquelles il font face  avec une sorte de self-control pour le moins surprenant. La panne électrique vient-elle à se produire régulièrement on la répare sans désemparer. Par contre une lettre contenant des propos injurieux sera mise en mille morceaux que l’on recollera soigneusement avant finalement de la jeter. Durant ces délicates opérations le musicien nous gratifie de ces tentatives d’interprétation de morceaux classiques. ll s’interrompt  de temps à autre pour demander de façon incongrue à son voisin s’il peut  lui donner de la farine et du beurre.

Et puis toujours digne et imperturbable Graham Valentine ayant placé devant lui le radiateur  en guise de pupitre se lance dans un long discours  qu’il ponctue de mouvements d’humeur, le tout dans un idiome fait de sons et de syllabes apparentés à diverses langues connues mais ici  devenant incompréhensibles  et surréalistes.

Ce clin d’œil à ce que nous subissons parfois de la part de ceux qui cherchent à nous convaincre  par leurs interventions lors des meetings ou des reportages télévisés montre que le spectacle n’est pas là que pour nous amuser mais qu’il nous confronte à travers ces descriptions à l’absurdité de notre monde .Quelle plus belle démonstration  de cela que cette scène où le comédien parvenant enfin à ouvrir sa boîte aux lettres se rend compte qu’elle déverse sur lui qui n’en peut mais des dizaines de bibles et des tonnes d’offres publicitaires !

En conclusion, du vide bien rempli et plus d’idées qu’il n’y paraît car ce provocateur qu’a toujours été Christoph Marthaler a su, avec la complicité de ces deux excellents comédiens, nous mener  par le rire à jeter un regard critique sur notre quotidien.

Marie-Françoise Grislin

Représentation du 19 mai au Maillon

Texte et mise en scène Pascal Rambert

Chorégraphie Rachid Ouramdane

Spectacle d’entrée dans la vie professionnelle du Groupe 44 de l’Ecole  du TNS , « Mont Vérité » sort en juin 2019 puis se heurte au Covid 19. Ce n’est donc que maintenant qu’il peut être repris et joué ce  qui permet aux jeunes comédiens de se retrouver pour reprendre ces partitions écrites spécialement pour eux par Pascal Rambert.

Les voilà donc, tous les douze sur scène pour 2h35 de spectacle, Océane Caîraty, Houédo Dieu-Donné Parfait Dossa, Paul Fougère, Romain Gillot, Romain Gneouchev, Elphège Kogombé Yamalé, Estelle Ntsende, Ysanis Padonou, Mélody Pini, Ferdinand Régent-Chappey, Yanis Skouta, Claire Toubin nous offrant le bonheur de leurs retrouvailles et le plaisir manifeste du jeu.

En trois moments, le spectacle permet de les voir évoluer avec l’énergie et la compétence qui les caractérisent.

C’est tout d’abord leur apparition au milieu de la roselière majestueusement dressée sur le plateau qui frappe notre attention.(scénographie Aliénor Durand) Tous vêtus  de toges blanches, ils esquissent une chorégraphie mise en place par Rachid Ouramdane, une danse  fluide et joyeuse, bras levés vers le ciel, se balançant avec grâce et naturel.

Mais le parti pris esthétisant n’est pas le but recherché. Il s’agit plutôt, et on l’apprendra vite, de la quête de soi. Pour cela le support du rêve, largement sollicité lors de la création du texte par l’auteur ; viendra pour chacun d’eux créer l’esquisse d’un chemin. Toutefois si le rêve interfère, il ne peut priver les différents protagonistes d’essayer également de se situer dans le monde.

Alors chacun y va  de son appartenance à cette roselière qui, pour l’un constitue un refuge, pour l’autre la concrétisation d’un rêve, celui d’échapper à un monde trop violent pour lui.. Cependant, dès ce moment de révélation, la prise de conscience de faire parti d’une « communauté » déclenche des problèmes de cohabitation. Sont évoqués des bousculades, des affrontements, on n’ose parler de meurtre mais le sang est évoqué et des peurs se font jour, peurs d’agression  et l’on parle d’avoir entendu des coups de feu ce qui en a traumatisé certains. Peut-on faire vivre les utopies sans  oublier que l’escalade précède la chute, à ce propos revient comme un leitmotiv l’image du grand immeuble blanc  que l’on monte puis que l’on descend.

Et puis voilà que l’un ou l’autre vient témoigner de son parcours. On entend alors parler d’enfance, de jeunesse, d’école, du collège d’où l’on peut se faire exclure pour comportement inapproprié, au grand dam de celui qui risque de subir l’opprobre et la refuse tout net. Claire  parle de ses balades à cheval en Camargue, elle était « la fille qui monte son cheval à cru ». Elphège était préoccupée  par l’utilisation de sa force de travail, un autre évoque la violence qui l’habitait. Dans leurs propos on sent un besoin de révolte mais aussi des tendances à la moralisation.

Dans une ultime partie, quand la roselière aura disparu, après une course folle autour de ce lieu devenu vierge, ils installeront des tables autour desquelles ils viendront discuter d’un projet théâtral. Cela donnera lieu à des disputes, des confrontations, parfois de méchantes réflexions entre ceux qui ont des idées constructives, et les autres les démolissant de la belle manière. Image réaliste de ce groupe qui a sans doute vécu ainsi la recherche et la construction de ce spectacle  qui dit qu’on n’atteint pas sans risques et sans périls le « Mont Vérité », celui où se confrontent les rêves et la réalité.

Un questionnement porté haut et fort, avec beaucoup d’authenticité par ces jeunes qui ont fait le choix pour leur vie de  se mettre au service du théâtre.

Marie-Françoise Grislin

représentation  du 17 mai au TNS  

C’est jusqu’au 25 mai

de Tiego Rodrigue

Peut-on faire théâtre de tout ?

La question se pose d’autant que nombre de pièces de théâtre ainsi que des films cherchent à s’engager sur cette voie qui se veut proche de l’enquête, du documentaire afin de servir l’actualité, l’idée étant de la proposer sous une forme artistique pour mieux la faire connaître  et mieux l’analyser. Propositions séduisantes, voire quelque peu racoleuses. Tout étant dans le thème choisi et la manière de faire ouvrage.

La pièce que propose Tiego Rodrigues s’attaque à un sujet qui fait souvent polémique, celui de l’humanitaire. C’est moins le thème de sa nécessité ou de sa complexité que celui des personnes qui s’y adonnent, le justifient et le font prospérer qui est ici abordé.

Le parti pris du spectacle sera donc de suivre quelques-uns de ces « humanitaires », de nous faire découvrir leurs motivations, le parcours de leur engagement, leur confrontation avec les réalités du terrain. Des récits mimés, ponctués de réflexions directement confiées, adressées au public par quatre comédiens Adrien Barazzone, Beatriz Bràs, Baptiste Coustenoble, Natacha Koutchoumov très investis dans leur rôles si bien qu’on les croirait  juste revenus des missions  dont ils nous parlent parfois avec l’émotion qui convient à certaines situations douloureuses que tel ou tel a vécues, parfois avec le recul pris avec le temps et la nécessité éprouvée  pour ne pas succomber au désespoir devant certaines scènes cruelles où l’impuissance à aider était trop flagrante, parfois aussi le désir de tout abandonner et de vivre en paix, chez soi.

Une certaine ambiguïté demeure. Faut-il y aller ? Faut-il y
retourner ? Quels intérêts sert-on sans l’avoir voulu ? On se rend compte au fur et à mesure que ces témoignages se dévoilent que c’est « soi » d’abord que l’on sert, cherchant à accomplir un rêve, à se trouver, en se confrontant à un réel lointain, souvent médiatisé voire idéalisé qu’on souhaite voir de près, toucher du doigt, une mise à l’épreuve, un chemin d’initiation dont on revient souvent désenchanté.

C’est ce panel d’expériences personnelles qui est offert  à notre questionnement dans une scénographie simple, inventive, pertinente, juste composée d’un immense vélum de toile blanche, évocateur de ces tentes occupées par des réfugiés lors des catastrophes ou des guerres qui les jettent hors de chez eux ou parfois celles des humanitaires venus à leur secours, un vélum qui est hissé ou abaissé selon les événements racontés.
(scénographie signée, Laurent Junod, Wendy Tokuoka, Laura Fleury)

Enfin, une part importante revient à l’accompagnement musical. Aux percussions, le batteur Gabriel Ferrandini par son jeu extraordinaire de puissance  nous convie, semble-t-il à entendre le grondement du monde auquel se confrontent les protagonistes de ces aventures, peut-être aussi les tourments qui, bien souvent, les agitent.

Un spectacle qui met en demeure de se poser la question de l’engagement face à un monde de plus en plus en dérive et qui sollicite des réponses. Chacun les fournit à sa manière, pour les uns c’est sur le terrain qu’il faut aller, pour d’autres, ce sera, par le récit et pourquoi pas par une oeuvre d’art ? Picasso l’a prouvé avec « Guernica ».

Marie-Françoise Grislin

représentation du 5 mai au Maillon

Mise en scène François Gremaud

Sans aucun doute le meilleur spectacle vu en cette saison.

Avec un talent extraordinaire, une danseuse- comédienne nous fait voir  ce que l’on ne voit pas vraiment et qui suscite notre totale adhésion. C’est réel et c’est magique, drôle , enthousiasmant. Et cela s’appelle « Gisèle trois petits points ». Ceux qui ouvrent le champ de l’interprétation.

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François Gremaud fondateur avec Michaël Monney de la 2b company  à Lausanne fait découvrir à sa façon bien particulière les grandes figures féminines inspiratrices des arts de la scène, après Phèdre de Racine et avant Carmen, il nous présente Giselle, l’icône du ballet romantique.

Il s’agit d’une sorte de conférence ayant pour but de nous conter l’histoire de ce ballet et de nous en faire vivre quelques passages. Il en a confié le rôle à Samantha van Wissen, une danseuse de la Cie Rosas dirigée par Anne Teresa De Keersmaeker. Elle fait office ici de comédienne-danseuse.

La voici devant nous, en pantalon noir, tee-shirt et baskets blanches, simple et naturelle, nous révélant son identité et sa double mission, celle d’être  simultanément l’interprète principale de cette comédie-ballet actuelle intitulée Gisèle…(trois petits points) et d’endosser par glissements simultanés les rôles des protagonistes de la célèbre comédie-ballet « Gisèle ». Elle nous en fait pénétrer les arcanes en jouant l’historienne qui nous livre la date de sa création le 28 juin 1841 à l’Académie royale de musique, précisant que le livret était signé Théophile Gautier et Jules -Henri Vernoy de Saint-Georges sur une musique d’Adolphe Adam. Elle ne manque pas de nous rappeler l’origine du ballet, l’importance de Molière dans l’usage qu’il en fit dans son théâtre, comment dans le ballet « La sylphide », en 1832 la danseuse Marie Taglioni introduisit « les pointes » et le « tutu », comment sa grâce et sa légèreté bouleversèrent Théophile Gautier qui, amoureux d’une danseuse écrivit « Giselle ». Après avoir jeté un clin d’oeil interrogatif vers le public pour savoir s’il se rappelle ce qu’est le romantisme, mouvement auquel se rattache l’auteur, elle en souligne les grandes lignes: amour du beau, de la nature et célébration de l’amour.

Après cette longue introduction, Samantha va nous entraîner dans l’oeuvre elle-même. Accompagnée par quatre musiciens :  à la harpe,Valerio Lisci ; au violon,Anastasia Lindeberg ; à la flûte Hélène Macherel ; au saxophone, Sara Zazo Romero qui interprètent la musique composée par Luca Antignani d’après Adolphe Adam, elle se fait conteuse  mime, et danseuse, nous décrivant la scénographie, les entrées et sorties des personnages, et ce, avec un tel talent et une telle précision que nous suivons les amoureux de Giselle, Hilarion, le garde-champêtre, puis Loys, avançant d’un pas décidé vers sa maison et guettant sa sortie. Les ayant imités avec application, Samantha en vient à l’apparition de Gisèle, décrite comme une jolie et délicate jeune fille et l’incarnant sans hésitation, elle esquisse avec grâce et légèreté les pas de danse qui s’imposent, s’interrompant bientôt pour nous inviter à suivre le rituel des applaudissements qui suivent traditionnellement l’entrée de la ballerine. Nous nous y conformons avec empressement.

Ainsi va se dérouler le spectacle. La rencontre amoureuse entre Gisèle et Loys, leur danse accompagnée de celle des vigneronnes, la crainte de la mère pour le coeur fragile de sa fille, les rivalités, la jalousie, la folie et la mort de Gisèle. Tout devient prétexte à faire pantomime, à livrer des explications, à citer les grandes interprètes qui ont tenu, le rôle,  à commenter les actions et à réaliser les pas de danse appropriés ce que Samantha, en grande experte nous montre et nous décrit avec générosité. Ses extraordinaires capacités à réussir tout cela, avec une ardeur, une malice, une joie non dissimulées nous surprennent et nous ravissent à chaque instant. La distanciation dont elle fait preuve nous plonge à maintes reprises dans l’hilarité.

Dans le deuxième acte qui se déroule de nuit, dans la forêt, au pays des Wilis, ces jeunes filles, mortes avant leur mariage et dont Gisèle fait maintenant partie, Samantha devra nous fera vivre quelques superbes soli dont celui de Myrha, la reine des Wilis, de Gisèle, sortie de son tombeau qui exprime encore son amour pour Albrecht (Loys), de celui-ci, désespéré de l’avoir perdue et le superbe  solo qui les réunit une dernière fois. De plus, Samantha réussira à nous fera  imaginer, les Wilis vêtues de blanc, 16 de chaque côté du plateau s’entrecroisant avec la virtuosité propre à cette scène emblématique du ballet, révélant une fois de plus la magie de son talent.

Elle nous décrira  la disparition de Gisèle au pays des morts quand se lève le soleil qui fait disparaître les Wilis et montre Albrecht couché sur la tombe de Gisèle.

Samantha redevient l’interprète de la pièce « Gisèle, trois petits points » et nous en distribue le livret pendant que le public  subjugué par sa remarquable et jubilatoire prestation l’ovationne.

Seul le spectacle vivant nous procure autant de bonheur.

Marie-Françoise Grislin

représentation du 28 avril au Maillon

Texte de Marie NDiaye,mise en scène Jacques  Vincey

C’est devant une maison plantée, nous dit-on, au milieu des champs de maïs, dont la façade est ici représentée par un mur d’enceintes  (scénographie Mathieu Lorry-Dupuy) que se tient Madame Diss, exigeant de pouvoir entrer dans la maison pour réclamer de l’argent à son fils. Vêtue de son tailleur gris très strict, tenant serré contre elle son sac à main, elle a  l’allure d’une femme peu avenante. Ce que confirment les propos désobligeants qu’elle tient à l’épouse de son fils, France, venue lui expliquer qu’elle ne pourra entrer dans la maison , son fils s’y opposant fermement. Elle insiste, se disant acculée financièrement et ne cesse de reprocher à la jeune femme sa tenue négligée alors que celle- ci, se croyant prise en considération, elle, venue de rien, prétend-elle, se prend d’ un élan de reconnaissance et va jusqu’à lui proposer de l’ appeler « maman ». La mégère ne l’entend pas de cette oreille et la repousse durement. Le ton est donné.

C’est avec l’arrivée de la première épouse, Nancy, élégante dans sa tenue en cuir (costumes Olga Karpinsky), venue réclamer la vérité sur la mort de leur fils Jacky, que la cruauté de la mère et du fils va éclater.

L’insistance dont Nancy fait preuve pour savoir ce qui a conduit Jacky à la mort oblige Madame Diss à faire des révélations qu’elle livre au compte-goutte, monnayant chacune par l’exigence d’être payée. Elle extorque ainsi, argent liquide et chèques à  cette mère épouvantée d’apprendre qu’après son départ de la maison, l’enfant a été sans cesse battu, torturé, enfin enfermé dans une cage avec des serpents qui ont eu raison de sa vie.

La figure du monstre se dessine clairement alors que Madame Diss justifie ces abominations, prétendant même que père et fils y trouvaient leur compte, et culpabilisant Nancy, l’accusant d’avoir déserté le foyer et d’avoir ainsi déclenché ces actes vengeurs. Nous assistons à un face à face accablant entrecoupé par les demandes réitérées de rentrer dans la maison et de voir le fils. L’interdit est maintenu à grands cris par France de plus en plus terrifiée qui explique que le père prépare leurs deux enfants pour le feu d’artifice du 14 juillet, les maintenant assis immobiles sur des chaises et qu’il les dévorerait, elle comprise, si elles pénétraient dans la maison.

L’image de l’ogre est donc bien en place. On ne  le voit jamais apparaître mais on entend parfois ses grognements terrifiants, ses borborygmes, ses mugissements qui traversent les murs (son Alexandre Meyer et Frédéric Minière).

Sommes- nous dans l’univers du conte ou dans le fait divers sordide? Le fait est que notre imagination travaille et nourrit un sentiment d’angoisse et de révolte devant l’inacceptable.

Il faut pour aborder cet univers cruel de solides interprètes.

 Jacques Vincey a fait appel à Hélène Alexandridis qui campe avec conviction, d’abord une Madame Diss  redoutable de cynisme, sans scrupule, méprisante, attirée par les apparences , revendiquant une sexualité débridée, droite dans ses bottes puis qui nous la montre, dans la scène finale, échevelée, les habits en désordre, venant implorer le secours de la jeune femme, qu’entre temps, elle a jetée dans les bras de ses vieux amants.

Les deux épouses font figure d’héroïnes, Benedicte Cerruti  est une  Nancy plutôt femme forte, n’hésitant pas à échanger ses habits avec ceux de la nouvelle épouse pour aller affronter celui dont elle sait qu’il a tué leur fils de façon monstrueuse.

Tiphaine Raffier donne l’image d’une jeune femme naïve, soumise qui se débat pour survivre.

Le récit bouleversant de la fabrication des monstres et de leur pouvoir de nuisance.

Par Marie -Françoise Grislin

représentation du 27 avril au TNS, jusqu’au 5 mai   

Mise en scène Christine Letailleur

Christine Letailleur, metteure en scène associée au TNS, passionnée du 18ème siècle (nous n’avons pas oublié sa très belle et pertinente mise en scène des « Liaisons dangereuses » de Choderlos de Laclos en 2015) crée au TNS une pièce inspirée de la biographie de Julie de Lespinasse de Pierre de Ségur et de ses lettres au colonel Guibert. Elle en présente une adaptation tout à fait sensible et bouleversante.

C’est que l’histoire de Julie de Lespinasse est en tout point remarquable. Née, bâtarde, dans une famille de la noblesse lyonnaise, elle devient, après le décès de sa mère, gouvernante des enfants de sa soeur et découvre que le mari de celle-ci fut l’amant de sa mère et donc son propre père. Cette terrible révélation la pousserait à entrer au couvent si ce n’est qu’alors, sa tante Madame du Deffand, la soeur de son père, la prend comme dame de compagnie et l’emmène à Paris.

Una autre vie commence pour elle avec, en particulier, la fréquentation des « Salons » où se retrouvent les « intellectuels » de l’époque, entre autres, Montesquieu, Voltaire, Marivaux, d’Alembert… Elle apprend beaucoup, son esprit, sa finesse séduisent. Elle finit par ouvrir son propre salon suivie par nombre de ces « messieurs » dont d’Alembert très amoureux d’elle.

C’est ainsi que la petite Julie, vouée à rester dans l’ombre devient cette femme éclairée qui échange sur un pied d’égalité avec  ceux qui, comme Condorcet, s’élèvent contre l’esclavage, l’obscurantisme et prônent l’égalité homme-femme.

Ce parcours  extraordinaire pour une femme de cette époque (nous sommes dans les années 1760-1770) nous est restitué au courant du spectacle par une voix off, moyen habile de donner à ce personnage toute son épaisseur et son authenticité. (voix off Alain Fromager)

Ce que  nous donne la scène c’est  ce grand moment de la vie amoureuse de Julie lorsqu’en 1774, elle fait la rencontre du colonel Guibert, en tombe follement amoureuse et se retire du monde. Elle a quarante ans, lui dix de moins. Il est beau, séduisant, intelligent. Il est la coqueluche des salons parisiens et plaît dans toute l’Europe car il écrit des traités innovants sur l’art de la guerre. Il est volage aussi, très souvent absent, alors Julie lui écrit.

Nous la voyons assise à son petit pupitre, griffonnant de sa plume, des mots qui expriment l’attente douloureuse de sa venue, l’impatience de recevoir des lettres, parfois les reproches d’une aussi longue absence puis des remords d’avoir osé lui en faire part. Elle va et vient dans ce huis clos qui l’emprisonne, observe derrière les vitres de la fenêtre son improbable arrivée.

Nous entendons cet amour qui fait vivre mais qui tue à petits feux à travers ces instants de bonheur, ces moments douloureux de fièvre anxieuse, les trahisons, les jalousies, les doutes, les espoirs qu’il suscite. Entre offenses et pardon, c’est un cheminement de soi à l’autre, de soi à soi pour le meilleur et pour le pire. Un jeu d’introspection dont témoigne ses lettres pleines de réflexions pertinentes concernant sa situation de femme qui se sent délaissée, qui est délaissée. Eclairs de lucidité, suivis de l’espoir fou d’un renouveau de cet amour qui la dévore.

Un remords la hante aussi, celui de cet amour qu’elle a connu juste avant de rencontrer Guibert, celui pour le marquis de Mora qui l’a sincèrement aimé et qui est mort de tuberculose pendant le voyage qu’il effectuait pour la revoir. De façon très habile Christine Letailleur le fait apparaître,  traversant le plateau d’un pas léger tel un spectre ou passant furtivement comme une ombre derrière la vitre de la fenêtre.

Les deux personnages se croisent sans jamais se rencontrer. Mora est interprété par le comédien Manuel Garcie-Kilian avec la componction qui sied à cette âme malheureuse.     

Apprenant l’éventuel mariage du colonel Guibert, Julie lui écrit encore pour le dissuader, pour lui démontrer que le mariage est une entrave à la liberté, (belle idée pour l’époque). Mais apprenant qu’il aura bel et bien lieu, elle sombre dans la folie, ingurgite des pilules d’opium, délire, se consume, croit entendre les cloches du mariage et s’imagine poursuivie par des nuées d’oiseaux. Une vidéo bien conduite par Stéphane Pougnand nous rend compte de ce moment d’hallucination. Enfin, ses souffrances la conduisent à la mort.

Ainsi, cette jeune femme émancipée, finit-elle par mourir d’amour comme bien d’autres femmes qui, comme elle, ont aimé, se sont données totalement à leur passion alors qu’elles étaient souvent trahies, abandonnées, pendant que l’homme, parcourant le monde, s’adonnait à ses plaisirs, allait et repartait comme un enfant gâté, sûr d’être pardonné et toujours aimé.

La belle Julie, la tendre Julie, dans sa superbe longue robe de satin, créée par Elisabeth Kinderstuth et réalisée par les ateliers du TNS, est magnifiquement, délicatement interprétée par Judith  Henry qui sait montrer avec justesse le désarroi, le chagrin, parfois la colère et le désespoir qui habitent cette amoureuse qui ne cesse de réécrire à la fin de ses lettres  » mon ami, je vous aime », ce leitmotiv épistolaire étant soutenu à maintes reprises par l’air envoûtant de l’opéra de Gluck « J’ai perdu mon Eurydice, rien n’égale mon malheur » ( son Emmanuel Léonard). La comédienne fait de Julie cet être exceptionnel dont la sincérité crée en nous une véritable empathie.

Une scénographie, signée Emmanuel Clolus et Christine Letailleur, très dépouillée, laisse toute la place au jeu de l’interprète, particulièrement soutenu par des jeux de lumière travaillés avec finesse et pertinence comme ces bougies portées sous les visages pour en souligner les expressions, cette semi-obscurité qui marque la nostalgie, rend plus lourde la solitude (Grégoire de Lafond).

Julie de Lespinasse se comparaît, dit-on à Phèdre. Cette mise en scène  et cette interprétation lui donnent incontestablement  sa dimension d’héroïne racinienne particulièrement émouvante.

Par Marie-Françoise Grislin

Représentation  du 25 avril

jusqu’au 5 mai au TNS