Ancien responsable éditorial chez Robert Laffont, Fabien Le Roy a participé à la nouvelle réédition de Dune en tant qu’éditeur réviseur. Pour Hebdoscope, il revient sur cette œuvre hors du commun. .
Pourquoi selon vous, Dune continue à susciter tant d’engouement auprès de générations successives alors que d’autres sagas parfois très célèbres ont tendance à s’épuiser ?
La saga Dune fait partie des rares œuvres-univers de la littérature mondiale – à l’instar de celles de J.R.R. Tolkien, de H.P. Lovecraft ou, dans la sphère francophone et à une plus humble échelle spatio- temporelle, de La Comédie Humaine de Balzac et des Rougon- Macquart de Zola – : les thématiques sont extrêmement variées ; on y retrouve des archétypes (Herbert connaissait bien les travaux de Jung) que chaque nouvelle génération peut assimiler selon sa sensibilité et ses repères ; et la distribution des personnages est aussi riche que diverse. L’effet multiplicateur du cinéma a également beaucoup joué. À même pas 60 ans, Dune a encore de belles années devant lui.
En quoi Dune est-il d’abord un grand livre au sens littéraire ?
Dune est une œuvre de maturité que Frank Herbert a débutée à 40 ans environ (et qu’il a poursuivie jusqu’à sa mort en 1986). Cet autodidacte curieux et touche-à-tout qui fréquentait romanciers, politiques et psychologues, a agencé toutes ces connaissances en une weltanschauung – une conception du monde – unique, qui s’étend sur plus de 34 000 ans et les milliards de planètes que comptent notre galaxie. C’est un grand livre au sens littéraire parce que chaque nouvelle lecture réserve des découvertes, parce qu’on se pose des questions en le lisant et qu’on y trouve des réponses. Frank Herbert fait également montre au cours des six tomes de la saga de sa maîtrise des différents genres littéraires, jouant de la tragédie et du sacré avec une grande profondeur de champ.
Frank Herbert n’a t il pas eu l’intuition que notre planète courait à sa perte lorsqu’il évoque les questions de l’eau et de l’épuisement des ressources naturelles car l’épice est une sorte de métaphore du pétrole ?
Dune reste d’une interprétation très ouverte : certains lisent dans l’épice une métaphore du pétrole, mais d’autres celle du LSD. Mais il est certain qu’il avait conscience qu’une ressource finie – épice, eau ou pétrole – se retrouve cause de monopoles et de conflits à grande échelle. Qui plus est, l’énorme documentation que Frank Herbert a ingérée lors de ses travaux préalables à l’écriture – 600 ouvrages tant d’histoire, de religion, de philosophie que de biologie et de géologie – l’a sans doute aidé à obtenir une perspective exceptionnelle sur les défis qui attendaient l’humanité. Mais Dune reste néanmoins un space opera où la Terre n’est plus qu’un lointain souvenir. En tout cas, Herbert a toujours refusé d’endosser l’uniforme de prophète, sachant à quels extrémismes les prophètes pouvaient mener.
En lisant entre les lignes, le jihad ainsi que les Fremen rappellent en un sens l’Islam. Est-ce à dire, en plus de son côté prophétique – propre à de nombreuses sagas de SF – que Dune est empreint d’une profonde dimension théologique ?
Frank Herbert emploie le terme jihad à de nombreuses reprises dans Dune. Il se serait inspiré du siège de Khartoum en 1885 par les troupes coloniales britanniques : pour sa planète des sables, endroit propice où faire naître un prophète, il a en effet modelé ses Fremen en empruntant aux bédouins du Soudan et à la spiritualité musulmane, ayant recours à de nombreux mots d’arabe pour ajouter de la couleur locale et un certain exotisme au texte, mais en y ajoutant une bonne dose de références au bouddhisme, au catholicisme avec la Bible Orange Catholique et même au judaïsme dans un tome ultérieur. Oui, Dune est emprunt d’une profonde dimension théologique (avec notamment les redoutables Sœurs du Bene Gesserit !) et je ne saurais que conseiller aux lecteurs friands de telles considérations de poursuivre au moins jusqu’au tome 4, L’Empereur-Dieu de Dune, où Herbert réussit le tour de force de nous faire partager les pensées d’un dieu.
Interview de Laurent Pfaadt
A lire : Dune, 6 tomes, nouvelle traduction, coll. Ailleurs et demain, Robert Laffont.
Écrivain,
éditeur, critique, ancien rédacteur en chef du Magazine littéraire, Laurent
Nunez a préfacé l’édition collector des Hérétiques de Dune, qui vient de
paraître aux Éditions Robert Laffont. Pour Hebdoscope, il nous en dit plus.
Quelle place occupe Les Hérétiques de
Dune dans la saga ?
Les Hérétiques de
Dune représente le cinquième et avant-dernier tome
de la série Dune. Il en constitue donc quasiment l’épilogue, mais il a été
écrit à partir d’un coup de génie qui a été mal compris par nombre de fans :
l’intrigue de ce roman se déroule en effet 1500 ans après le tome 4, L’Empereur
Dieu de Dune. Dès lors, tous les personnages que les fans avaient appris à
connaître et à apprécier (Leto II, Siona, Alia, Paul, Jessica) disparaissent de
l’histoire ! Quelle hérésie ! En ce sens, le titre du livre est déjà un indice
des intentions littéraires de Herbert : il a écrit ce qu’il a voulu, et
tant pis si certains ont boudé ce roman formidable, rempli d’énergie et de
péripéties auxquelles on ne s’attendait absolument pas.
S’agit-il
d’une forme de retour à l’équilibre naturel qui préexistait avant le règne de
Leto II ?
Herbert détestait la
répétition – et le retour à un équilibre n’est au final qu’une répétition
heureuse… Souvenez-vous : dans Les enfants de Dune, Leto II
avait vu le pire qui s’annonçait : la fin de l’humanité, si elle
s’enfermait dans ses schémas, et si les humains demeuraient dans leurs petites
habitudes, dans leurs petites vies. Le fils de Paul avait donc entrepris
d’aller là où son père avait reculé : il s’était transformé en monstre des
sables, en dieu vivant, pour comploter des siècles et des siècles, et pour
offrir à l’humanité 35 siècles de quiétude insupportable. « Des milliers
d’années paisibles, dit Leto. Voilà ce que je vais leur donner. » C’est cette
paix horrible et artificielle que Leto II et Herbert appelaient le Sentier
d’or : un chemin qui mène à l’explosion des désirs, et à l’exploration des
mondes.
L’Empereur-Dieu avait
contraint les êtres humains à rester immobiles, prisonniers de leurs proches,
de leurs habitudes et de leur habitus. Il avait imposé l’inactivité à
tout le monde, contenant les possibilités de l’Humanité comme dans une
cocotte-minute, ou comme en un immense ressort que l’on comprime, et que l’on a
hâte de relâcher. À la mort du Tyran, cette fausse paix vola bien sûr en
éclats, provoquant la Grande Dispersion, projetant toute l’Humanité sur des
chemins périlleux mais nouveaux. Herbert propulsa de même son intrigue, et son lecteur,
dans ce nouveau monde des Hérétiques : et c’est ce monde qui
s’ouvre à nous lorsque nous ouvrons ce volume. À nous l’ailleurs qui vient vers
nous, et les Honorés Matriarches, les Belluaires, les Futars, tous ces êtres
que nous découvrons ! À nous la chance d’éviter la répétition, l’ennui, le
psittacisme d’un univers romanesque que nous adorions, mais qui aurait pu
tourner encore et toujours sur lui-même !
Après
Muad’Dib et Leto II, c’est aussi l’apparition d’un autre personnage
central de la saga, Darwi Odrade…
Darwi
Odrade — qu’on appelle plutôt Dar dans le livre — est en effet un personnage
important des Hérétiques, et de la Maison des Mères, le tout dernier
volume de Dune. Cette révérende mère est avant tout une Atréides, et en ce sens
elle poursuit la quête de Paul, de Leto II, de
Siona : trouver une tierce voie dans un monde trop polarisé. Sa mission,
quand elle sera à la tête du Bene Gesserit, sera tout simplement d’éviter la
dissolution de ce groupe de femmes, de le faire évoluer sans que son ADN
philosophique, éthique, ne change radicalement. C’est un personnage qui
fascine, car Odrade est dans le doute constant ; et pourtant elle agit. Elle ne
se laisse pas avoir, comme Alia, comme Paul, ou comme son fils, Leto, par les
pouvoirs de l’épice, qui lui permettraient peut-être de se rassurer et de voir
l’avenir. Au fil des pages, elle tâtonne, essaie, recule, rate souvent, réussit
parfois. Elle craint tout et ne craint rien. Elle tient sans doute le rôle le
plus humain, le plus pathétique, de ce cycle : c’est une héroïne
anti-héroïque.
On
sait qu’Herbert écrivit Les Hérétiques de Dune alors que sa femme
mourait du cancer. Cela se traduit-il dans cet opus ?
Il est difficile
de savoir exactement dans quelle mesure cela a influencé le contenu du livre,
mais certains critiques ont fait des observations sur la tonalité plus sombre
et introspective de ce livre par rapport aux autres de la série. Les
Hérétiques de Dune aborde, en effet, les thèmes de la perte, du deuil, du
sacrifice et de la transformation personnelle, qui reflètent évidemment le
drame personnel de Herbert à l’époque. Mais si la tonalité de ce livre est plus
noire que d’ordinaire, Herbert nous laisse tout de même un message optimiste à
travers cet autre message que Leto II, le terrible Empereur, a laissé dans
une des salles délabrées du Sietch Tabr, et qu’Odrade déchiffre avec angoisse
dans LesHérétiques :
« JE
VOUS LÈGUE MA PEUR ET MA SOLITUDE. À VOUS JE DONNE LA CERTITUDE QUE LE CORPS ET
L’ÂME DU BENE GESSERIT CONNAÎTRONT LE MÊME SORT QUE TOUS LES AUTRES CORPS ET
QUE TOUTES LES AUTRES ÂMES.
QU’EST-CE
QUE LA SURVIE SI L’ON NE SURVIT PAS ENTIER ? DEMANDEZ-LE DONC AU BENE TLEILAX !
QU’EST-ELLE SI L’ON N’ENTEND PLUS LA MUSIQUE DE L’EXISTENCE ? LES MÉMOIRES NE
SUFFISENT PAS SI ELLES N’ONT PAS LE POUVOIR D’INSPIRER DE NOBLES FINS ! »
La musique de l’existence : celle qui, toujours, va de l’avant. Celle qui fait danser, et non pas celle qui fait marcher au pas. Il existe une sagesse pratique chez Frank Herbert, que l’on n’a pas assez retenue et qui consiste à s’efforcer de penser davantage au futur qu’au passé. Cela va de pair avec les nobles fins… Leto II semble insinuer cela dans la dernière phrase de son message, que j’aime beaucoup : l’expérience, le savoir, la mémoire seconde, tout qui nous vient des autres, du passé, et qui nous nourrit démesurément, n’est pas d’une si grande valeur si l’on ne s’en sert pour se diriger dans le monde et pour le transformer, pour trouver un but à la fois personnel et collectif. Une raison d’agir propre à soi, mais utile à tous. Une raison d’agir, et de vivre, qui tienne face à la mort. Et la raison d’agir et de vivre de Herbert ? C’était, malgré la perte de sa femme, d’écrire cette saga, qui continue de fasciner et d’influencer des millions de lecteurs dans le monde.
Le premier film du Coréen Jason Yu arrive sur nos écrans trois semaines et demi après s’être aventuré en terres vosgiennes. Lors de la 31ème édition du Festival International du Film Fantastique de Gérardmer, Sleep a en effet décroché le Grand Prix.
Bernard Werber remet le Grand Prix à Jason Yu
Retour sur ce qui a été une des bonnes surprises de la manifestation, qui d’ailleurs cette année n’en manquait pas. Après être passé par la filière du court-métrage, le réalisateur a fait un grand pas en avant avec son premier long. Le film est un modèle d’équilibre, dans lequel comédie et Fantastique se mélangent avec une évidence plutôt rare.
Sleep nous fait partager la petite vie tranquille de Hyeon-soo (le regretté Lee Sun-kyun) et Soo-jin (Yung Yu-mi), un gentil petit couple comme le cinéma asiatique sait si bien les représenter. Habitant un appartement douillet, le couple se prépare à la naissance de son premier enfant. Hyeon-soo est comédien professionnel, mais des problèmes de somnambulisme viennent progressivement perturber sa vie conjugale ainsi que sa vie professionnelle. Au début, son épouse ne s’en inquiète pas. Mais la naissance de leur enfant approche, et les crises de somnambulisme prennent des proportions de plus en plus inquiétantes. Hyeon-soo se défigure en se grattant compulsivement le visage, il vide le frigo et va jusqu’à tenter de sauter par la fenêtre.
Ce ne sont là que les manifestations les plus « normales » de son somnambulisme, nous n’éventerons pas les autres. Jason Yu a écrit le scénario de son film (seul moyen de devenir metteur en scène en Corée du Sud quand on est novice, selon lui), ce qui l’a aidé à savoir quoi filmer et comment le filmer. Sa caméra est intimiste, elle est au plus près du quotidien du couple. La force de son récit réside précisément dans sa capacité à illustrer la vie d’un couple aimant et harmonieux, et sa réaction à une situation inhabituelle. Le Fantastique s’immisce peu à peu dans l’histoire, mais de manière tellement furtive qu’on ne sait comment comprendre les événements. Ce qui est assez plaisant il faut le reconnaître.
Son calvaire prenant des proportions inquiétantes, Hyeon-soo va donc naturellement se tourner vers une clinique spécialisée dans les troubles du sommeil, qui va lui proposer toutes sortes de conseils et de médicaments. Et des petits trucs sur l’aménagement de leur appartement afin d’éviter toute forme d’accident. Au début tout semble aller dans la bonne direction. Mais finalement l’amélioration s’arrête aussi vite qu’elle a commencé. Appelée en renfort, la belle-mère va faire intervenir une médium, et c’est là que le film évolue vers autre chose. La médium sentira une présence malfaisante, très puissante, sans parvenir à en dire plus et à mettre le doigt sur le « fantôme » qui serait la cause des troubles grandissants de Hyeon-soo. Le couple va alors chercher une explication surnaturelle, et se mettre en quête d’événements violents ayant pu toucher leur cercle proche. Commence une recherche fastidieuse auprès des ex petits-amis éconduits. Elle ne donnera pas de résultats tangibles.
Sleep est un film captivant, à l’atmosphère envoûtante. Maîtrisé de la première à la dernière image, le spectateur y partage un moment clef de la vie d’un couple ordinaire. Selon sa propre sensibilité, pour expliquer ce qu’il voit à l’écran, le spectateur empruntera deux directions qui n’ont rien en commun. L’amateur de fantastique choisira naturellement le surnaturel, la poésie, tandis que le rationnel se raccrochera à des éléments plus cartésiens.
Quoi qu’il en soit, chacun trouvera dans Sleep matière à satisfaction. Questionné sur le sujet, Jason Yu s’en est d’ailleurs amusé, se gardant bien de dire de quel côté il se rangeait. Avec sa maîtrise du cadre et de l’espace, le metteur en scène se place déjà comme l’un des grands espoirs du cinéma coréen. L’empathie dont il fait preuve pour ses personnages est le petit plus qui a convaincu les membres du Jury Longs-Métrages du dernier Festival de Gérardmer. Son « feel good horror movie » comme il le décrit lui-même a pleinement mérité son Grand Prix.
Aventurier au long cours, Adamo Diop, poète sénégalais veut nous rendre témoin de son odyssée utilisant le lieu théâtral comme port d’attache où il a jeté l’ancre.
Cependant ce qu’il nous propose durant presque trois heures
ce ne sera pas du théâtre proprement dit mais un mix performatif dans lequel
seront convoqués un film, dont il est le réalisateur, le chef opérateur étant
Rémi Mazet, des textes à lire sur écran pour suppléer la lecture à voix off, la
musique en live et le conte.
Autant dire que le public est sollicité de toute part et
parfois submergé par ce parcours donné à voir et à entendre, ce voyage
initiatique accompli par le personnage de Malal interprété par Adamo Diop, son
double à l’évidence, à la recherche de soi, à la découverte de soi qui, il nous
le montre de maintes façons, consiste à se perdre longtemps pour enfin se trouver.
Il nous apprend que c’est la mort de sa mère qui a tout déclenché comme une perte insupportable qui lui occasionne des rêves insensés, peuplés de fantasmes qu’il tient à nous faire connaître par des représentations imagées, des mises au point comme celle où sa mère lui explique qu’elle est seule responsable de sa mort ,ayant refusé de donner son sac à main car il contenait entre autre la photo de Malal enfant et qu’il n’est donc pas un assassin comme on le lui reproche, de même il n’est pas responsable de la mort de sa compagne, Jupiter qui, déçue par son comportement, quitte leur appartement et dans sa hâte se fait renverser par une voiture au pied de leur immeuble . Apparition récurrente d’une femme blanche appelée Marianne, allusion évidente à une autre bien connue !
Beaucoup d’images du Sénégal.
Quand le film s’arrête apparaissent sur le plateau, le comédien qui raconte accompagné par les musiciens, Anne-Lise Binard, au violon et à la guitare électrique, Dramane Dembélé aux ngoni et flûtes mandingues, Léonor Védie au violoncelle, formant ensemble un quatuor qui poursuit le long exposé de ce cheminement.
Parce que Malal quitte son pays et devient un migrant, Adamo Diop va consacrer une partie du spectacle aux problèmes de la migration sans y apporter autre chose que ce que nous connaissons, hélas que trop bien, mais qui lui vaut l’approbation d’une partie du public, l’ensemble restant malgré tout circonspect.
Le festival Italissimo consacré aux littératures
italiennes est de retour du 2 au 7 avril 2024
Après
une édition 2023 marquée par une programmation conjointe avec le festival du
Livre de Paris, ITALISSIMO revient pour sa neuvième édition du 2
au 7 avril 2024 avec quelque trente-cinq écrivains.
Comme
tous les ans, le public aura l’occasion de rencontrer les écrivains
emblématiques du paysage éditorial italien, ainsi que d’en découvrir les
nouvelles plumes, récemment traduites en français. Lectures, rencontres,
projections, ateliers de traduction, d’écriture, jeunes publics, spectacles,
rencontres scolaires, vont rythmer ces jours de festival.
Cette
année Paolo Giordano sera la tête d’affiche de cette nouvelle édition. L’auteur
du désormais cultissime La solitude des nombres premiers, prix Strega, le
Goncourt italien, en 2008 et paru au Seuil en 2009 conduira une délégation
d’écrivains transalpins désormais connus du grand public et composée des prix
Strega Mario Desiati (2019) et Nicola Lagioia (2015) mais également de Lisa
Ginzburg, autrice du remarqué Sous ma carapace (Verdier, 2023) ou
d’Alessandro Barbaglia et son remarquable coup du fou (Liana Levi,
2022), un roman encensé par Daniel Pennac « qui l’offre à tout le
monde » et que nous avions chroniqué : http://www.hebdoscope.fr/wp/blog/la-guerre-des-echecs-aura-lieu/
L’auteur
de la saga Malaussène sera lui-aussi présent puisqu’il lira à la Maison de la
Poésie Le Lynx (Liana Levi, 2012) de Silvia Avallone. D’autres
auteurs comme Marco Missiroli (Chaque fidélité, Calmann-Lévy, 2019)
et Rosella Postorino, autrice il y a
quelques années de La goûteuse d’Hitler (Albin Michel, 2019), prix Jean
Monnet complèteront cette pléiade d’héritiers de Dante et d’Alberto Moravia.
La
Maison de la Poésie comme l’Institut Culturel italien, la Maison de l’Italie,
la Sorbonne ou Science Po seront à nouveau les repaires de nos héros
littéraires transalpins. C’est d’ailleurs dans la prestigieuse institution de
la rue Saint Guillaume que tout débutera avec Karine Tuil et Paolo Giordano.
Tous ces auteurs évoqueront à coup sûr la mémoire de Goliarda Sapienza, la géniale autrice de L’art de la joie (Viviane Hamy) dont 2024 marquera le centenaire de la naissance. Pour l’occasion, un documentaire sera projeté. Côté cinéma, le réalisateur Edoardo de Angelisprésentera Commandant, son nouveau film écrit avec Sandro Veronesi tandis qu’une rencontre professionnelle sur l’édition en France et en Italie se tiendra à l’Institut Culturel italien. Enfin, cette fête de la littérature italienne ne serait pas totale sans la présence du plus italien des auteurs français, Jean-Baptiste Andrea, récent prix Goncourt pour Veiller sur elle (L’Iconoclaste), magnifique saga italienne, qui dialoguera avec Giuseppe Catozzella, auteur de Brigantessa (Buchet-Chastel, 2022), prix des lecteurs aux littératures européennes de Cognac en 2023. Ainsi, quelques mois avant les JO, Paris deviendra l’Olympe des dieux…littéraires italiens.
31ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer.
C’était iy a trente ans, au début du mois de février 1994. Fantastic’Arts naissait au coeur des Vosges à Gérardmer. Le festival prenait la suite du Festival International du Film Fantastique d’Avoriaz, qui s’était tenu dans la station de sports d’hiver de 1973 à 1993. Aujourd’hui la ville de Gérardmer est indissociable du festival, qui rayonne au-delà de nos frontières avec toute sa ribambelle de films primés. La manifestation s’est étoffée progressivement, offrant de nombreux événements en ville, des rencontres littéraires au Grimoire, des masterclass avec d’éminentes figures du Septième Art et de la littérature, des ateliers destinés au jeune public et, il n’y a pas si longtemps, des zombies walks qui grouillaient dans les rues de la ville. La horde bravait des conditions météo parfois rudes.
Pour sa 31ème édition, le festival avait convié deux grands noms de la littérature française pour chapeauter les deux jurys de films en compétition. Bernard Werber (il fait partie du décors, étant quasiment présent à chaque édition) pour le Jury Longs-Métrages, et Bernard Minier pour le Jury Courts-Métrages. Pour départager les 10 films en compétition, Bernard Werber était accompagné de Clovis Cornillac, Jean-Paul Salomé, Caroline Anglade, Sébastien Vaniceck, Mathieu Turi, Mélanie Bernier et Charlotte Gabris. De son côté, l’auteur de polars Bernard Minier était entouré d’Adrien Ménielle, Alice Moitié, Monsieur Poulpe, et Mara Taquin. Sur les 5 jours que durait le festival, le Jury Courts devrait lui départager 5 œuvres. Tout au long de cette (trop?) courte manifestation les écrivains, comédiens, scénaristes, réalisateurs et photographes composant les jurys se sont rendus disponibles, en participant à des tables rondes, des interviews et de longues séances de dédicaces ouvertes au plus grand nombre à l’Espace Tilleul.
Cette année, les films visionnés ont abordé le Fantastique et son bestiaire sous toutes ses coutures. Vampires, sorcières, fantômes, mutants, loups garous, zombies, possessions et sectes en tout genre ont envahi les quatre (bientôt cinq ?) écrans de la ville pour le plus grand plaisir de tous, ces amateurs de sensations fortes venus des quatre coins de France.
Revrgis
Resvrgis, du réalisateur italien Francesco Carnesecchi, s’intéresse à l’émouvante figure du loup-garou, cette créature incomprise soumise aux caprices de la lune. Venu présenter son film à Gérardmer sur la scène de l’Espace Lac, le metteur en scène a tenu à rendre hommage à ses illustres aînés, les Dario Argento et Lucio Fulci de l’époque, qui avaient donné à la terreur à l’italienne ses lettres de noblesse, il y a une éternité. Si son respect pour le genre et son illustration du mythe sont sincères, ils ne permettent pourtant pas à son film de rivaliser avec les grands classiques. Reste quelques belles images (la scène finale) et une créature au look plutôt réussi. Resvrgis était en compétition, mais n’a pas remporté de prix .
Vampire humaniste cherche suicidaire consentant
Présenté Hors Compétition, le film québecois Vampire humaniste cherche suicidaire consentant a été notre petit coup de cœur. Présenté par sa réalisatrice Anne Louis-Seize sur la grande scène de l’Espace Lac, pendant cinq bonnes minutes, son film a été celui qui a recueilli le plus d’applaudissements. Nous l’aborderons plus en détail lors de sa sortie le 20 mars prochain. Sachez seulement qu’il s’agit de suivre la crise d’adolescence (68 ans tout de même !) de Sasha, une vampire qui ne peut se résoudre à mordre et tuer ses proies afin de se sustenter. Ce qui pose problème à ses parents, qui voudraient la voir prendre son envol. Sa rencontre avec Paul, un adolescent lunaire aux tendances suicidaires, va peut-être lui offrir la solution : il est d’accord pour lui offrir sa vie. Anne Louis-Seize a fait l’effort de rester pendant la projection ; elle a ainsi pu assister au tonnerre d’applaudissements qui a parcouru la salle quand les lumières se rallumèrent.
Kaidan, Histoires étranges de fantômes japonais
Kaidan, histoires étranges de fantômes japonais d’Yves Montmayeur, est un documentaire hors compétition sur la J-Horror (Japan Horror), et plus particulièrement sur le sous genre du film de fantômes. Bien que ne pouvant être exhaustif en 1H30, le film illustre la figure du fantôme à travers ses différentes expressions : les contes, le cinéma, le théâtre, la danse, la télévision, le manga. Un voyage peut-être un peu rapide, qui nous a toutefois permis de croiser de grands noms ayant touché au genre : Hideo Nakata, Kiyoshi Kurosawa, Takashi Shimizu, Junji Ito et bien d’autres.
La Morsure
Premier long-métrage de Romain de Saint-Jean Blanquat, La Morsure était présenté hors compétition. Le spectateur y faisait la connaissance de Françoise et Delphine, deux jeunes filles pensionnaires d’un lycée catholique. Supportant mal le carcan religieux, Françoise est persuadée qu’il ne lui reste plus qu’une seule nuit avant sa mort. Elle décide de faire le mur avec son amie, pour se rendre à une fête costumée non loin de là, et vivre pleinement cette dernière soirée. La ballade un peu brouillonne nous fait rencontrer une belle brochette de personnages, certains énigmatiques (mention spéciale à Frédéric Blin, bien loin de son rôle d’Estèves, le neveu des Raymond et Huguette de la série Scènes de Ménages), tous confrontés à des situations improbables. Les amateurs de canines acérées devront s’armer de patience, La Morsure ne partageant qu’un rapport ténu avec le Fantastique (nous n’en dirons pas plus, de peur d’éventer la surprise…). Reste quelques jolies scènes, et des dialogues parfois très justes.
Roqya
Roqya de Saïd Belktibia aborde le thème de la sorcellerie. On y suit le quotidien de Nour, qui vit en faisant de la contrebande d’animaux exotiques qu’elle vend à des guérisseurs pratiquant la Roqya, cette médecine prophétique basée sur des méthodes de guérison occulte. Dans la banlieue de Paris, le trafic de Nour se développe, jusqu’au jour où une consultation vire au drame. Nour deviendra alors la proie d’une chasse aux sorcières, et aura fort à faire pour protéger la vie de son fils ainsi que la sienne. Roqya s’appuie sur des comédiens qui ont fait leurs preuves : Golshifteh Farahani et Denis Lavant sont de la partie, entourés de comédiens moins connus, mais tout aussi convaincants.
When Evil Lurks
Le film argentin When Evil Lurks de Demian Rugna était très attendu à Gérardmer. Avec son histoire de possession, son style épuré, sa mise en scène efficace, ses effets gore et son imaginaire sur le démon bien développé, le film s’appuyait sur des décors et une musique aux petits oignons. Pas un moment de répit pour le spectateur qui, ravi, n’en demandait pas tant, et imaginait dès le début le pire. Très bien accueilli, When Evil Lurks repartit de Gérardmer avec deux Prix, celui de la Critique, et celui du Public. Bien à sa place au cœur de cette 31ème compétition, le film mérite ses récompenses, et illustre parfaitement ce que l’on cherche à Gérardmer : un mal pernicieux, sournois, et surtout qui a la vie dure…
The Funeral
The Funeral du réalisateur turque Orçun Behran suivait l’étrange ballade de Celam, un conducteur de corbillard solitaire, chargé d’une étrange mission : ramener le cadavre d’un jeune fille à sa famille, dans un coin reculé du pays. Problème, la jeune fille n’est peut-être pas aussi morte qu’elle en a l’air. Roadtrip atypique, The Funeral alterne moments contemplatifs, scènes gores et visions poétiques, en nous faisant parcourir une Turquie aux paysages variés, aux côtés d’un comédien qui n’est pas sans rappeler un certain Nicolas Cage, les fans de l’acteur apprécieront…
Perpetrator
Sélectionné dans le cadre de la compétition, Perpetrator de Jennifer Reeder affichait une certaine esthétique. Dans cette histoire en apparence très simple (un psychopathe enlève des lycéennes issues d’un même quartier) Jennifer Reeder fait quelque chose d’un peu plus original. On y suit la croisade de Jonny, une jeune fille qui subit une métamorphose à l’occasion de ses 18 ans. Elle décide de traquer le criminel. Dommage que le film n’exploite pas plus son imaginaire. Face à la caméra, on retrouve Alicia Silverstone et Chris Lowell, aux côtés de Kiah McKirnan, vue dans la série Vers les étoiles.
It’s a Wonderful Knife
Présenté hors compétition, It’s a Wonderful Knife marquait le retour de Tyler MacIntyre à Gérardmer, 6 ans après son précédent film, Tragedy Girls. Venu présenter son œuvre sur la scène du Lac, le réalisateur américain s’est exprimé avec son débit mitraillette pendant cinq minutes, qui ont paru bien longues au maître de cérémonie David Rault, chargé pour l’occasion de la traduction. Le film est un slasher de Noël, moins cynique que Tragedy Girls, qui remplit honorablement son cahier des charges. Comme souvent, quand c’est bien conçu, comédie et coups de couteaux cohabitent bien.
The Forbidden Play
The Forbidden Play marquait le retour d’Hideo Nakata en terres vosgiennes. Célèbre pour avoir contribué à la vague de films d’horreur asiatiques qui a déferlé sur le monde à la fin des années 90, avec Ring et plus tard Dark Water, le réalisateur nippon n’a rien perdu de son mordant. Il parvient toujours à susciter l’angoisse avec peu de choses. Son film est reparti bredouille, ce qui ne lui retire pas ses qualités.
The Seeding
Premier film du britannique Barnaby Clay, The Seeding récolta le Prix du Jury Jeunes de la Région Grand-Est. Dès l’ouverture le réalisateur pose une chape de plomb sur son histoire. Perte de repères, étouffement, claustrophobie et isolement sont au menu du récit, qui nous fait suivre le calvaire d’un randonneur égaré dans le désert. Venu photographier une éclipse solaire, il va venir en aide à un enfant égaré, et ne sera pas vraiment remercié pour son geste…
Sleep
Récompensé par le Gand Prix du festival, le film coréen Sleep était le premier long-métrage de Jason Yu. En suivant l’existence d’un jeune couple confronté aux crises de somnambulisme du mari, le réalisateur nous plonge progressivement dans le Fantastique. Il est méthodique, prend le temps de poser les jalons de son récit, et la magie opère :le Fantastique est partout et nulle part à la fois. Derrière chaque manifestation du somnambulisme de l’époux se cache quelque chose, ou quelqu’un. Ancien assistant de Bong Joon-Ho, Jason Yu partage avec lui sa maîtrise des décors et de l’espace. Il fait de l’appartement qu’habite le couple un personnage à part entière (et pas des plus bienveillants). En récompensant Sleep, le Jury a salué un feel-good horror movie (dixit Jason Yu lui-même), qui confronte des personnages on ne peut plus normaux à des phénomènes qui ne le sont pas. Le fantastique et la comédie se partagent ici les rôles de la manière la plus naturelle possible. Le film est dédié au comédien Lee Sun-kyun, adulé en Corée,et disparu il y un mois et demi (on se rappelle de lui notamment dans la Palme d’Or du festival de Cannes 2019, le film Parasite de Bong Joon-ho.)
La Damnée
Premier long-métrage du jeune réalisateur Abel Danan (25 ans), La Damnée était sélectionné en compétition. On y suit le quotidien de Yara, une jeune marocaine venue étudier à Paris. Souffrant de troubles psychologiques, Yara va devoir lutter contre la folie alors que le confinement s’abat sur la ville. Dans son appartement les choses vont se compliquer, la jeune fille n’ayant plus aucun contact avec l’extérieur. Au cœur de cet étouffant huis clos le spectateur découvre, avec Yara, ses vraies origines. Partant de là, elle peut désormais grandir…
Comme chaque année, les films se sont enchaînés, nous entraînant dans un tourbillon incessant, nous faisant perdre nos repères. Il était en effet parfois difficile de savoir à quel moment de la journée on se situait, les jours se suivant, truffés de péloches qui -heureusement- ne se ressemblaient pas. Les films en compétition étaient homogènes, d’un bon niveau, et les bénévoles, sans lesquels la manifestation ne pourrait exister, toujours aussi sympathiques. On ne les changera pas, et c’est tant mieux. La météo, clémente, a permis aux festivaliers de se balader dans la ville et aux abords du lac, lieu incontournable de la ville s’’il en est (avec l’Espace Tilleul et son célèbre Grimoire). A l’heure du bilan, Pierre Sachot, Président de l’Association du Festival, a dévoilé les dates de la prochaine édition. Ce sera du 29 janvier au 2 février 2025. A vos agendas et surtout, ne manquez pas l’ouverture de la billetterie, afin d’acheter le précieux sésame. Cette année la mise en vente des PASS a battu des records de fugacité, les festivaliers espèrent que l’année prochaine l’organisation s’y prendra autrement. A voir…..
La brésilienne Carolina Bianchi a conçu, écrit, mis en scène avec le collectif Cara de Cavalo, un travail en deux parties qui porte sur un sujet gravissime, les violences faites aux femmes, à savoir, les viols, les meurtres.
Impliquée, elle-même dans la conduite de la pièce, c’est elle qui ouvre le jeu, en tenue blanche, elle prend place derrière une petite table face au public pour entamer la lecture d’un dossier qui récapitule nombre de ces sombres affaires qui ont défrayé la chronique depuis de longues années à propos des exactions subies par des femmes.
Quelques vers de Dante, extraits de l’Inferno, puis des citations du Décaméron de Boccace font partie des références mises en exergue dans cette première partie ainsi que des projections de tableaux de Botticelli intitulés « La chasse infernale » inspirés du Décaméron représentant un cavalier poursuivant et menaçant de son épée une jeune femme. C’est l’histoire d’un jeune homme Nastagio repoussé par la dame de ses pensées qui assiste à cette poursuite et à l’assassinat de la jeune femme et à son dépeçage, scènes d’une violence extrême destinées à convaincre les femmes qu’elles doivent se soumettre, sinon elles risquent la mort.
Carolina se lance aussi dans le récit de l’épopée de deux artistes italiennes, Pippa Bacca et Sylvia Moro décidées à aller de Rome à Jérusalem, habillées en mariées, par le moyen de l’auto-stop en acceptant toutes les propositions qui s’offriraient à elles et ce pour démontrer que le monde est bon. Mais parce que le conducteur lui semble suspect, Sylvia refuse une voiture, les deux femmes se séparent, Pippa continue seule et sera violée et assassinée en Turquie.
Pendant qu’elle mène son récit Carolina boit à petites gorgées le contenu d’un verre dans lequel, elle nous a prévenu qu’elle a introduit « la boa noite cinderela » (bonne nuit cendrillon), la drogue des violeurs et que bientôt elle risque de s’endormir et devra passer le relais du spectacle à ses partenaires. Cela arrive effectivement, elle s’endort sur sa table.
C’est alors un changement de plateau que mettent en place des comédiens affairés à ouvrir le rideau, installer une immense bâche noire sur le sol y déposer des matelas sur lesquels des tas de sable prennent l’allure de formes humaines. Le nouveau spectacle peut démarrer. Carolina endormie est déposée avec précaution sur un matelas auprès des autres « cadavres ».
Il s’agit de donner une représentation visuelle des propos entendus précédemment et pour ce faire le groupe se lance dans une danse violente, effrénée, brutale, sensuelle. Il n’y a pas de répit à cette mise en évidence des horreurs commises à l’encontre des femmes. Les comédiens osent les attouchements. C’est cru, réaliste, parfois à la limite du supportable. Heureusement la bande-son permet de s’évade ainsi que la lecture des textes sur l’écran qui allège le poids de ce réalisme sordide peut-être parfois trop appuyé et long aussi sur un thème tellement lourd. Bien que les comédiens (Alita, Larissa Ballarotti, José Arthur Campos, Joana Ferraz, Fernanda Libman, Chico Lima, Rafael Limongelli, Marina Matheusent ) très talentueux et pleins d’allant s’investissent à fond, on aimerait plus de respiration et moins de complaisance dans ces scènes qui ne ménagent pas notre sensibilité, à l’instar de la dernière lorsque Carolin, sortie de son endormissement, allongée sur le capot de la voiture qui occupait le fond de la scène depuis le début de cette deuxième partie, se prête, sous le regard de tous, à un examen gynécologique reproduit sur l’écran.
Un spectacle qui a provoqué en nous trouble et malaise bien
que le sujet soit d’une brûlante actualité au vu des nouvelles entendues chaque
jour sur les vols et les féminicides. Ici tout est dit et montré sans ménagement
et l’on en sort « sonné » comme après un cauchemar qui,
malheureusement, entretient un rapport évident à la réalité.
C’est un spectacle que l’on pourrait qualifier de manifeste. Dû à l’initiative du danseur, Ordinateur, pour le collectif La Fleur, dans la mise en scène de la berlinoise Monika Gintersdorfer, Il est d’’une extrême intensité, tout à la gloire des danseurs-euses africains-nes éblouissants de virtuosité.
Avec Alaingo Lamama, Annick Choco, Barro Dancer, Mason
Manning, Ordinateur, Joel Tende, Zota La puissance. Tous impressionnants par
leur capacité à mettre tout leur corps en mouvement avec une rapidité
époustouflante, lançant bras et jambes
pour occuper l’espace au plus loin d’eux, parfois en solo, parfois
ensemble dans une superbe chorégraphie qui les réunit pour porter la danse à son plus haut niveau.
Ils et elles arrivent de Côte d’ivoire, du Congo-RDC, du Gabon où leur style de danse appelé coupé-décalé fait vibrer leurs admirateurs. Arrivés pour se faire connaitre en Europe leur vie devient très compliquée et c’est aussi de cela que leur spectacle tient à nous informer.
L’un ou l’autre vient occuper la scène produisant une danse rapide, athlétique sur des musiques extrêmement rythmées signées Timor Litzenberger, simultanément, des explications sont données sur les difficultés administratives auxquelles ils ont dû faire face. Que cela concerne la régulation des autorisations à séjourner en Europe, la recherche de logement ou d’emploi quand on se heurte au racisme. Le titre donné à leur spectacle prend alors tout son sens et tout en étant subjugués par leurs prestations nous ressentons vivement l’importance de leur message qui met directement en cause la capacité des pays européens à accueillir les réfugiés et entre autres les artistes.
Nous mesurons combien il est important que des institutions
théâtrales comme le TNS et Le Maillon leur ouvrent régulièrement leurs portes
et permettent à un large public de les soutenir.
À ses débuts, la
réalisatrice a fait un stage à l’agence CAPA, découvrant le monde des
journalistes-reporters, une « famille » de passionnés, solidaires, en
quête de la vérité. Puisant dans cette expérience, son film rend hommage, avec
des personnages attachants, à cette profession aujourd’hui en péril.
Copyright Pyramide Films : Pascale Arbillot , Vincent Elbaz , Pierre Lottin , Alice Isaaz , Jean-Charles Clichet
On
se dit que Vivants ferait une super
série ! Tous les ingrédients sont là, les drames personnels, les grands
événements, l’urgence pour les journalistes à être présents au bon moment.
Vivants, oui, ils le sont ces reporters à courir aux quatre coins du monde !
Cependant, le métier a changé. Il y a dix-vingt ans, il était possible de
prendre un avion dans l’instant avec la nécessité d’informer et d’être là au
moment où l’histoire s’écrit. C’était à la fois important et exaltant.
Aujourd’hui, la lourdeur des procédures et contraintes administratives freine
les élans et la liberté. Il faut demander les autorisations, les accréditations
sans compter que les rédactions sont comme d’autres institutions dirigées par la
nécessité du profit, comme l’a constaté Alix Delaporte en enquêtant pour son
film : « Au final, cette passion pour la recherche de la vérité est
toujours là. Le métier n’est pas menacé par les journalistes, mais par les
financiers qui prennent le pouvoir dans les rédactions et pour qui les
reporters de terrain deviennent un luxe inutile. » Le téléphone portable
également a contribué à ce que la profession disparaisse mais heureusement qu’à
Gaza le téléphone portable peut témoigner de l’actualité le reconnaît Alix
Delaporte. Pour Sama tourné en 2019
en Syrie, au cœur d’un hôpital, est une référence pour elle.
Copyright Pyramide Films : Vincent Elbaz , Roschdy Zem, Pierre Lottin
Vivants réunit la nouvelle génération avec des
reporters qui « ont quelque chose de héros ». Il y a celui qui a été à
Sarajevo et ceux qui n’ont qu’un défilé de mode à filmer pour faire
l’actu ! Cependant, les aînés sont bienveillants avec les plus jeunes et
lorsque Gabrielle débarque pour faire un stage au sein d’une émission de
reportages, elle va être prise sous les ailes des anciens. Il est vrai qu’elle
les bluffe, cette toute jeune femme qui a été guide de montagne et monte une
caméra comme on monte une arme ! Alice Isaaz campe Gabrielle de façon tout
à fait convaincante, cette femme terrienne et réactive. Vincent, Roschdy Zem,
rédacteur en chef aguerri pourtant à côtoyer des stagiaires est sous le charme,
Damien également, Vincent Elbaz, ces deux dinosaures du journalisme. Il y a
Kosta aussi, Jean-Charles Clichet, bourru, bougon, largué par sa copine
(surtout ne pas quitter la salle tout de suite à la fin du film !)
L’admiration
entre les générations transpire et notamment entre Gabrielle et Vincent pour
qui elle est réciproque, Vincent qui rajeunit à son contact, stimulé par son
énergie communicative. Une séquence vaudrait à elle seule le détour et il
semblerait que Roschdy Zem y ait puisé une raison supplémentaire pour jouer
dans le film, comme un défi à relever, le sortant de sa zone de confort dans
une danse où la virilité la dispute à la sensualité : une chorégraphie sur le
Boléro de Ravel où le comédien est à la fois gracieux, sa part de féminité
révélée, combattif et comme en transe. Si Gabrielle (et nous) sommes subjugués,
cette séquence témoigne d’une réalité : la nécessité pour des journalistes
d’exorciser leur traumatisme : « Certains reporters de guerre
souffrent de stress post-traumatique. Ce trouble est traité depuis longtemps
chez les soldats, mais moins chez les journalistes. Ce n’est pas facile à
représenter dans un film. Un journaliste qui parle de lui et de ses « faits
d’armes » n’est pas très crédible. Et le stress post-traumatique est d’autant
plus difficile à verbaliser qu’il n’est pas conscient. Le moment
d’extériorisation de Vincent lorsqu’il danse sur le Boléro est une façon de
faire ressentir ce trouble au spectateur. »
À
Alice Delaporte à qui l’on a demandé si elle envisageait de faire une série qui
se passerait dans ce milieu passionnant des journalistes-reporters qu’elle décrit
ici, elle répond : « Plus ça va, plus j’envisage une suite – reste à
savoir sous quelle forme. » On se réjouit d’avance !
Traduction du titre « Grands singes de la Côte Ouest ». Un titre qui évoque l’Afrique, de façon stéréotypée à l’instar de ce décor qui représente une hutte posée sur un sol sablonneux.
Un spectacle donné pour la première fois en France et qui
nous interpelle tombant juste au moment où la loi sur l’immigration vient
d’être promulguée dans notre pays.
Sur le plateau de la salle Gignoux, pendant que s’installent
les spectateurs, Princess Isatu Hassan Bangura qui a
écrit et mis en scène ce spectacle a déjà commencé sa prestation, son
corps est agité de tremblements, sa tête effectuant des mouvement répétitifs de
torsion et d’inclinaison.
Sa performance est destinée à nous informer de ses origines
et de son identité qu’elle revendique comme objets de fierté.
Mais quand le spectacle commence un cri jaillit de sa
bouche « fuck » vite traduit par « putain de merde ».
On comprendra bientôt les raisons qui lui font proférer ces termes orduriers.
Revenant sur son arrivée en Europe, elle, originaire de Sierra Leone où elle a
vécu jusqu’à ses 13 ans avant de quitter ce pays en raison de la guerre civile pour
s’installer à Maastricht aux Pays-Bas, elle se trouve confrontée à des
questions sans cesse réitérées : « Qui
es-tu ? », « D’où
viens-tu ? », « Quelle est ton histoire ? » qui
n’ont de cesse de lui faire sentir une sorte d’illégitimité à être là, du moins
la nécessité de se justifier. Ce sont
les raisons qui l’ont conduite à se manifester et à prendre la scène comme lieu
pour s’affirmer en tant qu’africaine fière de ses origines et de sa culture, de
régler à haute et intelligible voix le problème de ses origines et de son
identité, de s’en libérer.
En évoquant les moments forts de son histoire comme le souvenir de ses parents avec elle petite fille sur la plage ou de la peur pendant la guerre où il fallait fuir et ce au moyen de la danse, du chant, de la parole en an anglais ou en krio, le créole anglais, elle se réapproprie pour nous la donner à connaitre ce parcours qui la constitue et qu’elle va clore par une scène typiquement africaine où elle apparaitra vêtue d’une grande robe dont les manches très larges et pailletées lui font comme des ailes d’oiseaux quand elle se livre à cette danse endiablée, d’autant plus impressionnante qu’elle a posé un masque sur son visage et une paire de cornes sur sa tête.
La culture africaine au défi de notre regard et de notre
entendement.
